Un amico straordinario
A Paul
Fred Rogers (Tom Hanks), conduttore di una popolare trasmissione televisiva americana, davanti alla telecamera assume la parte del miglior vicino di casa. Entra cantando sul set. Poi, si toglie la giacca, indossa un cardigan e si cambia le scarpe. I modi cordiali, la spontaneità dei gesti, la cadenza lenta dei discorsi, fanno capire sin da subito che Mr. Rogers è un’icona di gentilezza. Infatti, si rivolge ai telespettatori dal suo salotto raccontando storie di empatia e presentando i suoi migliori amici: le marionette. Fred Rogers è una figura molto amata da grandi e piccoli.
Ma il protagonista di questa storia è Lloyd Vogel (Matthew Rhys), giornalista della rivista statunitense “Esquire”. Il suo personaggio è inspirato a Tom Junod, autore dell’articolo “Can You Say … Hero?” che riporta un’intervista a Mr. Rogers. Lloyd Vogel è un uomo ferito dal passato. La fonte principale della sua sofferenza è suo padre, Jerry (Chris Cooper), un donnaiolo con gravi problemi di alcolismo. Lloyd ha una brava moglie, Andrea (Susan Kelechi Watson) e un figlio neonato. Di recente, è stato premiato con il National Magazine Award. Tuttavia, vive perennemente afflitto da dolore e disgusto.
Per la maggior parte dell’età adulta, Lloyd ha vissuto lontano dal padre. A un matrimonio di famiglia, i due litigano malamente e Lloyd respinge i successivi tentativi di riconciliazione di Jerry.
L’incarico di intervistare Mr. Rogers, ricevuto dal suo editore, Ellen (Christine Lahti), si rivela una sorta di miracolo, un intervento divino. Lloyd, che sopravvive sopprimendo le sue emozioni, un po’ alla volta, tornerà a vivere. Lentamente, sullo schermo si dipana la storia di un’amicizia che aiuta Lloyd a diventare un figlio clemente, un marito e un padre più partecipe.
In principio, il cinico giornalista cerca di scoprire il lato oscuro di Mr. Rogers. È convinto che l’immagine popolare del conduttore sia frutto di un inganno. Poi, quando Lloyd parla con Joanne Rogers (Maryann Plunkett) e lo paragona a “un santo”, lei lo corregge dicendo che suo marito, pur essendo un uomo religioso, è un peccatore come chiunque altro. La sua autorità morale nasce dall’empatia piuttosto che dalla superiorità. I telespettatori hanno fiducia in lui perché i suoi discorsi sono ricchi di comprensione ma privi di moralismo.
Un amico straordinario celebra virtù come l’ascolto paziente, la gentilezza e l’espressione dei sentimenti. In buona sostanza, si tratta di una sceneggiatura semplice, lineare, incentrata sull’amicizia: un uomo che ha condotto la sua vita privata e professionale all’insegna della gentilezza, aiuta un altro, che ha vissuto e lavorato nello scetticismo, a diventare più gentile. Mr. Rogers insegna a Lloyd che i ricordi dell’infanzia non vanno archiviati; i giocattoli preferiti come anche i sentimenti feriti fanno parte delle fondazioni del sé maturo. Essi sono un promemoria della vulnerabilità e della sincerità.
In tempi in cui l’assenza e la scortesia dominano i rapporti interumani, il fascino di un film di questo genere è piuttosto ovvio. Questa pellicola tranquilla, priva di grosse pretese, avrebbe potuto facilmente trasformarsi in un film moralista. Ma la storia costruita con dignità ed intelligenza emotiva si rivela avvincente.
Il cast sfoggia attori pluripremiati che contribuiscono senza ombra di dubbio al successo del biopic. Ottime le interpretazioni di Tom Hanks e Matthew Rhys. Purtroppo, la colonna sonora non risulta essere all’altezza del prodotto finale. Apprezzabile la regia di Marielle Heller. Da vedere.
Un amico straordinario
regia di Marielle Heller, con Matthew Rhys, Tom Hanks, Chris Cooper, Susan Kelechi Watson, Maryann Plunkett. Titolo originale: A Beautiful Day in the Neighborhood. Genere Biografico/Drammatico – USA, 2019, durata 1h 49min.
“Tu lo sai cosa significa perdonare? E’ quando prendiamo la decisione di liberare una persona dai sentimenti di rabbia che abbiamo contro di lei. E’ strano, qualche volta, è più difficile perdonare qualcuno a cui vogliamo bene.”
“Nel nostro programma, cerco di guardare attraverso la telecamera negli occhi di ogni bambino e parlare con lui o con lei cercando di essere del tutto presente per i suoi sentimenti e i suoi bisogni.”
“- Non esiste una vita normale che sia priva di sofferenza.
– Come l’affronta?
– Beh, ci sono molti modi per affrontare i propri sentimenti senza ferire se stessi oppure qualcun altro.
– Sì? Tipo? Tipo cosa?
– Può martellare un blocco di argilla oppure nuotare martellando velocemente i piedi, oppure martellare i tasti bassi del piano, tutti nello stesso momento: bam ba ba bam.”
“Sapete, la morte è una cosa di cui molti di noi trovano assai sgradevole parlare. Ma morire è un fatto umano e tutto quello che è umano è nominabile. Tutto ciò che è nominabile si può gestire.”
