Avviso ai naviganti
Grazie alla collaborazione di alcuni lettori, sono nate alcune novità che sono state introdotte nel sito.Vediamole nel dettaglio:
– E’ stato fatto un restyling di alcuni articoli, molti ne seguiranno; sono state inserite le recensioni provenienti da altri siti, aggiornate le gallerie fotografiche, aggiunte locandine e lobby card;
– Sono state introdotte le Photogallery di alcune attrici attive sopratutto tra il 1960 e 1980 e ovviamente ne seguiranno molte altre;
– A breve verranno introdotte gallery di screen caps di alcuni dei film più importanti recensiti nel sito; queste gallery conterranno foto inedite, foto di scena e brevi sequenze screen shots oltre a gif animate;
– Ove possibile, ho inserito i link per vedere in streaming o per scaricare (secondo le leggi vigenti,quindi per 24 ore dal download) film da You tube o da siti di sharing: tutti i link di sharing sono stati verificati personalmente e a parte i soliti fastidiosi pop up non contengono virus.E’ tuttavia consigliabile avere attivato un firewall o un anti virus
– Per scaricare i film da Youtube in modo da vederli con tranquillità consiglio l’utilizzo di 4k Video dowloader, semplicissimo da usare che però permette la visione dei film solo con l’apposito lettore integrato nel software.Il software può essere scaricato gratuitamente all’indirizzo http://www.4kdownload.com/it/products/product-videodownloader
– Per motivi legati alla legge sul copyright, non è possibile purtroppo avere lo share diretto di film completi
Buon proseguimento
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Una stagione all’inferno
A sedici anni Arthur Rimbaud è un giovane ribelle, che detesta i lacci della società e delle sue istituzioni, con in testa la famiglia. E’ anche un poeta, Rimbaud, che scrive poesie fuori dai canoni estetici vigenti e subito dopo essersi diplomato con il massimo dei voti, decide di mollare diploma e famiglia, per dedicarsi anima e corpo alla poesia.
Siamo nel pieno dei ferventi rivoluzionari, in Francia; è in pieno fermento l’esperienza della comune e Rimbaud sposa la causa dei comunardi oltre che aderire ad una nuova corrente poetica ed artistica, quella dei simbolisti.
In questo modo conosce un altro poeta, Paul Verlaine, con il quale stringe un’amicizia che sfocia in vero e proprio amore.
Verlaine, sposato, per il giovane Rimbaud lascia la moglie e prende a vagabondare con lui per l’Europa.
Ma le cose fra i due non vanno bene, e dopo che Rimbaud viene ferito da Verlaine, geloso di lui, lascia l’amante deciso a trasferirsi altrove.
In piena crisi poetica, Rimbaud si fa assumere da una compagnia che traffica in Africa con schiavi e armi; il poeta conosce Menelik, il ras etiopica e a lui inizia a fornire armi.
Contemporaneamente conosce la bellissima Gennet, una donna abissina che da quel momento in poi non lo abbandonerà più;una ferita alla gamba, che si trasformerà in cancrena lo obbligherà a rientrare a Parigi, che lui ama e detesta al tempo stesso, ma…
Una stagione all’inferno, diretto da Nelo Risi nel 1971 riprende nel titolo il capolavoro del poeta Arthur Rimbaud, del quale il film racconta una biografia molto romanzata e non priva di inesattezze.
Il libro, che in qualche modo segna l’addio definitivo di Rimbaud alla poesia, ritenuta incapace di cambiare il mondo, in realtà non ha nulla a che vedere con il titolo del film, che è puramente indicativo dell’argomento trattato.
Il film infatti racconta l’amicizia e l’amore di Rimbaud per il poeta Paul Verlaine, le loro crisi personali culminate in un rapporto affettivo e amoroso che si sciolse drammaticamente quando Verlaine sparò due colpi di pistola verso Arthur Rimbaud, che rimase ferito leggermente ad un polso.
Verlaine venne arrestato e nonostante Rimbaud non lo denunciasse, venne comunque condannato a due anni di galera; il film prosegue narrando la vita di Rimbaud in Africa, tra l’Etiopia e l’Abissinia , l’incontro fondamentale con la bella Gennet e infine la malattia che lo porterà alla tomba a soli 37 anni, cinque anni prima dell’amico, mentore e amante Verlaine.
Un film decisamente interessante, pur nei suoi errori e nel freddo formalismo che troppo spesso si affaccia nel film, compensato però da una regia attenta e puntuale, da location assolutamente affascinanti, con le lunghe pianure e le savane africane a farla da padrone.
Risi privilegia il dialogo e la storia drammatica che lega i due grandi poeti maledetti, anche se mette a fuoco principalmente il personaggio di Rimbaud del quale segue le vicende personali.
Spazio anche alla storia d’amore fra il poeta e la nativa Gennet, che amorevolmente assisterà durante tutta la sua permanenza sul continente africano di Rimbaud.
Sicuramente bravi gli attori protagonisti; bravo Terence Stamp nel ruolo tormentato di Arthur Rimbaud, bene anche Jean Claude Brialy nei panni dell’amico Paul Verlaine ma la vera sorpresa è Florinda Bolkan, che si conferma attrice di razza, oltre che splendida creatura nel ruolo di Gennet.Reduce dal grandissimo successo riscosso con Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto, regia di Elio Petri (1970) e l’anno precedente con Metti, una sera a cena, regia di Giuseppe Patroni Griffi (1969) l’attrice brasiliana è nel momento magico della sua carriera, che incontrerà un altro grande successo l’anno dopo, con quell’Anonimo veneziano, regia di Enrico Maria salerno che la consacrerà stella di prima grandezza.Molto belle le musiche di Jean Michel Jarre.
Un film sicuramente da rivalutare e che purtroppo per oltre quarant’anni è rimasto completamente nascosto; oggi grazie all’edizione in dvd è possibile finalmente rivederlo.
Chiunque voglia vederne una copia molto ben ridotta digitalmente deve solo andare ai seguenti link e scaricare le due parti che lo compongono, unendole poi con 7 zip o con Winrar : https://ultramegabit.com/file/details/gp-HIsQ9i8I/Una70stag.part1.rar e https://ultramegabit.com/file/details/5Gkt0ctCMKk/Una70stag.part2.rar
Una stagione all’inferno
Un film di Nelo Risi. Con Pier Paolo Capponi, Florinda Bolkan, Jean-Claude Brialy, Terence Stamp, Nike Arrighi, Attilio Dottesio, Archie Savage, Sergio Serafini, Lorenzo Piani, Vittorio Fanfoni, Bruno Cattaneo, Giuseppe Maffioli, Patrizia Valturri, Gabriella Giacobbe Drammatico, durata 130′ min. – Italia 1971.
Terence Stamp … Arthur Rimbaud
Jean-Claude Brialy … Paul Verlaine
Florinda Bolkan … Gennet
Regia Nelo Risi
Soggetto Arthur Rimbaud
Sceneggiatura Giovanna Gagliardo
Fotografia Aldo Scavarda
Montaggio Roberto Perpignani
Musiche Maurice Jarre
L’opinione del Morandini
Vita e morte di Jean-Arthur Rimbaud (1854-1891), leggendario giovane poeta francese, dai suoi rapporti con Paul Verlaine al traffico d’armi nell’Etiopia di Menelik. N. Risi è un regista colto, ma gli manca la stoffa del narratore di razza per fare del poeta Rimbaud un vero personaggio. Ambiziosa, impudica, scombinata biografia in confezione raffinata.
