Gli Oscar del 1997
24 marzo 1997, allo Shrine Auditorium di Los Angeles l’attore americano Billy Cristal apre la serata dedicata alla consegna degli Academy awards per i film del 1996, gli Oscar del cinema.
E’ un’annata in tono minore, perchè non c’è il film dominatore dell’anno.
I film con più nomination sono, nell’ordine, Il paziente inglese (The English Patient), regia di Anthony Minghella, al suo terzo film e che si presenta con ben 12 nomination, Fargo per la regia di Joel Coen che ha sette nomination,Shine per la regia di Scott Hicks che ha ugualmente sette nomination e infine Jerry Maguire regia di Cameron Crowe con 5 nomination.
A disputarsi l’Oscar per lil miglior film è una cinquina composta da : Il paziente inglese (The English Patient), regia di Anthony Minghella,Fargo (Fargo), regia di Joel Coen,Jerry Maguire (Jerry Maguire), regia di Cameron Crowe,Segreti e bugie (Secrets and Lies), regia di Mike Leigh e Shine (Shine), regia di Scott Hicks.
Vince Il paziente inglese e il regista Minghella (scomparso poi prematuramente a 54 anni) vince il premio per la miglior regia; alla fine il film otterrà sette statuette globali.
Grande sorpresa per l’attribuzione dell’Oscar per il miglior attore che va all’attore e produttore cinematografico australiano Geoffrey Rush interprete del film Shine, che batte il grande favorito Ralph Fiennes, interprete di Il paziente inglese.
La statuetta come miglior attrice protagonista, ed anche questa è una sorpresa,va a Frances McDormand interprete di fargo che batte la super favorita Diane Keaton mentre l’unico Oscar per un interprete del film Il paziente inglese va a Juliette Binoche, miglior attrice non protagonista.Cuba Gooding Jr. con Jerry Maguire vince l’Oscar come miglior attore non protagonista.
I film Evita e Jerry Maguire portano a casa solo una statuetta su 5 nomination, mentre tra i film premiati ci sono Indipendence day di Roland Emmerich Oscar per gli effetti speciali e Spiriti nelle tenebre Oscar per il miglior sonoro.
Segreti e bugie di Mike Leigh non vince nulla nonostante le 5 nomination.
Miglior film
Il paziente inglese (The English Patient), regia di Anthony Minghella
Fargo (Fargo), regia di Joel Coen
Jerry Maguire (Jerry Maguire), regia di Cameron Crowe
Segreti e bugie (Secrets and Lies), regia di Mike Leigh
Shine (Shine), regia di Scott Hicks
Miglior regia
Anthony Minghella – Il paziente inglese (The English Patient)
Joel Coen – Fargo (Fargo)
Miloš Forman – Larry Flynt – Oltre lo scandalo (The People vs. Larry Flynt)
Mike Leigh – Segreti e bugie (Secrets and Lies)
Scott Hicks – Shine (Shine)
Miglior attore protagonista
Geoffrey Rush – Shine (Shine)
Ralph Fiennes – Il paziente inglese (The English Patient)
Tom Cruise – Jerry Maguire (Jerry Maguire)
Woody Harrelson – Larry Flynt – Oltre lo scandalo (The People vs. Larry Flynt)
Billy Bob Thornton – Lama tagliente (Sling Blade)
Migliore attrice protagonista
Frances McDormand – Fargo (Fargo)
Emily Watson – Le onde del destino (Breaking the Waves)
Kristin Scott Thomas – Il paziente inglese (The English Patient)
Diane Keaton – La stanza di Marvin (Marvin’s Room)
Brenda Blethyn – Segreti e bugie (Secrets and Lies)
Miglior attore non protagonista
Cuba Gooding Jr. – Jerry Maguire (Jerry Maguire)
William H. Macy – Fargo (Fargo)
James Woods – L’agguato – Ghosts from the Past (Ghosts of Mississippi)
Edward Norton – Schegge di paura (Primal Fear)
Armin Mueller-Stahl – Shine (Shine)
Migliore attrice non protagonista
Juliette Binoche – Il paziente inglese (The English Patient)
Joan Allen – La seduzione del male (The Crucible)
Lauren Bacall – L’amore ha due facce (The Mirror Has Two Faces)
Barbara Hershey – Ritratto di signora (The Portrait of a Lady)
Marianne Jean-Baptiste – Segreti e bugie (Secrets and Lies)
Miglior sceneggiatura originale
Joel Coen e Ethan Coen – Fargo (Fargo)
Cameron Crowe – Jerry Maguire (Jerry Maguire)