Matthew Rhys: Lloyd Vogel
Tom Hanks: Fred Rogers
Susan Kelechi Watson: Andrea Vogel
Chris Cooper: Jerry Vogel
Enrico Colantoni: Bill Isler
Maryann Plunkett: Joanne Rogers
Tammy Blanchard: Lorraine
Wendy Makkena: Dorothy
Sakina Jaffrey: Ellen
Carmen Cusack: Margy
Noah Harpster: Todd
Maddie Corman: Betty Aberlin
Oreste Baldini: Lloyd Vogel
Angelo Maggi: Fred Rogers
Alessia Amendola: Andrea Vogel
Gianni Giuliano: Jerry Vogel
Saverio Indrio: Bill Isler
Regia: Marielle Heller
Sceneggiatura: Micah Fitzerman-Blue, Noah Harpster (Soggetto “Can You Say… Hero?“, Tom Junod)
Fotografia: Jody Lee Lipes
Montaggio: Anne McCabe
Musiche: Nate Heller
Buon viaggio, Paul
Cari amici lettori,
sono sconvolta e profondamente addolorata per l’improvvisa scomparsa del mio amico Paul.
Guardo la pagina home del sito, l’elenco degli articoli, le immagini pubblicate.
Questo sito è la sua anima, frutto del suo amore per l’arte cinematografica. Lo definisco amore perché lui era capace di visionare anche film che non gli piacevano, che lo annoiavano o, peggio, lo irritavano. Lo faceva per poter parlare e scrivere coerentemente di quest’arte, per comprenderla meglio e trasmettere ai lettori le sue conoscenze. Paul non sfruttava il cinema ma lo coltivava con pazienza, costanza e dedizione.
Lui ed io ci siamo conosciuti qui. Mi ha proposto di scrivere per il sito e, grazie a questa collaborazione, è nata la nostra amicizia. L’affetto e il rispetto che abbiamo condiviso, da oggi cambierà forma ma non verrà mai a mancare. Il mio amico era una persona in gamba, amava la sua famiglia, si prendeva cura di tutti coloro che lo circondavano. Era gentile, garbato, intelligente, divertente, leale, sensibile e generoso. Era una persona d’altri tempi. Si interessava anche alla storia e all’arte. Mi dava perfino le dritte per le ricerche scolastiche dei miei figli.
Più di una volta, mi ha accennato al fatto di prendere in mano le redini del sito nel caso in cui lui venisse a mancare. Gli avevo risposto che non ero all’altezza e che l’anima di questo sito è e rimarrà lui, sempre. Mi ha mandato a cagare, però con fare gentile.
Ieri sera mi ha inviato il film “Un amico straordinario” scrivendomi “Ti ho mandato Un amico straordinario, con Tom Hanks, molto bello. Non è drammatico, ma è un film serio, una storia davvero intelligente. Buonanotte e buoni sogni. Ci sentiamo domani. Tvb e un bacio a Charlie DM.” (il mio cagnolino). Mi ha salutato con queste parole e, poi, è andato a raggiungere la sua amata Sun.
Ai lettori che seguono Filmscoop da molto tempo e anche a quelli occasionali, a tutti coloro che apprezzano il lavoro di Paul, un sentito ringraziamento per la vostra presenza qui.
Al mio amico straordinario, grazie, eternamente grazie.
Riposa in pace, Paul Templar.
Ti odio,ti lascio,ti …
Bastano solo due anni di convivenza per logorare il rapporto tra Gary, guida in un bus turistico e Brooke, una assistente di una galleria d’arte.
I continui bisticci, con Gary che rimprovera a Brooke di essere assillante e di non lasciargli spazi e con la donna che lamenta il fatto di dover gestire da sola le faccende della casa che hanno comprato assieme, portano la coppia alla rottura.
Così i due si lasciano, ma di comune accordo scelgono comunque di vivere sotto lo stesso tetto anche perchè Gary e Brooke non vogliono cedere l’appartamento all’altro.
Inizia così una fase di difficilissima convivenza,nel corso della quale ognuno dei due cerca di provocare la lite con l’altro. Fino a quando,impossibilitati ad andare oltre, decidono di vendere la casa che avevano acquistato in comune.
Nonostante i tentativi di lei di recuperare il rapporto, successivamente quelli di lui, il baratro che si è scavato fra di loro diventa incolmabile. Ma c’è spazio almeno per una separazione da buoni amici.
Ti odio,ti lascio ti… è un film commedia a metà strada esatta tra il genere drammatico e quello sentimentale, diretta da Peyton Reed nel 2006.
Una storia semplice, che gioca tutte le sue carte su situazioni paradossali che vengono a crearsi tra una coppia come tante, partita con molte ambizioni ma senza le basi vere necessarie ad un’unione duratura.
Difatti l’unione naufragherà per l’assoluta incapacità dei due di adeguarsi al carattere e alle esigenze dell’altro, un topos classicissimo di tantissime coppie, infervorate da uno degli aspetti dell’amore, la fisicità e forse da qualche altro aspetto collaterale.
Ma l’amore richiede un assieme di componenti che devono amalgamarsi in qualche modo, aspetti che vanno dallo spirito di adattamento caratteriale alla capacità di comprensione; nel caso dei due protagonisti l’aver sottovalutato i fondamentali dell’unione porta ad un
rapido deterioramento dei rapporti.
Le ripicche, le meschine vendette, porteranno i due ad una sorta di “guerra dei Roses” che però non avrà un finale così drammatico, anzi.
La parte più apprezzabile della pellicola, che mantiene una certa amarezza di fondo, è proprio quella che porta al finale, una separazione amichevole che riporta i due ad una situazione pre unione.
Con i due individui liberi di riprendere il controllo della propria vita, alla ricerca di un futuro diverso ma che non li vedrà come due nemici.
Commedia indistinguibile da decine di altre,Ti odio ti lascio ti… si segnala principalmente per la presenza della brava e simpatica Jennifer Aniston, sempre a suo agio nelle commedie brillanti o leggere e per quella di Vince Vaughn, anche lui bravo nel tratteggiare la figura di un personaggio, Gary,un po troppo simile allo stereotipo del maschio indolente, adagiato in pigiama e pantofole e incapace di capire le necessità della compagna.