Classifica al botteghino 1988
1) Chi ha incastrato Roger Rabbit? (Who Framed Roger Rabbit) di Robert Zemeckis
con Bob Hoskins, Christopher Lloyd, Joanna Cassidy
2) Rain Man – L’uomo della pioggia (Rain Man) di Barry Levinson
con Dustin Hoffman, Tom Cruise, Valeria Golino, Jerry Molen
3) Il piccolo diavolo di Roberto Benigni
con Roberto Benigni, Walter Matthau, Stefania Sandrelli, Nicoletta Braschi, John Lurie
4) Il principe cerca moglie (Coming to America) di John Landis
con Eddie Murphy, James Earl Jones, Arsenio Hall, Shari Headley, John Amos, Madge Sinclair
5) Rambo III (Rambo III) di Peter MacDonald
con Sylvester Stallone, Richard Crenna, Marc de Jonge, Spiros Focas, Kurtwood Smith, Sasson Gabay
6) Caruso Pascosky (di padre polacco) di Francesco Nuti
con Francesco Nuti, Clarissa Burt, Ricky Tognazzi, Antonio Petrocelli, Novello Novelli
7) Un pesce di nome Wanda (A Fish Called Wanda) di Charles Crichton
con John Cleese, Jamie Lee Curtis, Kevin Kline, Michael Palin, Maria Aitken, Tom Georgeson
8) L’orso (L’ours) di Jean-Jacques Annaud
con Tchéky Karyo, Jack Wallace, André Lacombe
9) Cocktail (Cocktail) di Roger Donaldson
con Tom Cruise, Bryan Brown, Elisabeth Shue, Kelly Lynch
10) Compagni di scuola di Carlo Verdone
con Carlo Verdone, Alessandro Benvenuti, Nancy Brilli, Eleonora Giorgi, Christian De Sica, Natasha Hovey, Giovanni Vettorazzo, Massimo Ghini, Piero Natoli
11) Fantozzi va in pensione di Neri Parenti
con Paolo Villaggio, Milena Vukotic, Gigi Reder, Anna Mazzamauro, Plinio Fernando
12) Frantic (Frantic) di Roman Polanski
con Harrison Ford, Emmanuelle Seigner, Betty Buckley, John Mahoney, Yorgo Voyagis, Gérard Klein
13) Una donna in carriera (Working Girl) di Mike Nichols
con Melanie Griffith, Sigourney Weaver, Harrison Ford, Alec Baldwin, Olympia Dukakis, Joan Cusack, Kevin Spacey
14) Una pallottola spuntata (The Naked Gun: From the Files of Police Squad!) di David Zucker
con Leslie Nielsen, George Kennedy, Priscilla Presley, Ricardo Montalban, O.J. Simpson, Nancy Marchand
15) Sotto accusa (The Accused) di Jonathan Kaplan
con Jodie Foster, Kelly McGillis, Bernie Coulson, Leo Rossi, Ann Hearn, Carmen Argenziano, Steve Antin, Tom O’Brien
16) Mr. Crocodile Dundee II (Crocodile Dundee II) di John Cornell
con Paul Hogan, Linda Kozlowski, John Meillon, Ernie Dingo, Charles S. Dutton, Juan Fernández
17) La leggenda del santo bevitore di Ermanno Olmi
con Rutger Hauer, Anthony Quayle, Sandrine Dumas, Dominique Pinon
18) L’ultima tentazione di Cristo (The Last Temptation of Christ) di Martin Scorsese
con Willem Dafoe, Harvey Keitel, Barbara Hershey, Harry Dean Stanton, David Bowie, Verna Bloom, Andre Gregory, Juliette Caton, Roberts Blossom, Nehemiah Persoff
19) Donne sull’orlo di una crisi di nervi (Mujeres al borde de un ataque de nervios) di Pedro Almodovar
con Carmen Maura, Antonio Banderas, Julieta Serrano, Rossy De Palma, Chus Lampreave
20) I gemelli (Twins) di Ivan Reitman
con Arnold Schwarzenegger, Danny DeVito, Kelly Preston, Chloe Webb, Bonnie Bartlett, Hugh O’Brian, Nehemiah Persoff
Il giustiziere della notte
Nel 1971 il regista Don Siegel diresse Ispettore Callaghan, il caso Scorpio è tuo, primo film ad istituzionalizzare la violenza come antidoto all’esplodere della stessa violenza usata dalle gang criminali che infestavano le metropoli americane.Una violenza di un poliziotto che ritiene il sistema troppo morbido nell’affrontare il problema della criminalità dilagante, che ingenerò una montagna di critiche verso Siegel e marginalmente verso Clint Eastwood accusato di condividere con il regista una visione “fascista” della società, in cui l’occhio per occhio dente per dente sembra essere l’alternativa vincente contro la criminalità.
Nel 1974 Michael Winner riprende in qualche modo il tema, accusando ancora una volta la polizia di essere troppo tenera verso i criminali e paventando l’uso della giustizia privata come unico antidoto all’esplodere della violenza criminale nelle città.
Il giustiziere della notte esce in un periodo difficile per gli Usa;la guerra nel Vietnam, lo scandalo Watergate hanno creato un clima difficile e le tensioni sociali esplodono con guerre tra gang, con la mafia che controlla i traffici illeciti, bande che scorazzano per i quartieri di New York,Los Angeles o San Francisco e la polizia in netta difficoltà stretta tra leggi iper garantiste e laccetti giuridici che di fatto ne limitano il raggio d’azione.
Winner coglie i segnali che arrivano dalla società civile e con intelligenza va a riprendere il romanzo Death wish di Brian Garfield uscito nel 1972;nasce così Il giustiziere della notte, un film che andando al di la degli indubbi meriti diverrà un cult e creerà un grosso interrogativo sul quale dibatteranno per mesi mass mediologi, critici e giornalisti e cioè se la violenza privata debba o no essere legittimata di fronte a evidenti carenze della legge.
Il film racconta le vicende dell’architetto Paul Kersey, un pacifico e anonimo cittadino a cui dei delinquenti uccidono la moglie Joanna e violentano e traumatizzano la figlia Carol.Dopo il funerale della moglie, e dopo aver visto sua figlia portata via verso un istituto per cure psichiatriche Kersey capisce che la polizia poco può fare per fermare la violenza che dilaga nelle strade.
Dopo un viaggio in Arizona e dopo aver ricevuto in regalo una pistola non registrata, una calibro 32, Kersey decide di agire e si trasforma in un implacabile giustiziere.
Da quel momento l’uomo è ricercato dalla polizia, che teme fenomeni di emulazione e trasformato invece in un eroe dalla popolazione, che vede in lui la ribellione alle frustrazioni quotidiane subite dai malviventi.
Alla fine Kersey uccide due malviventi ma viene ferito da un terzo e finisce in ospedale, dove viene raggiunto dal tenente Briggs che gli comunica l’impunità dai crimini in cambio dell’allontanamento dalla città.
Kersey accetta e parte per Chicago…
Quattro sequel, Il giustiziere della notte 2 (diretto da Winner),il 3 diretto ancora da Winner, il 4 diretto da J. Lee Thompson e infine il quinto e ultimo sequel diretto da Allan Goldstein, che testimoniano il gran successo di questo film autenticamente precursore di un genere che ebbe molte imitazioni, quasi sempre però di bassa lega così come furono decisamente inferiori i sequel al primo capitolo.
Winner sceglie Charles Bronson, già scritturato per L’assassino di pietra e per Professione assassino, volto scolpito nella pietra, come protagonista del film e colpisce nel segno; Bronson da vita ad un personaggio di grande spessore, che diverrà un mito.
Un film non esente da pecche, che però si segue con grande piacere anche per il ritmo serrato che Winner imprime al film;il regista, scomparso nel 2013 a 77 anni ha mano ferma e grande capacità di sintesi cosa che rende il film, pur nell’ambito del poliziesco, uno dei prodotti migliori mai diretti.Il film è disponibile in streaming all’indirizzo http://www.cineblog01.tv/il-giustiziere-della-notte-1974/ in una buona qualità.
Il giustiziere della notte
Un film di Michael Winner. Con Charles Bronson, Hope Lange, Vincent Gardenia, William Redfield Titolo originale Death Wish. Drammatico, durata 93 min. – USA 1974
Charles Bronson: Paul Kersey
Hope Lange: Joanna Kersey
Stuart Margolin: Aimes Jainchill
Edward Grover: tenente Briggs
Vincent Gardenia: Ispettore Frank Ochoa
Gregory Rozakis: Spraycan
Jeff Goldblum: assalitore #1
Christopher Logan: assalitore #2
Kathleen Tolan: Carol Toby
Fred J. Scollay: Procuratore distrettuale
Steven Keats: Jack Toby
Regia Michael Winner
Soggetto Brian Garfield
Produttore Dino De Laurentiis
Casa di produzione Paramount Pictures
Fotografia Arthur J. Ornitz
Montaggio Bernard Gribble
Musiche Herbie Hancock
Giuseppe Rinaldi: Paul Kersey
Rosetta Calavetta: Joanna Kersey
Pino Colizzi: Aimes Jainchill
Cesare Barbetti: tenente Briggs
Antonio Guidi: Ispettore Frank Ochoa
Michele Gammino: assalitore #1
Manlio De Angelis: assalitore #2
Micaela Esdra: Carol Toby
Alessandro Sperlì: Procuratore distrettuale
Massimo Turci: Jack Toby
L’opinione di sasso67 dal sito http://www.filmtv.it
Difficile stabilire se nella scelta finale della polizia, che – analizzate le statistiche da cui risulta che per l’azione del giustiziere è crollato il tasso di criminalità a New York ma si è anche creato un pericoloso fenomeno di emulazione – decide di non arrestare il cittadino Kersey siano ravvisabili le caratteristiche del fascismo. Forse, analizzando bene i fenomeni, non è così, perché se fascismo è organizzare le squadracce (o le ronde, che anche qui da noi qualcuno malvestito di verde aveva proposto), questo è proprio ciò che le autorità di pubblica sicurezza newyorkesi vogliono evitare, mentre il loro obiettivo è quello di restaurare, per quanto possibile, il binomio “legge e ordine”, che è più probabilmente carattere distintivo di una destra occidentale talvolta intransigente ma non fascista. E del resto il rispetto della legge è proprio ciò per cui la polizia in senso lato è stata (o sarebbe stata) inventata.
Di sicuro quello di Winner, che trova in Bronson una perfetta icona, è comunque un attacco virulento alla sinistra imbelle degli obiettori di coscienza (lo dico dal loro punto di vista, in quanto anch’io sono obiettore di coscienza all’uso delle armi), per certi versi narrativamente squilibrato. Ora, è pur vero che a un certo punto, armato della sua calibro 32 l’ingegner Kersey si aggira di notte nei posti più malfamati in cerca di feccia umana (lo dico ancora nell’ottica degli autori del film) da abbattere, ma che davvero tutti questi criminali – nella cui maggioranza hanno i tratti inconfondibili dell’immigrato portoricano, con la chioma simil Jackson 5 – cerchino di rapinare proprio uno con la faccia poco raccomandabile di Charles Bronson mi sembra poco credibile: si vede che non erano mai andati al cinema.
L’attore d’origine lituana incarna perfettamente l’uomo che, a causa di un trauma subito (l’iniziale scena di violenza ha una sua efficace e stilizzata brutalità, che fa pensare quasi alle analoghe sequenze di Arancia meccanica, depurate però del loro aspetto operistico), impugna la pistola per “ripulire” la città e diventa, da questo momento in poi una vera icona, vicina al Clint Easwood dell’ispettore Callaghan. Seguiti e parodie (una anche con Franco Franchi: Il giustiziere di mezzogiorno) ne scolpiscono la mitologia
L’opinione di Angelheart dal sito http://www.filmscoop.it
Il primo film e portavoce assoluto sul vigilantismo e la giustizia fai da te.
Violento, cupo e cattivissimo (la sequenza dello stupro lascia ancora a bocca aperta) con un protagonista perfetto ed un’atmosfera newyorkese talmente lurida e malsana da indurre anche il più coraggioso a barricarsi dentro casa. La critica sociale che si porta dietro è ancora potente ed ahimè più attuale che mai (qui da noi in particolare non si sente parlar d’altro dalla cronaca) tuttavia soffre non poco del peso degli anni, di un ritmo spesso soporifero soprattutto nella parte centrale, e di certi passaggi ripetitivi e poco credibili (il protagonista esce praticamente ogni sera in cerca di guai, ma i guai sembrano venire incontro sempre e solo a lui anche quando è tranquillo).Ad ogni modo rimane una pietra miliare del genere, uno dei film più brutali degli anni 70, e l’apripista per una serie di sequel ed imitatori di alta e bassa lega.
L’opinione di galbo dal sito http://www.davinotti.com
Tra i primi e migliori esempi di un filone fortunatissimo (quello degli uomini comuni che si vendicano dei torti subiti) è stato (in parte giustamente) considerato a lungo un film reazionario. Si tratta però sopratutto un esempio di action molto ben realizzato (il montaggio ed alcune delle riprese più animate sono eccellenti), interpretato da un’attore (Bronson) che è diventato un tutt’uno col personaggio, tanto da essere oggi identificato quasi esclusivamente con questo.
L’opinione di Herrkinski dal sito http://www.davinotti.com
Tralasciando le solite discussioni sul presunto “fascistismo” della storia, questo classico della coppia Winner/Bronson è un eccellente thriller urbano, dai risvolti drammatici. Verosimile e ancora non esagerato come accadrà in alcuni dei sequel, il film è girato molto bene e presenta molte sequenze interessanti anche visivamente. Privo di americanismi inutili e di spettacolarizzazioni hollywoodiane, duro, lucido e concreto. Bronson diventerà una vera e propria icona (a ragione) grazie a questo ruolo. Da vedere!
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Telefoni bianchi
Il sogno di Marcella Valmarin,bella ragazza veneta che lavora come cameriera ed è fidanzata con Roberto è quello di diventare un’attrice;siamo nell’epoca mussoliniana ed il cinema è nella fase dei cosiddetti “telefoni bianchi“, quel periodo cinematografico caratterizzato dalla presenza nei film di telefoni bianchi, simbolo di uno status sociale elevato, in netta opposizione ai telefoni neri che erano in possesso della fascia più popolare della società.
Marcella trova nell’impresario Luciani un insperato aiuto; l’uomo la seduce con la promessa di introdurla nel mondo del cinema.
In realtà l’uomo non è affatto un impresario e Marcella lo scopre subito dopo essere arrivata a Roma dove ben presto diventa l’amante di alcuni personaggi che approfittano di lei con la promessa di coronare il suo sogno.
Marcella, che nel viaggio verso Roma ha portato con se Roberto riesce comunque a portare all’altare il suo fidanzato; ma sull’altare Roberto, che ha scoperto di essere stato tradito da Marcella con Bruno,un ufficiale fascista, la pianta in asso sull’altare gridandole parolacce.
Così a Marcella non resta che di diventare l’amante di Bruno, che in pratica la trasforma ben presto in una prostituta; la madre di Bruno infatti gestisce un bordello ed è qui che miseramente finiscono i sogni di gloria di Marcella.
Ma un incontro imprime una svolta alla vita della giovane;casualmente diventa l’amante del Duce che la ricompensa facendola finalmente diventare un’attrice e spedendo il malcapitato Roberto in Spagna, dove infuria la guerra civile.