Il film va avanti con qualche buona battuta e qualche situazione divertente, mantenendo la sufficienza fino alla fine.
Film gradevole, che può valere una visione disimpegnata.
Ti odio,ti lascio,ti…
regia di Peyton Reed, con Vince Vaughn, Jennifer Aniston, Joey Lauren Adams, Jason Bateman, Jon Favreau. Titolo originale: The Break Up. Genere Commedia/Sentimentale – USA, 2006, durata 105 minuti.
Vince Vaughn: Gary Grobowski
Jennifer Aniston: Brooke Meyers
Joey Lauren Adams: Addie
Cole Hauser: Lupus Grobowski
Jon Favreau: Johnny Ostrofski
Jason Bateman: Riggleman
Judy Davis: Marilyn Dean
Justin Long: Christopher
Ivan Sergei: Carson Wigham
John Michael Higgins: Richard Meyers
Ann-Margret: Wendy Meyers
Vernon Vaughn: Howard Meyers
Vincent D’Onofrio: Dennis Grobowski
Elaine Robinson: Carol Grobowski
Jane Alderman: signora Grobowski
Peter Billingsley: Andrew
Jane Hu: Diane
Rebecca Spence: Jen
Keir O’Donnell: Paul
Geoff Stults: Mike
Francesco Prando: Gary Grobowski
Eleonora De Angelis: Brooke Meyers
Chiara Colizzi: Addie
Giorgio Borghetti: Lupus Grobowski
Antonio Palumbo: Johnny Ostrofski
Roberto Certomà: Riggleman
Ludovica Modugno: Marilyn Dean
Nanni Baldini: Christopher
Francesco Pezzulli: Carson Wigham
Carlo Cosolo: Richard Meyers
Melina Martello: Wendy Meyers
Oreste Rizzini: Howard Meyers
Massimo Corvo: Dennis Grobowski
Irene Di Valmo: Carol Grobowski
Graziella Polesinanti: signora Grobowski
Luigi Scribani: Andrew
Valeria Vidali: Diane
Claudia Catani: Jen
Davide Lepore: Paul
Luigi Morville: Mike
Regia Peyton Reed
Sceneggiatura Vince Vaughn, Jeremy Garelick, Jay Lavender
Fotografia Eric Alan Edwards
Montaggio Dan Lebental, David Rosenbloom
Musiche Jon Brion
Gloria Bell
Gloria Bell ha ormai superato da un po i cinquant’anni.
Ha alle spalle un divorzio non traumatico, due figli ormai adulti, uno dei quali sposato e ha un lavoro.
In pratica è una donna indipendente, che vive quella fase di vita in cui, libera da obblighi,può permettersi di dedicarsi a quello che più le piace.
Si concede qualche amante ma la sua vera passione è la musica e il ballo; ama talmente tanto la musica da cantare a squarciagola quando è in auto, ama il ballo tanto da tuffarsi in sfrenate serate sopratutto a base di musica revival, quella in voga tra il finire degli anni settanta e la prima metà degli ottanta, quando quindi era ancora una ragazzina.
Ed è ad una di queste serate che conosce Arnold, che è separato dalla moglie.
Tra i due nasce una improvvisa attrazione e Gloria ci si tuffa con entusiasmo, tanto da arrivare a presentarlo al suo ex marito e ai figli.
Arnold sembra l’uomo giusto con cui ricominciare, è dolce e premuroso ma è anche succube delle figlie, sempre pronto ad accorrere ad ogni minima loro richiesta.
Agli inizi Gloria sopporta, ma poi…
Sebastian Lelio gira Gloria Bell, il remake personale del film Gloria del 2013, del quale ho già parlato qui https://filmscoop.org/2019/12/29/gloria/ nel 2018 ,riprendendo quasi completamente la trama
della prima versione ma con due sostanziali differenze.
La prima è l’ambientazione americana, la seconda è la scelta di due ottimi attori come Julianne Moore e John Turturro in luogo di Paulina García e Sergio Hernández; sono passati solo 5 anni da quel Gloria
che Lelio aveva presentato ottenendo un lusinghiero successo di critica e di pubblico e ciò lo porta a farne una versione più adatta al pubblico americano, con attori autoctoni e una location adatta allo stesso pubblico.
Il personaggio di Gloria Bell acquisisce uno spessore più sbarazzino con una sceneggiatura più agile e più costruita addosso alla Moore,attrice di razza e abituata a ruoli brillanti tipici delle comedy.
Gloria Bell è una ottimista, ha tante fragilità ma è al tempo stesso una donna consapevole dei propri mezzi; avrà una sola debolezza,legata al bisogno istintivo d’affetto che le costerà un’altra delusione, dopo quella legata la suo matrimonio.
Ma ne verrà fuori, più forte,con il carattere intatto; scena clou è quella in cui impugna l’arma da soft air e bersaglia l’ormai ex amante con pallottole di vernice colorata.
Nel film c’è una colonna sonora da urlo, che include la celebre Gloria di Umberto Tozzi in versione cantata dalla Branigan, Total Eclipse of the Heart di Bonnie Tyler,Alone Again di Gilbert O’Sullivan,Love’s in the Air di J.P.Young e tante altre, che hanno per il film
la valenza di un viaggio sul filo dei ricordi.
In quanto a Julianne Moore c’è la conferma del suo grande talento,così come apprezzabile e la prova di Turturro; film di buona caratura,che merita di sicuro una visione.
Gloria Bell
Un film di Sebastián Lelio,con Julianne Moore, John Turturro, Caren Pistorius, Michael Cera, Brad Garrett, Holland Taylor, Jeanne Tripplehorn, Rita Wilson, Sean Astin, Alanna Ubach, Cassi Thomson, Jordan Garcia, Kevin Hager Titolo originale Gloria. Commedia, durata 102 min. – USA 2018.