Con il nome di Alba Doris, Marcella che ha alle spalle l’onnipotente figura di Mussolini diviene ben presto famosa e finisce anche per diventare l’amante dell’attore Franco D’Enza, uno stravagante personaggio cocainomane e vanaglorioso.
Ma la rovina incombe su tutti i personaggi legati al fascismo: l’armistizio provoca la caduta del regime e Marcella rimane senza lavoro e per giunta senza una lira.
Così, messi da parte i sogni di gloria, la ragazza ritorna a casa con un viaggio avventuroso durante il quale, per vivere,è costretta nuovamente a prostituirsi.
A casa trova una brutta sorpresa;i suoi, che la credevano ricca, quando scoprono che in realtà Marcella è nelle stesse condizioni di quando è partita la cacciano malamente di casa.
La guerra è finita e Marcella riesce a trovarsi un marito; ma non ha dimenticato Roberto, che ha finito per combattere tutte le guerre del fascismo prima di approdare in Russia.
Marcella approfitta di un viaggio del marito in quel paese per andare a cercare la tomba del fidanzato ma…
Telefoni bianchi, uscito nelle sale nel 1976 è un affresco creato da Dino Risi per celebrare ironicamente il periodo più in chiaro oscuro del cinema italiano, quello dei telefoni bianchi.
In qualche modo il regista milanese tenta di costruire un film con l’impronta della saga ma tutta una serie di circostanze, inclusa una sceneggiatura a corrente alternata impediscono la perfetta riuscita dell’operazione.
Troppo deboli i personaggi, tropo leggera la ricostruzione storica, tropo leggero il tono usato verso un periodo storico viceversa pieno di contraddizioni che il regista non solo non coglie, ma finisce per marginalizzare creando una storia dal tono leggero stridente con la realtà storica degli avvenimenti.
Nonostante un cast di assoluto livello, che include per esempio Ugo Tognazzi e Vittorio Gassman, Agostina Belli e Renato Pozzetto, Maurizio Arena, William berger,Cochi Ponzoni e Lino Toffolo il film sbanda, ondeggia e non affonda solo perchè comunque il gran mestiere di Risi mimetizza i mille difetti, alcuni dei quali capitali, del film.
Che parte benissimo, si smorza nella parte centrale e si riprende solo nel finale con la sequenza in cui Marcella non riconosce nel contadino a cui hanno chiesto informazioni; quello che sorprende maggiormente è la disomogeneità e lo scoordinamento dello stesso sopratutto alla luce del lavoro precedente, lo splendido Profumo di donna dell’anno prima e di quello successivo, Anima persa, un gran bel film anomalo.
In tutti e tre i casi il regista utilizza Vittorio Gassman, che guarda caso proprio in questo film rende al minimo, con un personaggio che non gli è congeniale.
Comunque, non siamo di fronte ad un film brutto ma piuttosto ad un film debole e troppo lungo (2 ore) che comunque si lascia seguire.
Purtroppo non ho trovato link in streaming dello stesso, che è presente in versione digitale sui p2p.
Telefoni bianchi
Un film di Dino Risi. Con Vittorio Gassman, William Berger, Agostina Belli, Maurizio Arena, Lino Toffolo,Cochi Ponzoni, Attilio Dottesio, Michele Malaspina, Ugo Tognazzi, Eleonora Morana, Renato Pozzetto, Alvaro Vitali, Laura Trotter, Monica Fiorentini, Franca Stoppi, Paolo Baroni, Carla Terlizzi, Dino Baldazzi, Leonora Morano, Marcello Fusco, Enrico Marciani, Giovanni Brusateri, Edoardo Florio, Monico Fiorentini, Toni Maestri, Renate Schmidt, Giacomo Assandri Commedia, durata 120′ min. – Italia 1976.
Agostina Belli: Marcella Valmarin, alias Alba Doris
Maurizio Arena: Luciani
William Berger: Franz
Vittorio Gassman: Franco D’Enza
Renato Pozzetto: Bruno
Cochi Ponzoni: Roberto Trevisan
Lino Toffolo: Gondrano
Ugo Tognazzi: Adelmo
Paolo Baroni: segretario di Marcella
Eleonora Morana: madre di Marcella
Dino Baldazzi: Benito Mussolini
Regia Dino Risi
Soggetto Dino Risi e Bernardino Zapponi
Sceneggiatura Dino Risi, Ruggero Maccari, Bernardino Zapponi
Produttore Pio Angeletti, Adriano De Micheli
Musiche Armando Trovajoli
Scenografia Luciano Ricceri
Costumi Luciano Ricceri
L’opinione di sasso67 dal sito http://www.filmtv.it
Film poco riuscito, nonostante le buone premesse, di un regista tra i più sopravvalutati e antipatici della commedia all’italiana. Qui utilizza male anche Vittorio Gassman, oltre ad attribuire il ruolo di protagonista in un film di ambizioni quasi storiografiche ad un’attrice che non ne aveva lo spessore come Agostina Belli. Come detto, l’inizio è promettente, ma il prosieguo si perde in una sfilza di macchiette anche poco divertenti, per sbracare completamente nel finale con una scena indegna di Gassman, che suona come un insulto al bel finale della “Grande guerra”.
Si tratta di un’occasione persa, probabilmente per troppa ambizione rispetto ai mezzi a disposizione: il difetto originario sta nella sceneggiatura, ma nemmeno gli interpreti si dimostrano all’altezza; forse il solo Tognazzi si dimostra all’altezza della propria fama interpretativa nella parte di un gobbo malefico che vende ai nazisti una famigliola di ebrei.
L’opinione di B.Legnani dal sito http://www.davinotti.com
Non sgradevole, ma non riuscito. C’è chi buca (Ponzoni), chi si prende uno spazio (Pozzetto), chi iper-gigioneggia (Gassman). Buono Maurizio Arena. Agostina ci prova, ma non regge un film che cala per snodi faciloni, funzionante talora (il matrimonio fascista, le epifanie ducesche, il postribolo), ma non nell’insieme. Da comico-grottesco tira infine al dramma, con intenti “nobili”, ma non in sintonìa col resto. Talora grazioso, mai bello. La Mancini, non accreditata, è la prostituta vestita da marinaretto.
L’opinione di Guggly dal sito http://www.davinotti.com
Curioso film dalla riuscita altalenante: tanti episodi, per lo più grotteschi, uniti dalla storia di questa inqualificabile servetta che riesce comunque, malgrado tutto, nei suoi intenti. Veramente impressionante l’episodio di Tognazzi e gli ebrei. Gassman gigioneggia, ma il personaggio è azzeccato. Pozzetto e Ponzoni sembrano due cartoni animati. La Belli è il “deus ex machina” attraverso cui raccontare un non glorioso passato che ci appartiene.
L’opinione di Thegaunt dal sito http://www.filmscoop.it
Risi offre uno spaccato d’epoca attraverso due protagonisti dall’amore travagliato e irraggiungibile nello stile del cinema d’epoca, quello dei telefoni bianchi, macchina di propaganda per distogliere un paese dai suoi problemi reali. Marcella si immergerà totalmente in questo sogno precluso a Roberto, ancorato nella vita reale, ma persino per lei il sogno finirà con l’incedere della guerra.
La Belli e Ponzoni sono bravi, però scade troppo nel macchiettistico nei personaggi di contorno, anche se bisogna dire, ad onor del vero, che Tognazzi interpreta una carogna difficile da dimenticare.