Julianne Moore: Gloria
John Turturro: Arnold
Michael Cera: Peter
Caren Pistorius: Anne
Brad Garrett: Dustin Mason
Holland Taylor: Hillary
Jeanne Tripplehorn: Fiona
Rita Wilson: Vicky
Barbara Sukowa: Melinda
Alanna Ubach: Veronica
Sean Astin: Jeremy
Cassi Thomson: Virginia
Roberta Pellini: Gloria
Pasquale Anselmo: Arnold
Davide Perino: Peter
Eva Padoan: Anne
Stefano De Sando: Dustin Mason
Ludovica Modugno: Hillary
Alessandra Korompay: Fiona
Emanuela Rossi: Vicky
Marina Tagliaferri: Melinda
Irene Di Valmo: Veronica
Regia Sebastián Lelio
Soggetto storia di Sebastián Lelio e Gonzalo Maza
adattamento di Sebastián Lelio e Alice Johnson Boher
Sceneggiatura Sebastián Lelio
Produttore Juan de Dios Larraín, Pablo Larraín, Sebastián Lelio
Produttore esecutivo Julianne Moore, Shea Kammer, Rocío Jadue, Ben Browning, Glen Basner, Milan Popelka, Alison Cohen
Casa di produzione Fabula
Distribuzione in italiano CINEMA
Fotografia Natasha Braier
Montaggio Soledad Salfate
Effetti speciali Tomas Roca
Musiche Matthew Herbert
Scenografia Dan Bishop
Costumi Stacey Battat
Andavamo al cinema-Parte 60
Eccoci alla puntata numero 60 di Andavamo al cinema; grazie per le mail di complimenti, mi sarebbe piaciuto anche qualche commento sul sito ma va bene lo stesso. Mi spiace non aver potuto esaudire due richieste particolari riguardanti cinema di Napoli e Massa Carrara, ma non è che sia facile trovare immagini di vecchi cinema. Quello che rintraccio lo pubblico, il consiglio è quello di dare un’occhiata alle 59 parti precedenti che contengono 1800 vecchie foto tra le quali forse c’è quello che cercate. La mail per inviare immagini è : paolobari@email.it
Cine Teatro Don Bosco, Carugate (Milano)
Cine Teatro Intelisano, Grammichele (Catania)
Cinema Chiaromonte, Palma di Montechiaro (Agrigento)
Cinema dei Preti, Pomezia (Roma)
Cinema delle Palme, San Benedetto del Tronto (Ascoli Piceno)
Sala Cinema Olimpia, Iglesias
Cinema La Perla, Lugagnano (Verona)
Cinema Littorio, Città di Castello (Perugia)
Cinema Lux, Torino
Sala Cinema Meda, Milano
Sala Cinema Lux, Parma
Cinema Massimo, Caorle (Venezia)
Cinema Miotto, Spilimbergo (Pordenone)
Cinema Moderno, San Pietro Agliana (Pistoia)
Cinema non identificato, Baragazza (Bologna)
Cinema Palace, Milano
Sala Cinema Biondo, Palermo
Sala Cinema non identificato, Malanghero (Torino)
Cinema Paolillo, Barletta
Cinema Parrocchiale, Guastalla (Reggio Emilia)
Cinema San Marco, Bergamo
Cinema Sorgente, Boario terme (Brescia)
Cine Teatro odeon, Canicattì (Agrigento)
Cine Teatro Sociale, Arzignano (Vicenza)
Cinema non identificato, Terralba (Oristano)
Cinema Volta, Muggia (Trieste)
Cinema Duca degli Abruzzi, Brindisi
Andavamo al cinema-Parte 59
Edizione n.59 di Andavamo al cinema, con altre 30 sale cinematografiche per la massima parte scomparse. Vi ricordo l’indirizzo mail per inviare immagini : paolobari@email.it
Arena Badiazza, Augusta (Siracusa)
Sala Cinema Lumiere,Pisa
Arena Madonnina, Bari
Arena Megara, Augusta (Siracusa)
Arena Pacini, Catania
Sala Cinema Centrale, Sanremo
Arena San Carlino, Catania
Arena San Francesco, Bari
Cine Teatro Dopolavoro, Eboli (Salerno)
Cinema non identificato, Aprilia (Latina)
Sala Cinema Capitol, Firenze
Cinema Astoria, Palermo
Cinema Augusto, Arco Felice, Pozzuoli
Cinema Aureo, Roma
Cinema Aurora, località non identificata
Cinema non identificato, Carrè (Vicenza)
Cinema Dopolavoro Fabbrica Ferrania, Savona
Cinema Edison, Vicenza
Cinema Elicona, Montalbano Elicona (Messina)
Cinema Eliseo, Bologna
Cinema Eliseo, Milano
Cinema Eolo, Bologna
Cinema San Giorgio, Udine
Cinema Scollata, Macerino (Terni)
Cinema Smeraldo, Costigliole d’Asti (Asti)
Cine Teatro La Pergola, Vicidiatico (Bologna)
Cinema Splendor, Saluzzo (Cuneo)
Sala Cine Auditorium, Lavis (Trento)
Sala Cinema Aurora, Verona
La camera azzurra
Julien ha tutto per essere felice.
Una brava moglie, Delphine, una bella bimba, un lavoro da concessionario di mezzi agricoli che va benissimo e in ultimo una bella casa.
E ha anche da poco un’amante, Ester, moglie del farmacista della cittadina, che incontra in un alberghetto e sempre nella stessa camera tappezzata d’azzurro.
Il suo rapporto con Ester sembrerebbe improntato solo all’appagamento sessuale, ma in realtà la donna, che lo frequentava quando era ancora giovane, mira a qualcos’altro.