Il pornografo (Inserts)
Hollywood,anni 30
L’avvento del sonoro ha praticamente stroncato il cinema muto, relegando in soffitta anche parte dei personaggi che si muovevano attorno all’industria cinematografica del muto stesso.
Boy Wonder, che era a suo tempo un personaggio molto stimato del muto ed un valente regista è ora costretto a vivacchiare girando squallidi film porno nel suo appartamento,trasformato in un set cinematografico; tra i personaggi che lavorano nei suoi film ci sono l’ex diva Harlene e Rex, un attore senza un dollaro e gay.
Mentre è impegnato nelle riprese di un filmino, a casa di Boy arriva un losco produttore legato alla mafia, Big Mac, che tra l’altro si occupa di fornire droga ad Harlene.
La donna ormai schiava delle droghe, finisce per morire di overdose cosa che costringe Rex e Big Mac a portare via il cadavere; in casa di Boy resta Cathy Cake, amante di Big Mac e sopratutto ansiosa di entrare nel mondo del cinema, pur se dalla porta meno onorevole.
Cathy insiste per essere la protagonista del film e alla fine Boy accondiscende; tra i due scoppia una passione improvvisa, che però vede Boy infatuarsi della donna, cosa non ricambiata perchè in realtà a Cathe interessa solo entrare nel mondo del cinema.
L’arrivo improvviso di Big Mac sconvolge i piani dei due; l’uomo, che sospetta immediatamente il rapporto appena nato tra Boy e Cate, decide di ritirare il suo appoggio finanziario al film e si porta via la recalcitrante Cathe.
Per Boy è una disfatta totale; alla porta si presenta un attore, un certo Clark Gable che vorrebbe proporgli di girare un film di quelli veri con lui, ma ormai Boy è moralmente a terra e decide di vendere la sua casa, che verrà abbattuta lasciando il posto ad una autostrada…
Inserts, ,diretto nel 1975 dal regista esordiente John Byrum che cura anche soggetto e sceneggiatura del film, malamente tradotto in italiano con il titolo di Il pornografo è un’acuta e malinconica, oltre che corrosiva analisi del mondo della celluloide.
Vizi, debolezze, falsi miti, pregiudizi, egoismo arrivismo finiscono per essere e diventare i difetti analizzati dal regista con una attenzione e cura (oltre che con uno stile aggressivo e senza mediazioni) che mettono a fuoco quello che realmente c’è dietro lo scintillante mondo del cinema.
Per la sua analisi Byrum sceglie la strada più difficile, ovvero ambienta la storia in una stanza e la analizza i personaggi, praticamente tutti perdenti o negativi della pellicola, trattando la stessa come un pezzo teatrale, usando in pratica l’impianto stesso di una piece teatrale e usando quindi i tempi, i dialoghi e le atmosfere tipiche della rappresentazione teatrale.
Ne vien fuori un ritratto convincente e crudele di alcuni personaggi alla deriva, ognuno spinto da motivazioni diverse e con diverse aspettative tutte legate al mondo del cinema, che Byrum mostra come una fabbrica di incubi, più che di sogni.
Dalla sfortunata Harlene, attrice di una certa fama che ha lavorato con De MIlle e Von Stroheim allo stesso Boy, piccola stella del muto per finire con Cathe, i personaggi della pellicola sono frammenti di stelle cadenti, ormai indissolubilmente legati ad un mondo che dietro le luci nasconde tutto il peggio dei difetti umani.
Qui Byrum usa il bisturi e l’accetta, alternando graffi e fendenti, mostrando cioè un mondo dissoluto in cui l’arrivismo e il cinismo sono comandamenti essenziali per farsi strada.
Lo stesso personaggio ambiguo di Cathe mostra questa dicotomia: la donna appare come arrivista e cinica salvo poi assumere i contorni di un personaggio da tragedia greca quando la storia si avvierà fatalmente verso un finale triste e malinconico, nel quale la speranza di redenzione, forse più teorica che realmente pratica, dei protagonisti stessi mostra impietosamente l’impossibilità di uscire alla fabbrica dei sogni e dal suo mondo menzognero.
Il contrasto fra sogni e realtà è davvero stringente:l’idea di cinema, di successo dei protagonisti si scontra con la squallida realtà di un set in cui la fama, la carriera passano attraverso la tristezza di quello che circonda gli stessi protagonisti, ovvero il sudicio set di un film porno.
Se c’è un appunto da muovere a Byrum riguarda l’uso di dialoghi a tratti artefatti; ma del resto per un film girato in pochi metri quadri, con cinque attori a reggere una storia moralmente disordinata probabilmente non è lecito attendersi di più.
Tutti gli attori del cast si muovono all’unisono, da grandi professionisti, anche se sia Dreyfuss che la Harper, ottimi ed espressivi interpreti appaiono un po troppo giovani per le loro parti, che avrebbero dovuto prevedere attori più in la negli anni.
Peccati veniali, per fortuna, perchè il film regge ottimamente e si lascia guardare con piacere.
Il pornografo
Un film di John Byrum. Con Richard Dreyfuss, Jessica Harper, Bob Hoskins Titolo originale Inserts. Drammatico, durata 117′ min. – Gran Bretagna 1975.
Richard Dreyfuss: Baby Prodigio
Jessica Harper: Cathy Cake
Bob Hoskins: Big Mac
Veronica Cartwright: Harlene
Stephen Davies: Rex
Regia John Byrum
Soggetto John Byrum
Sceneggiatura John Byrum
Produttore Davina Belling, Harry Benn, Clive Parsons
Distribuzione (Italia) Indipendenti Regionali Orange, General video
Fotografia Denys N. Coop
Montaggio Michael Bradsell
Musiche Will Hudson
L’opinione di Stuntman miglio dal sito http://www.filmtv.it
Baby prodigio è il soprannome di un geniale regista di cinema muto oramai caduto in disgrazia. Schiavo dell’ alcol e delle proprie paranoie, è ridotto a girare inquietanti film porno nella propria abitazione assieme ad un’ attrice eroinomane e ad uno squattrinato attore gay. A produrli è un losco individuo mezzo gangster e mezzo imprenditore di nome Big Mac che sogna proprio di aprire una catena di fast-food. Durante le riprese di un film, la protagonista femminile muore per overdose e a sostituirla sarà la nuova fiamma del produttore che, pur di entrare a far parte del mondo di celluloide, è disposta a qualsiasi cosa. Questa è grosso modo la trama di quest’ interessante esordio di John Byrum che s’ insinua dietro le quinte di Hollywood e ne immortala gli aspetti più ambigui e corrotti. Girato in un unico ampio interno e strutturato come un’ opera teatrale, “Il pornografo” è una pellicola che ben inquadra i lati peggiori della cosiddetta fabbrica dei sogni parlando di vizio, arrivismo, pregiudizio, ipocrisia, ed egoismo. Diretto con estro e dotato di uno script intelligente e tagliente è inoltre un ottimo banco di prova per un ancora giovane Richard Dreyfuss che offre un’ interpretazione decisamente convincente.
L’opinione di B.Legnani dal sito http://www.davinotti.com
La cosa più curiosa è che Dreyfuss e la Harper sono fuori ruolo (troppo giovani entrambi anagraficamente e/o visivamente), ma sono così bravi (il doppiaggio è pure perfetto) che si riece ad accettarli senza particolare fatica. Ottima la Cartwright, eccessivo il personaggio di Hoskins. Unità di luogo e – quasi – di tempo e di azione in un film particolare, che indaga su creazione e distruzione delle persone operate dal cinema, su confusione fra realtà e finzione e su copertura e inversione del ruolo nei rapporti interpersonali. Bel film
L’opinione di Pigro dal sito http://www.davinotti.com
Ottimo esordio registico, e coraggioso: con soli cinque attori, è un film “aristotelico” con unità di tempo e luogo, il salone-set del regista decaduto costretto a fare pellicole porno. Il ritratto del fallito si mescola con quello del rampantismo industriale del produttore che sogna autostrade e con quello della carne da macello, più o meno astuta: attorucoli che sognano fama e denaro. Più che sul cinema è un film sul rapporto che si ha con l’idea di successo, e dunque una fotografia amara sulla nostra contemporaneità.
L’opinione di Homesick dal sito http://www.davinotti.com
Kammerspiel tra dramma e commedia, ingenuità e malizia, rivestito da uno scenario sudicio e cadente: lo squallido mondo dei filmini porno è il cascame della corrotta ed effimera reggia hollywoodiana, che prima crea talenti, poi – spietatamente – li isola e li distrugge. Dialoghi ricchi e vivaci con un quintetto di ottimi protagonisti: l’impotente ed alcolizzato Dreyfuss, l’attrice al tramonto Cartwright, il rampante gay Davies, il cinico e tonitruante Hoskins, la gracile e curiosa Harper dai nivei microseni.
L’opinione di Buiomega71 dal sito http://www.davinotti.com
Straordinario e feroce film “da camera”, forse tra i più belli degli anni 70, che racconta, senza falsi moralismi, la caduta di un regista di film muti con l’avvento del sonoro. Immenso Richard Dreyfuss nella parte del regista (che chiama le gambe delle donne velate con le calze di nylon, “carne in incarto trasparente”), disilluso e cinico. Adorabile Jessica Harper, post Fantasma del palcoscenico e pre Suspiria e come attrice decaduta e svampita, la Veronica Cartwright di Alien. Purtroppo John Byrum è sparito nel nulla. Da recuperare.
L’isola delle svedesi
Di svedesi neanche a parlarne, solo tanta noia in questo thriller scialbo uscito nelle sale nel 1969 e poi finito in soffitta senza più essere editato in digitale; avendolo visto nella versione super rimaneggiata trasmessa da un’emittente privata orba di ben 16 minuti di girato presumo sia stato censurato preventivamente di scene lesbiche, essendo quest’ultimo il tema portante del film.
Diretto nel 1969 da Silvio Amadio,regista eclettico capace di spaziare dl western al peplum e convertitosi in seguito al decamerotico prima (Come fu che Masuccio Salernitano, fuggendo con le brache in mano, riuscì a conservarlo sano,…E si salvò solo l’aretino Pietro con una mano avanti e l’altra dietro) e alla commedia sexy in seguito con la quadrilogia interpretata da Gloria Guida (La minorenne,Peccati di gioventù,Quella età maliziosa e Il medico…la studentessa),
questo film ha un solo elemento parzialmente innovativo, ovvero aver introdotto una storia saffica in un film girato in un periodo in cui il tema del lesbismo non era certo pane quotidiano per i registi nostrani.
La storia si incentra proprio sul rapporto morboso che viene a nascere e svilupparsi tra Manuela ed Eleonora, due amiche che si incontrano su una spiaggia dove la seconda si è rifugiata dopo aver divorziato; Manuela,in seguito ad una lite con il fidanzato Franco lo pianta in asso raggiungendo Eleonora, con la quale stabilisce un rapporto morboso che sfocia in un rapporto omosessuale.
Che nel film è più sussurrato che mostrato.
A rompere le uova nel paniere arriva Franco, che scopre la relazione tra le due donne e briga per riprendersi Manuela;ci riesce, con grande scorno di Eleonora che decide di eliminare fisicamente il rivale in amore.
Con un fucile di precisione spara all’uomo uccidendolo, ma non ha fatto i conti con Manuela, che,innamorata di Franco usa lo stesso sistema di Eleonora.
Trama sintetica su un film in cui accade davvero ben poco, con qualche dialogo pseudo femminista di Eleonora, qualche nuotata in costume adamitico delle protagoniste peraltro riprese da lontano per evitare le forbici della censura e davvero poco altro.
Amadio si ispira abbondantemente al film del francese Chabrol Les biches-Le cerbiatte, uscito in Italia con l’allusivo titolo Lesbiches, senza trattino per giocare sulla parola lesbiche, di ben altro spessore e tensione riprendendo il tema delle due amanti e il finale tragico, dove per la verità cambia l’arma dl delitto (un coltello) e la vittima (la più anziana delle due amanti) ma non l’oggetto del contendere, un uomo del quale si è innamorata la protagonista più giovane.
Non può esserci paragone però tra i due film, visto che quello di Chabrol ha profondità e rigorosa tensione, la dove queste caratteristiche mancano quasi del tutto in L’isola delle svedesi.
Che resta prodotto mediocre e deludente.Da salvare le due belle protagoniste Catherine Diamant e Ewa Green mentre da dimenticare l’espressione inebetita di Hillinger.
Non posso suggerire link, vista la mancanza in rete degli stessi.
L’isola delle svedesi
Un film di Silvio Amadio. Con Nino Segurini, Catherine Diamant, Ewa Green Drammatico, durata 91 min. – Italia 1969
Catherine Diamant … Eleonora
Ewa Green … Manuela
Wolfgang Hillinger … Franco
Nino Segurini … Maurizio
Regia:Silvio Amadio
Sceneggiatura: Silvio Amadio,Luigi Mordini,Roberto Natale
Produzione:Gino Mordini
Musiche:Roberto Pregadio
Fotografia:Joe D’Amato
Montaggio:Gino Caccianti
L’opinione di B.Legnani dal sito http://www.davinotti.com
Al di là di una certa eleganza formale, c’è molto poco. La sceneggiatura sta in in paio di foglietti, le sequenze in campo lungo sono interminabili, la recitazione è a livelli molto bassi, alcuni effetto-notte sono pessimi. Resta la bellezza della Sardegna e di alcuni paesaggi. Se non altro, Amadio non dà l’impressione di voler volare alto, nonostante un paio di citazioni “alte” (“Honni soit qui mal y pense” e “Sic transit gloria mundi”). Nulla in più
L’opinione di Undying dal sito http://www.davinotti.com
Nell’isola in questione non ci sono vere svedesi, ma piuttosto due amiche intime (intimissime, e chi vuol capire capisca) il cui rapporto tende a frantumarsi con l’arrivo di un ex-amante, destinato a diventare, tutto d’un colpo, preda di una gelosa lesbica assassina. Pellicola che percorre diversi binari “di genere” con predominanza di tensione, di tipo erotico, sfociante in un finale altamente drammatico. Di Silvio Amadio sul Davinotti abbiamo scritto diverse volte, e se c’è un film per il quale questo eccentrico autore merita d’essere riscoperto, questo è L’Isola delle Svedesi…
L’opinione di Ilgobbo dal sito http://www.davinotti.com
In rotta col possessivo fidanzato, la bella Manuela va su un’isola, ospite dell’amica Eleonora. Scocca la scintilla… Notevole lesbo-esotico (si fa per dire, siamo a Caprera!), con prevedibile svolta thriller-tragica, e percorso da tutti i fremiti dell’epoca: decisamente il cinema-bis era la nostra vera Nouvelle vague. Le due bellone protagoniste si denudano ogni volta che possono, per la gioia degli spettatori, che nondimeno smoccolano all’indirizzo della censura, visti gli evidenti, numerosi tagli della versione tv. Da vedere, comunque
L’opinione di Homesick dal sito http://www.davinotti.com
Il lungo preambolo erotico-esotico sulla crisi di coppia e l’illusoria fuga verso oasi incontaminate si sviluppa come Les biches, uscito solo un anno prima: l’idillio tra due amiche rotto dall’arrivo di un terzo incomodo e il suo esito tragico, che accelera alle spinte thrilling e ai colpi di fucile di Top sensation. Più allusivi che espliciti, i richiami saffici si limitano ad affettuose carezze e sguardi complici, mentre la fotografia celebra la fusione panica tra i nudi della Diamant e il paesaggio marino. Si respira aria anni Sessanta: prepotenze maschiliste e sgargianti arredi pop.