La morte del marito di lei, apparentemente per malattia, da il via ad un cambiamento profondo nella relazione.Fino al momento in cui Delphine viene ritrovata morta, assassinata per mezzo di una confettura di prugne…
Tratto dal romanzo La camera azzurra (La chambre bleue) di Georges Simenon, il film, uscito nel 2014 viene trasposto sullo schermo dall’attore Mathieu Amalric che nel film stesso riveste il ruolo del protagonista.
Un film descrittivo, d’ambientazione, caratterizzato da un uso quasi ossessivo del flashback, che interrompe la narrazione dell’accaduto peraltro recente del protagonista, della sua amante e marginalmente della famiglia di Julien con il presente, fatto di lunghi interrogatori
da parte del giudice istruttore che lo interroga dopo che l’uomo è stato arrestato con Ester (ma questo lo apprenderemo alla fine) accusato con la donna non solo dell’omicidio della moglie ma anche di quello del marito di Delphine.
Il film è scandito dall’interrogatorio dell’inquirente, che costringe Julien a ripercorrere il suo recente passato, a fare mente locale sull’accaduto, dal momento in cui ha incontrato nuovamente Delphine fino agli appuntamenti clandestini con la stessa, dei quali forse la moglie è al corrente.
Ma tutto è lasciato in sospeso, nel film.
Anche l’eventuale partecipazione di Julien alla preparazione dei due omicidi è dubbia; il tutto nonostante l’uomo cerchi disperatamente di ricostruire gli avvenimenti.Che però non possono fugare i dubbi, anche per l’ambiguità di fondo che caratterizza il suo personaggio.
Che rapporto ha, effettivamente con la sua amante? Si tratta di sesso o c’è qualcosa di più profondo? Il suo legame con la moglie è davvero solido o risente dell’abitudine e della noia? Tutto resta ambiguo, perchè lo stesso Julien lo è. Quando muore il marito dell’amante le resta lontano per due mesi, quasi per allontanare eventuali sospetti sulla morte naturale del farmacista.
Un gioco di specchi, che si tramuta in un film in cui contano gli sguardi, le frasi a metà, le cose non dette; che rendono il film
un puzzle psicologico, in cui è lasciato allo spettatore il compito di giudicare in base a quanto detto.
Per contraltare ci sono il ritmo incalzante delle domande della polizia e il meticoloso, quasi ossessivo lavoro di ricerca dell’accaduto, che si tramuta in una raccolta impressionante di dati sui minimi movimenti della coppia, i più apparentemente insignificanti.
Il film si muove per tutta la sua durata su questo binario, mostrando i momenti di intimità della coppia di amanti e il personale di Julien, il suo rapporto con la moglie, apparentemente tenero ma in realtà abbastanza distaccato, da marito che trova noioso il menage familiare.
C’è molta della atmosfera dei romanzi di Simenon, nel film.
L’abilità dello scrittore nel descrivere minuziosamente i luoghi e i personaggi viene ricreata da Amalric con sufficiente padronanza; le parole dell’incipit del libro (che troverete in fondo alla recensione) sono riportate quasi integralmente dal regista.
Che è autore anche di una buona prestazione attoriale, tesa a portare sullo schermo il personaggio di Julien in tutte le sue contraddizioni.
Che sono numerose.
Brave anche Lea Drucker (Delphine) e Stephanie Cleau (Ester), di contorno gli altri protagonisti del film, dignitosi.
Astenersi se si amano i gialli movimentati o esaustivi nel finale;siamo lontanissimi dai canovacci tipici del genere.
La camera azzurra
Regia di Mathieu Amalric, con Mathieu Amalric, Léa Drucker, Stéphanie Cléau, Mona Jaffart, Laurent Poitrenaux. Titolo originale: La Chambre Bleue. Genere Drammatico, – Francia, 2014, durata 75 minuti. distribuito da Movies Inspired.
Mathieu Amalric … Julien Gahyde
Léa Drucker … Delphine Gahyde
Stéphanie Cléau … Esther Despierre
Laurent Poitrenaux … Il giudice istruttore
Serge Bozon … Un poliziotto
Blutch Blutch … Lo psicologo
Mona Jaffart … Suzanne Gahyde
Véronique Alain … La madre di Nicolas
Paul Kramer … L’avvocato di Julien
Alain Fraitag … L’avvocato di Ester
Regia: Mathieu Amalric
Sceneggiatura: Stéphanie Cléau e Mathieu Amalric
Romanzo: George Simenon
Produttore: Paulo Branco
Musiche: Grégoire Hetzel
Fotografia: Christophe Beaucarne
Montaggio: François Gédigier
“Ti ho fatto male?”.
” No “.
“Ce l’hai con me?”.
” No “.
Era vero. In quel momento tutto era vero, perché viveva ogni cosa così come veniva, senza chiedersi niente, senza cercare di capire, senza neppure sospettare che un giorno ci sarebbe stato qualcosa da capire. E non solo tutto era vero, ma era anche reale: lui, la camera, Andrée ancora distesa sul letto sfatto, nuda, con le gambe divaricate e la macchia scura del sesso da cui colava un filo di sperma.
Era felice? Se glielo avessero chiesto, avrebbe risposto di sì senza esitare. Non gli passava neanche per la testa di avercela con Andrée perché gli aveva morso il labbro. Faceva parte dell’insieme, come tutto il resto. In piedi, anche lui nudo, davanti allo specchio sul lavandino, si tamponava la bocca con un asciugamano imbevuto d’acqua fredda.
“Tua moglie ti chiederà spiegazioni? “.
“Non credo “.
“Ma a volte qualche domanda te la fa, no? “.
Le parole contavano poco. Parlavano così, per il puro piacere di parlare, come succede dopo l’amore, quando il corpo è ancora eccitato e la testa un po’ vuota.
“Hai una bella schiena”.