L’opinione di Vstringer dal sito http://www.davinotti.com
Titolo assolutamente fuorviante per questa storiella saffica che vira sul thriller, roba oggettivamente forte per l’Italia del 1969 anche perché l’elemento erotico è ben più che abbozzato. Regolarmente tagliate le sequenze più calde, rimangono splendide vedute paesaggistiche (Caprera) e un sufficiente sforzo di introspezione psicologica: Amadio non è Kubrick, ma rimane uno dei migliori artigiani dell’erotico ibrido all’italiana, con un solido mestiere registico e gli occhi aperti sulla contemporaneità.
Un amore oggi
Tra il finire degli anni sessanta e i primi anni settanta apparvero sugli schermi diversi film assolutamente anticonvenzionali, con tematiche differenti ma accomunati dal desiderio, da parte dei registi, di raccontare in modo alternativo la società, l’amore, la vita matrimoniale, coinvolgendo cioè tutti i capi saldo su cui la società stessa si fonda.
Film come Calamo, Un attimo di vita e altri raccontavano in modo diverso e sopratutto con stili completamente diversi la realtà, spesso in maniera confusa ma quantomeno difformi dagli standard abituali.
Un amore oggi, diretto da Edoardo Mulargia nel 1970 prova a raccontare una storia d’amore alternativa, quella tra due persone con un vissuto triste alle spalle, che si incontrano, si innamorano e alla fine vedranno i loro destini cambiati irreversibilmente.
Lui è Albert, un fotografo e reporter tormentato dai traumi subiti nell’infanzia e che ha visto aggravare le cose dalla sua esperienza lavorativa in Vietnam mentre lei, Myra,che vive in una strana comunità hippy ha a sua volta visioni e ricordi di sua madre morta ad Auschwitz.
I due si innamorano, si prendono, si amano ma l’amore non basta a salvarli da un passato tanto triste.
Mille difetti e pochi pregi per questo inusuale viaggio tra le personalità devastate di due personaggi che vivono il presente senza riuscire a liberarsi di un passato triste;i condizionamenti che provengono dai loro ricordi sono talmente radicati in loro da impedire anche ad un sentimento totalizzante come l’amore di fugare le nubi che costantemente avvolgono le loro menti.
Sostanzialmente il film di Mulargia, passato dai western a questo che è un film difficilmente classificabile appare come un guazzabuglio disarmonico di situazioni ed emozioni.
Appesantito da fastidiosissime voci fuori campo che cercano di far luce sui passati oscuri dei protagonisti, mozzato brutalmente in alcuni passaggi da flashback inopportuni e insistiti, Un amore oggi risente anche di un peccato originale che inficia da subito la credibilità del film.
Mulargia affida a Juliette Mayniel, all’epoca trentaseienne, la parte di Myra che la massimo nel film dovrebbe averne meno di trenta; la Mayniel è vistosamente troppo matura e sopratutto è poco credibile il personaggio di una donna di quell’età che vive come una hippy la sua vita, mescolata a quella di un gruppo di strani personaggi che evidentemente rappresentano la ribellione di un gruppo di giovani borghesi alla società.
Tra le poche cose buone c’è da rilevare una certa freschezza innovativa nell’uso quasi schizofrenico della macchina da presa e per contraltare all’età vistosamente avanzata della Mayniel, l’indubbio fascino dell’attrice moglie dell’attore Vittorio Gassman che nelle sequenze finali mozza il fiato con la corsa sulla spiaggia, completamente nuda, sequenza però ripresa in modo tale da lasciar intravedere piuttosto che essere esplicita, tributo pesante alla censura dell’epoca.
Un amore oggi è quindi una pellicola che richiede un grosso sforzo per essere seguita compiutamente e non è detto che alla fine ne valga la pena; troppi dialoghi, spesso pallosi, voce fuori campo invasiva e sopratutto recitazione piatta e poco incisiva da parte di tutto il cast rendono indigesta la pellicola stessa.
Da salvare quindi ci sono solo le intenzioni di Mulargia, la bellezza statuaria della Mayniel, l’ambientazione marina della storia e pochissimo altro.
Film tra l’altro assolutamente dimenticato e mai più rieditato in digitale; in rete è presente una versione molto scadente del film che è scaricabile (sempre con le stesse avvertenze, di cancellare il film dopo la visione per i motivi banali che ho più volte espresso) all’indirizzo http://wipfiles.net/mpnreyvn1xa2.html.
Ricordo comunque che essendo il file superiore ad 1 giga dovrete creare un account fittizio per effettuare il download.
Un amore oggi
Un film di Edoardo Mulargia, con Juliette Mayniel,Gino Lavagetto,Mirella Pamphili,Ugo Adinolfi Drammatico, Italia 1970
Juliette Mayniel … Myra / Helena
Gino Lavagetto … Albert Hart
Regia; Edoardo Mulargia
Sceneggiatura:Edoardo Mulargia
Produzione:Giorgio Marzelli
Fotografia:Antonio Modica
Montaggio:Gino Caccianti
Production Design : Gianfrancesco Ramacci
Costume Design : Anna Maria Albertelli
L’opinione di Ilgobbo dal sito http://www.davinotti.com
Incredibile esito dell’incontro fra Mulargia e il cinema sessantottesco: Vietnam ed Auschwitz, hippies stracciaculi che citano Timothy Leary e stereotipatissima vicenda di educazione repressiva raccontata fuori campo, pazzeschi momenti “onirici” e dialoghi devastanti, la Mayniel bona ma palesemente stagionata per la parte, morriconismo di riporto nelle musiche. Insomma, una follia – e una delizia! Preferiamo il Mulargia western, ma questo ha da esser visto per poterci credere.
L’opinione di Renato dal sito http://www.davinotti.com
Film bizzarro, difficile da catalogare. In due parole una tormentata storia d’amore sullo sfondo di una comunità hippy romana; ovviamente gli hippy sono visti “à la Mulargia”, cioè in modo mooolto pittoresco. In ogni modo il film ha un suo fascino particolare, non assomigliando a nessun’altro che abbia mai visto. Forse l’insistito ricorso alla voce off (che non dà pace per tutti i 90 minuti) contribuisce più di altri elementi a rendere la visione una specie di “esperienza mistica”… provare per credere.
L’opinione di Dusso dal sito http://www.davinotti.com
Inaccettabile pellicola di Mulargia che come lato positivo ha una bella colonna sonora e la Mayniel che corra nuda spesso sulla spiaggia ma poco credibile nel ruolo di una hippie, visto che all’epoca era già sui 36. Difficile giudicare un film quasi interamente girato in una tenda su una spiaggia con lui e lei che parlano in modo pazzesco e come se non bastasse è sempre presente una voce fuori campo a ricordarsi il passato del protagonista… Squallidi poi alcuni flashback.
L’opinione di Ronax dal sito http://www.davinotti.com
Fotoreporter tormentato dalla guerra e dai ricordi di un’educazione repressiva e hippy che convive col fantasma della madre uccisa a Auschwitz si incontrano e si amano. Date le premesse, è chiaro che finirà male. Goffo tentativo autoriale di Mulargia, non privo però di un suo fascino retrò, con gli hippies che leggono Timothy Leary, i titoli dei giornali sul Vietnam o l’invasione della Cecoslovacchia, gli incubi psichedelici dei protagonisti. La Mayniel corre su e giù per la spiaggia, nuda o avvolta da tuniche e parei deliziosamente vintage.
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De Sade 2000 (Eugenie)
Sul suo letto di morte, la giovane Eugénie Radeck detta le sue memorie allo scrittore Attila Tanner che annota scrupolosamente il tutto.
Eugenie vive con il patrigno, Albert Radeck,dopo che sua madre è morta;il rapporto tra i due è esemplare ed Eugenie adora letteralmente il patrigno.
Ma Albert Radeck ha una vita assolutamente segreta e non è affatto con gli altri la persona affettuosa che è quando si trova in compagnia di Eugenie;l’uomo scrive libri a sfondo sadico ed erotico e per creare storie sempre più avvincenti mette in pratica terribili omicidi.
Quando Eugenie scopre la cosa, invece di fuggire decide di diventare complice dell’uomo e subito dopo sua amante.
I due diventano così una coppia omicida fino al giorno in cui Albert sceglie come vita un giovane musicista,Paul.
La ragazza frequenta il giovane e alla fine se ne innamora provocando la terribile reazione di Albert che uccide Paul, ferisce mortalmente Eugenie e alla fine si uccide.
Ed è proprio una Eugenie in fin di vita a raccontare ad Attila tutta la sua storia, implorando lo scrittore affinchè la aiuti a morire.Ma non è necessario l’intervento dell’uomo, perchè Eugenie chiude gli occhi per sempre.
De Sade 2000, o anche Eugenie, titolo con il quale il film è decisamente più famoso è diretto nel 1974 da Jesus Franco,che si ispira al romanzo “Eugénie de Franval” del Marchese de Sade utilizzando come protagonista principale, nel ruolo della timida dapprima, perversa poi Eugenie l’attrice Soledad Miranda, al suo ultimo film prima dell’incidente mortale che la strappò alla vita a soli 27 anni.Musa con Lina Romay del regista spagnolo, Soledad Miranda da vita ad un personaggio sensuale ed erotico in modo impressionante, mostrando che, avesse avuto la fortuna di vivere, sarebbe diventata un’attrice di rilievo nel firmamento cinematografico.
Pellicola molto curata dal punto di vista fotografico un pochino meno da quello della sceneggiatura, Eugenie è comunque uno dei migliori prodotti di Jess Franco, che in questa pellicola bada molto ai particolari, oltre a comparire nella parte marginale di Attila.
La storia ha un suo svolgimento logico, anche se un collante maggiore tra gli omicidi non avrebbe affatto guastato nulla;tuttavia è la conturbante e maliziosa, ma al tempo stesso Soledad a calamitare l’attenzione e probabilmente senza la splendida attrice andalusiana il film non avrebbe avuto lo stesso fascino.
Eugenie segue, nella filmografia di Franco il buon Lo specchio del piacere; è il periodo migliore del regista che poco tempo dopo inizerà la sua produzione di massa incentrata principalmente su film porno.
Per quanto riguarda la reperibilità del film, su You tube è presente una splendida versione ma non in italiano; seguendo questo link https://www.youtube.com/watch?v=lXAVWnh8HYs potrete comunque godervi il film che è facilmente decifrabile se si ha qualche rudimento d’inglese
De Sade 2000 (Eugenie)
di Jesus Franco, con Soledad Miranda,Paul Müller,Greta Schmid,Andrés Monales,Jesús Franco,Alice Arno Drammatico/Thriller,Lichtenstein 1974
Soledad Miranda: Eugénie Radeck
Paul Müller: Albert Radeck
Jesús Franco: Attila Tanner
Andrés Monales: Paul
Greta Schmidt: Kitty
Alice Arno: fotomodella
Karl Heinz Mannchen: cabarettista
Regia Jesús Franco
Soggetto Marchese de Sade (Eugénie de Franval)
Sceneggiatura Jesús Franco
Produttore Karl Heinz Mannchen (Prodif Ets./Vaduz, Liechtenstein)
Fotografia Manuel Merino
Montaggio Clarissa Ambach
Musiche Bruno Nicolai
L’opinione di Giurista 81 dal sito http://www.filmtv.it
Film che viene ricordato come l’ultima pellicola interpretata dalla sensuale Soledad Miranda, prima dell’incidente stradale che le sarà fatale. Probabilmente anche per tale ragioni alcuni fan di Jess Franco reputano De Sade 2000 come uno dei suoi capolavori. Tale conclusione, a mio avviso, è un po’ affrettata pur ritenendo l’opera (per la cura nella messa in scena) tra i migliori lavori dell’artigiano spagnolo.
Il film è incentrato su un soggetto decisamente morboso e incestuoso. Abbiamo un patrigno e la sua giovane figlioccia che decidono di adescare delle vittime consenzienti per i loro giochi sadici. I due fotografano e riprendono il tutto, chiedendo pose sempre più spinte e partecipando alle stesse. Ciò che i malcapitati non sanno è che tali giochi si concluderanno con la loro morte.
Dunque un soggetto interessante e coraggioso per l’epoca, impreziosito da una fortissima componente erotica, ma non sfruttato appieno da Franco. Il film ha delle parti ultra dilatate (specie all’inizio) e trova delle soluzioni per mascherare l’identità degli assassini piuttosto macchinose e poco verosimili, pretendendo poi di far passare gli omicidi (la loro messa in scena lascia un po’ a desiderare) come assassinii perfetti. Non c’è traccia della polizia, l’unico che indaga è uno scrittore, interpretato dallo stesso Franco, che spia la coppia per sua semplice curiosità intellettuale (sembra quasi ammirarli).
Ciò di cui si sente la mancanza maggiore sono degli sviluppi centrali finalizzati a dare verve a una storia che invece procede tra un assassinio e l’altro, coinvolgendo poco lo spettatore (scene erotiche a parte).
Nonostante tutto il film si lascia guardare e ha un epilogo melodrammatico di puro gusto franchista (la giovane scopre il vero amore, ma non potrà gustarselo) che risolleva un po’ le sorti.
Bene Muller (i più lo ricorderanno nel ruolo del direttore bastardissimo nella saga Fantozzi) e la Miranda (a mio avviso più “fatale” in film quali Vampyros Lesbos, She Killed in Ecstasy o Una Venere senza nome per l’Ispettore Forrester). Comparse tutti gli altri
L’opinione di Undying dal sito http://www.davinotti.com
Scritto in sei giorni – nell’anno di (dis)grazia 1788 – Eugenie Depranval rappresenta un classico della depravazione sadiana, con disagevoli risvolti incestuosi non meno disturbanti del contenuto filosofico di De Sade (la sofferenza partorita dal piacere e/o viceversa). Franco, qui ispirato come poche altre volte, avvantaggiato da un piacente e prestante Soledad Miranda (alla quale, inevitabilmente, spetta il ruolo della castigata, in tal caso dal patrigno cui presta corpo l’adatto Paul Muller) sviluppa un film complesso e avvincente, destinato a traghettarci al di là del Bene e del Male.
L’opinione di Homesick dal sito http://www.davinotti.com
Gli omicidi – applicazione criminale delle teorie sadiane e scaturigine della passione morbosa tra figlia e patrigno – si consumano nel contrasto tra esterni plumbei e innevati ed esterni caldi ed eleganti; tale immobilismo narrativo si increspa in dirittura d’arrivo, quando un rapido sguardo alla realtà del tempo – l’incontro con il musicista cheguevariano – fa esplodere la tragedia familiare. La Miranda, scalza e in succinti abitini oppure in nudi integrali, è una vittima/carnefice che paralizza con la sua carica erotica colma d’innocenza e dolcezza, così come di malizia e perversione
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