L’asciugamano era punteggiato di macchie rossastre. In strada un camion vuoto sobbalzava sul selciato. Dai tavolini del bar dell’albergo giungeva un vocio confuso, a tratti si riuscivano a distinguere alcune parole, ma slegate l’una dall’altra, cosicché il senso della frase risultava incomprensibile.
“Mi ami, Tony?”.
“Penso di si… “.
Il fascino indiscreto dell’amore
Amelie è nata in Giappone, che ha lasciato all’età di 5 anni per ritornare in Belgio, patria dei suoi genitori. Ma ha conservato un ricordo struggente della terra natia così a 20 anni ci ritorna, decisa a conoscerlo meglio. Per mantenersi e studiare meglio il giapponese decide di dare lezioni di francese e grazie ad un annuncio conosce Rinri, un giovane che diventa suo allievo e al quale da del lei. stupendo per il suo formalismo lo stesso giovane. Grazie a Rinri, Amelie inizia a conoscere meglio usi e costumi del Giappone e ben presto tra i due giovani nasce un affetto profondo.
Ma Rinri, profondamente innamorato, chiede ad Amelie di sposarlo, mettendo in crisi la ragazza, che pur ricambiando l’affetto, sembra più affascinata dall’atmosfera che la circonda che vogliosa di andare oltre l’amore senza complicazioni future.
Trasforma Rinri nel suo fidanzato, rinviando in tal modo la data delle nozze. Ma arriva la catastrofe di Fukushima a modificare completamente il futuro dei due giovani…
Tratto dal romanzo autobiografico “Né di Eva né di Adamo” della scrittrice belga Amélie Nothomb e diretto dal regista belga Stefan Liberski, Il fascino indiscreto dell’amore è una gradevole pellicola che indaga con delicatezza sul complesso tema dei sentimenti
che nascono tra due persone di cultura e estrazione lontanissime.
Amelie è fondamentalmente una ragazza europea per educazione, nonostante sia nata in Giappone; ma l’ha lasciato da piccola, quando ancora il suo carattere non era ancora formato. Oggi è una ragazza forte e volitiva, indipendente, alla ricerca di se stessa ma anche curiosa, affascinata
da un paese che sente vicino, che la intriga per la profonda differenza di stile di vita, con la sua natura lussureggiante e le usanze spesso incomprensibili.
Rinri invece è affascinato dalla Francia, dalla sua lingua, dallo stile di vita dei francesi tanto da aver creato con degli amici una società segreta che si chiama amici della Francia.
Si innamora di Amelie ma al tempo stesso non ne comprende appieno il desiderio di libertà, non può distinguere tra amore e fascino per quello che in lui è rappresentato dal fascino dell'”esotico”.
La ragazza però, grazie a Rinri, impara ad apprezzare la cortese discrezione nipponica, fatta di atteggiamenti che agli occhi di un europeo appaiono come inutili formalismi ma che in realtà è uno stile di vita acquisito per secoli da una cultura profondamente diversa nei fondamenti.
Il viaggio, molto pericoloso, che Amelie farà in solitaria sul monte Fiji la porterà a vedere in modo diverso il suo rapporto con il giovane nipponico;un affetto stabile tra due giovani fondamentalmente inesperti delle cose della vita, tanto diversi nei gusti, è cosa non di poco conto.
L’amore, istintivo e famelico tipico della gioventù non può obbligatoriamente superare tutto. Troppe differenze tra i due e fondamentalmente non ancora pronti ad un affetto stabile che possa superare tutti gli ostacoli.
Gli sforzi di Amelie, che segue Rinri non solo alla scoperta degli angoli più segreti ed affascinanti del Giappone ma anche in cose banali come vedere uno dei ripetitivi film sulla Yakuza che Rinri adora, non bastano a colmare quello che è, in pratica, un innamoramento più coacervo di attrazione per la bellezza di una terra sconosciuta e di usi e costumi misteriosi uniti ad attrazione fisica e affetto che sentimento completo. O forse lo è davvero amore. Ma richiederebbe tempo, capacità di comprensione e di adattamento. Invece arriva il terremoto con la catastrofe nucleare a cambiare tutto. E quando Rinri e i genitori di lei, per il suo bene, quasi la obbligano ad andare via i nodi irrisolti arrivano al pettine.
Il film si dilunga più sugli aspetti sconosciuti del Giappone che sulla psicologia di Amelie e Rinri; o meglio, di Amelie impariamo a capire alcuni lati del suo carattere, ma del giovane nipponico apprendiamo poco.
Resta un enigma, cosi come enigmatici diventano i comportamenti sociali dei giapponesi stessi.
Il Giappone viceversa, pur restando misterioso, è un paese meraviglioso; dalle vette bianche del monte Fuji ai ciliegi in fiore, alle distese fiorite agli affascinanti borghi in legno costruiti con abitazioni meravigliose è tutto un proliferare di immagini degne di un depliant turistico. Manca però la visione di quelli che sono gli aspetti negativi del Giappone, come le condizioni di vita di tanti impiegati costretti a
passare le loro notti in microscopiche nicchie, manca la visione di Tokyo vista nella disumanità della megalopoli.
Un film piacevole, una storia d’amore agro dolce il cui unico neo è un finale brusco e poco articolato.
Davvero bravissima Pauline Etienne, enigmatico quanto basta Taichi Inoue per una pellicola che ha molte frecce al suo arco e che vale sicuramente una visione.
Il fascino indiscreto dell’amore
Regia di Stefan Liberski,con Pauline Etienne, Taichi Inoue, Julie LeBreton, Alice de Lencquesaing, Akimi Ota. Titolo originale: Tokyo Fiancée. Genere Sentimentale, – Belgio, Francia, Canada, 2014, durata 100 minuti.
Pauline Étienne: Amélie
Taichi Inoue: Rinri
Julie Le Breton: Christine
Alice de Lencquesaing: Yasmine
Akemi Ōta: Hara
Hiroki Kageyama: Hiroki
Tokio Yokoi: padre di Rinri
Hiromi Asai: madre di Rinri
Shinnosuke Kasahara: Yoshi
Masaki Watanabe: Masa
Valentina Favazza: Amélie
Flavio Aquilone: Rinri
Raffaella Castelli: Christine
Germana Longo: Yasmine
Simone Veltroni: Hara
Ugo De Cesare: Hiroki
Stefano Mondini: Padre di Rinri
Regia Stefan Liberski
Soggetto Amélie Nothomb
Sceneggiatura Stefan Liberski
Produttore Jacques-Henri Bronckart, Olivier Bronckart, Richard Lalonde, Sylvie Pialat
Casa di produzione Versus Production
Fotografia Hichame Alaouie
Montaggio Frédérique Broos
Musiche Casimir Liberski
Scenografia Laurie Colson
Costumi Claire Dubien
I Spit on Your Grave
La giovane Jennifer, in cerca di un posto tranquillo dove poter scrivere, si reca in una località imprecisata americana per prendere
possesso di una baita nel bosco. Fermatasi per fare rifornimento alla sua auto, ha un diverbio con tre giovani locali che con apprezzamenti pesanti
la costringono a reagire verbalmente. L’incidente non è chiuso perchè avendo bisogno di sistemare il bagno della baita è costretta ad accettare l’aiuto di un giovane con evidenti problemi mentali, Matthew. Imprudentemente, la ragazza per ringraziarlo lo bacia su una guancia e il giovane, fiero del gesto lo racconta ai tre balordi che avevano approcciato Jennifer alla stazione di servizio.
I tre si recano nella baita, ma Jennifer riesce a scappare e a chiedere l’aiuto dello sceriffo locale, che però si rivela della stessa risma dei tre teppisti; per Jennifer inizia una serie interminabile di violenze sessuali e alla fine riesce a sfuggire al gruppo di predatori gettandosi da un ponte nel fiume.
Per alcune settimane viene creduta morta dal branco, ma Jennifer, nascosta nel bosco, sta preparando la sua vendetta,che sarà terrificante…
I Spit on Your Grave, diretto da Steven R. Monroe nel 2010 è il remake del film omonimo diretto nel 1978 da Meir Zarchi, distribuito in Italia con il titolo di Non violentate Jennifer e sostanzialmente introduce nella storia originale la figura
dello sceriffo, altro personaggio sgradevolissimo destinato come il resto della banda di teppisti ad una fine orribile. Un film slasher violentissimo, di gran lunga più sanguinolento dell’originale, inseribile nel filone dei Rape & Revenge, quel particolare sotto genere
dell’horror che già dalla traduzione italiana, stupro e vendetta, inquadra immediatamente di cosa parli il tema.
Fra i Rape & Revenge più famosi molti ricorderanno L’ultima casa a sinistra, (“Last house on the left”, USA, 1972), di Wes Craven, il più famoso di questo particolare genere cinematografico caratterizzato da una violenza cieca e spesso immotivata, praticata sia dagli aggressori sia dalle vittime, con queste ultime che sorpassano in crudeltà le pur orrende azioni dei propri carnefici. I Spit on Your Grave non fa eccezione alla regola, con una escalation di violenza che supera ogni confine del sopportabile visivamente, caratterizzato da scene disturbanti che in passato erano state raramente raggiunte.
Se lo stupro di gruppo ha già in se delle scene per stomaci forti, la vendetta di Jennifer nel confronto dei suoi aguzzini raggiunge vette di orrore visivo raramente viste sullo schermo.
Dall’evirazione del capo della banda alla sodomizzazione con un fucile dello sceriffo è tutto un fiorire di immagini disturbanti, con sangue a fiumi è un’intensità della storia che raggiunge il parossismo proprio nella parte finale, quando la vendetta di Jennifer arriva a compimento.
Monroe crea, come del resto aveva fatto Zarchi, un’atmosfera emotivamente di vicinanza alla vittima, così che alla fine lo spettatore quasi la vede come una eroina nel compimento di una vendetta che trascende i pur ignobili atti subiti; uno degli espedienti più usati dai registi del genere, tesi a creare una sorta di vicinanza complice tra vittima e spettatore, che alla fine giustifica anche l’orrore più estremo da parte proprio della vittima.
Film francamente disturbante che Monroe dirige con mano ferma, usando con abilità alcune varianti come la ripresa con tanto di video camera digitale vista attraverso l’occhio della tele camera, un pictures in picture che rende ancor più fredda e allucinata la vicenda, già di per se illividita da una fotografia fredda, quasi glaciale, colorata di un grigio che toglie qualsiasi incanto ad un bosco che incombe paurosamente, sinistro, sulla vicenda.
La storia non ha elementi particolari di novità ma ha una tensione notevole, grazie anche ad un ritmo visivo che è uno dei punti di forza della storia.
Molto brava la protagonista, Sarah Butler, che assomiglia fisicamente a quella Camille Keaton di Non violentate Jennifer e che appare poi gelida, implacabile nel momento della vendetta, che colpirà anche l’unico incolpevole della vicenda, quel Matthew che in realtà partecipa allo stupro più da vittima che da carnefice.
Film cupo, violento, va visto solo se si è di stomaco forte.
I Spit on Your Grave
Regia di Steven R. Monroe, con Sarah Butler, Lindberg, Daniel Franzese, Tracey Walter, Rodney Eastman. Genere Horror 2010, durata 107 minuti.
Sarah Butler: Jennifer
Jeff Branson: Johnny
Andrew Howard: Storch
Daniel Franzese: Stanley
Rodney Eastman: Andy
Chad Lindberg: Matthew
Tracey Walter: Earl
Mollie Milligan: Mrs. Storch
Saxon Sharbino: Chastity
Amber Dawn Landrum: Ragazza alla stazione di servizio
Regia Steven R. Monroe
Sceneggiatura Stuart Morse
Produttore Lisa Hansen e Paul Hertzberg
Produttore esecutivo Jeff Klein, Gary Needle, Alan Ostroff e Meir Zarchi
Casa di produzione CineTel Films, Anchor Bay Films e Family of the Year Productions
Fotografia Neil Lisk
Montaggio Daniel Duncan
Effetti speciali Regina Chapman, Alan Lashbrook e Kenneth Speed
Musiche Corey Allen Jackson
Scenografia Dins Danielsen
Costumi Bonnie Stauch
Trucco Jason Collins, Heather Henry, Elvis Jones e Chelsea Payne
Un urlo dalle tenebre
Francoise Prevost,Sonia Viviani,Richard Conte e Patrizia Gori.
Con questi nomi, tutti professionisti dalla discreta caratura artistica, ti attendi un film di livello decoroso.
Anche se il titolo e il trailer, Un urlo nelle tenebre e la presentazione con immagini che ricordano molto da vicino (troppo) L’esorcista di Friedkin dovrebbero mettere sull’avviso.
Ancor di più dovrebbero farlo le due firme registiche, Franco Lo Cascio e Angelo Pannacciò: il primo noto principalmente per film dai titoli inequivocabili come La ninfomane, il trans, lo stallone o anche Le due bocche… di Marina e il secondo noto per aver diretto uno dei film più brutti della storia del cinema, quel Il sesso della strega che aveva fatto sghignazzare critica e pubblico nel 1973, anno della sua uscita.
Inutile dire che lo spettatore a digiuno di retroscena “artistici” di tal levatura, attratto dalla trama “satanica” e che ha da poco visto il capolavoro di Friedkin si siede in attesa di gustarsi emozioni forti.
Il film parte e dopo pochi minuti lo sventurato spettatore si chiede cosa diavolo stia succedendo e sopratutto cosa significhino i balzi temporali, i flash back, l’orgia iniziale con tanto di ostie consegnate ad un gruppo di svestitissime adepte di un misterioso rito e la breve sequenza che mostra donne evidentemente rinchiuse in un manicomio che si accapigliano per chissà che cosa.
Poi un barlume di storia sembra snodarsi all’improvviso, con la concomitante presenza di uno straccio di storia.
Apprendiamo così che Barbara e suo figlio Piero vivono in una casa solitaria e che il giovane, durante un’escursione, ha trovato uno strano medaglione e che da quel momento ha iniziato a comportarsi in maniera strana. Ha anche visto una splendida donna dai capelli rossi (rossa naturale, visto che anche le parti intime sono di quel colore (sic) ), l’ha fotografata ma della donna sulla pellicola non esiste più traccia.
Piero diventa strano, tanto da comportarsi sgradevolmente anche con la bella fidanzata, così ad un certo punto ecco rientrare dall’Africa dove vive come missionaria sua sorella Elena.
La quale incomincia a capire che suo fratello è preda di qualche strana malattia e di conseguenza chiama il dottor Ferri a visitare suo fratello; il dottore sottopone il giovane ad accurati esami senza però riscontrare problemi.
La situazione precipita quando Sherry, la fidanzata di Piero, muore sgozzata da una mano invisibile durante una festa e la signora Barbara cade dalle scale spezzandosi il collo per sfuggire al misterioso demone dai capelli rossi, che tenta un’improbabile violenza carnale sulla donna (sic)
Sarà con l’aiuto di un esorcista esperto chiamato appositamente dall’America latina che il demone verrà cacciato, ma a venir posseduta sarà proprio Suor Elena che per liberarsi dal demone si ucciderà.
Un urlo nelle tenebre ( o anche dalle tenebre) è un guazzabuglio incredibile, brutto e becero come pochi altri film della storia del cinema italiano.
Sconclusionato, con una trama che svacca ogni quarto d’ora in maniera labirintica tra flash back incomprensibili e riferimenti ad avvenimenti che solo lo sceneggiatore capisce appieno, il film ondeggia senza alcun senso logico alternando, di quando in quando, scene di orge o seduzioni improbabili del demone dai capelli rossi.Come quella che propone la relazione saffica tra il demone e una suora, che però resta incinta in maniera anche abbastanza grottesca, visto che il rapporto si verifica tra due donne (sic)
A nulla vale a questo punto la presenza degli attori citati all’inizio, perchè con una trama del genere lo sghignazzo e il riso sono ormai una costante della visione.
Nudi a volontà, scene saffiche e sopratutto l’imbarazzante volto di Jean-Claude Vernè che interpreta Piero sono la caratteristica peculiare estremamente negativa del film, talmente brutto e farraginoso da non poter nemmeno muovere al riso di scherno.
Un urlo dalle tenebre
Un film di Elo Pannacciò. Con Françoise Prévost, Richard Conte, Jean-Richard Verné, Sonia Viviani,Franco Garofalo, Patrizia Gori, Mimma Monticelli Horror, durata 93 min. – Italia 1975.
Richard Conte …il prete esorcista
Françoise Prévost … Barbara, madre di Piero
Patrizia Gori … Elena Forti
Jean-Claude Vernè … Piero Forti
Sonia Viviani … Sherry, la ragazza di Piero
Mimma Monticelli … Succubus
Franco Garofalo …I cerimoniere del Sabba
Filippo Perego …Dottor Ferri
Regia: Franco Lo Cascio, Angelo Pannacciò
Sceneggiatura:Giulio Albonico,Franco Brocani,Aldo Crudo ,Angelo Pannacciò
Produzione:Luigi Fedeli
Musiche:Giuliano Sorgini
Fotografia:Maurizio Centini,Franco Villa
Montaggio:Fernanda Papa
Design costumi:Elisabetta Lo Cascio
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