John Sayles – Stella solitaria (Lone Star)
Mike Leigh – Segreti e bugie (Secrets and Lies)
Jan Sardi e Scott Hicks – Shine (Shine)
Miglior sceneggiatura non originale
Billy Bob Thornton – Lama tagliente (Sling Blade)
Arthur Miller – La seduzione del male (The Crucible)
Anthony Minghella – Il paziente inglese (The English Patient)
Kenneth Branagh – Hamlet (Hamlet)
John Hodge – Trainspotting (Trainspotting)
Miglior film straniero
Kolya (Kolya), regia di Jan Sverák (Repubblica Ceca)
Il prigioniero del Caucaso (Kavkazskiy plennik), regia di Sergej Vladimirovič Bodrov (Russia)
Ridicule (Ridicule), regia di Patrice Leconte (Francia)
A Chief in Love (Shekvarebuli kulinaris ataserti retsepti), regia di Nana Dzhordzhadze (Georgia)
Gli angeli della domenica (Søndagsengler), regia di Berit Nesheim (Norvegia)
Miglior fotografia
John Seale – Il paziente inglese (The English Patient)
Darius Khondji – Evita (Evita)
Roger Deakins – Fargo (Fargo)
Caleb Deschanel – L’incredibile volo (Fly Away Home)
Chris Menges – Michael Collins (Michael Collins)
Miglior montaggio
Walter Murch – Il paziente inglese (The English Patient)
Gerry Hambling – Evita (Evita)
Roderick Jaynes – Fargo (Fargo)
Joe Hutshing – Jerry Maguire (Jerry Maguire)
Pip Karmel – Shine (Shine)
Miglior scenografia
Stuart Craig e Stephenie McMillan – Il paziente inglese (The English Patient)
Bo Welch e Cheryl Carasik – Piume di struzzo (The Birdcage)
Brian Morris e Philippe Turlure – Evita (Evita)
Tim Harvey – Hamlet (Hamlet)
Catherine Martin e Brigitte Broch – Romeo + Giulietta di William Shakespeare
Migliori costumi
Ann Roth – Il paziente inglese (The English Patient)
Paul Brown – Angeli e insetti (Angels & Insects)
Ruth Myers – Emma (Emma)
Alexandra Byrne – Hamlet (Hamlet)
Janet Patterson – Ritratto di signora (The Portrait of a Lady)
Miglior trucco
Rick Baker e David LeRoy Anderson – Il professore matto (The Nutty Professor)
Matthew W. Mungle e Deborah La Mia Denaver – L’agguato – Ghosts from the Past (Ghosts of Mississippi)
Michael Westmore, Scott Wheeler e Jake Garber – Star Trek: Primo contatto (Star Trek: First Contact)
Migliori effetti speciali
Volker Engel, Douglas Smith, Clay Pinney e Joe Viskocil – Independence Day
Scott Squires, Phil Tippett, James Straus e Kit West – Dragonheart
Stefen Fangmeier, John Frazier, Habib Zargarpour e Henry LaBounta – Twister
Migliore colonna sonora
Drammatica
Gabriel Yared – Il paziente inglese (The English Patient)
Patrick Doyle – Hamlet (Hamlet)
Elliot Goldenthal – Michael Collins (Michael Collins)
David Hirschfelder – Shine (Shine)
John Williams – Sleepers (Sleepers)
Musical o Commedia
Rachel Portman – Emma (Emma)
Marc Shaiman – Il club delle prime mogli (The First Wives Club)
Alan Menken e Stephen Schwartz – Il gobbo di Notre Dame (The Hunchback of Notre Dame)
Randy Newman – James e la pesca gigante (James and the Giant Peach)
Hans Zimmer – Uno sguardo dal cielo (The Preacher’s Wife)
Miglior canzone
You Must Love Me, musica di Andrew Lloyd Webber e testo di Tim Rice – Evita
I’ve Finally Found Someone, musica e testo di Barbra Streisand, Marvin Hamlisch, Robert John Lange e Bryan Adams – L’amore ha due facce (The Mirror Has Two Faces)
For the First Time, musica e testo di James Newton Howard, Jud Friedman e Allan Dennis Rich – Un giorno per caso
That Thing You Do!, musica testo Adam Schlesinger – Music Graffiti (That Thing You Do!)
Because You Loved Me, musica testo Diane Warren – Qualcosa di personale (Up Close & Personal)
Miglior sonoro
Walter Murch, Mark Berger, David Parker e Chris Newman – Il paziente inglese
Andy Nelson, Anna Behlmer e Ken Weston – Evita (Evita)
Chris Carpenter, Bill W. Benton, Bob Beemer e Jeff Wexler – Independence Day (Independence Day)
Kevin O’Connell, Greg P. Russell e Keith A. Wester – The Rock (The Rock)
Steve Maslow, Gregg Landaker, Kevin O’Connell e Geoffrey Patterson – Twister (Twister)
Miglior montaggio sonoro
Bruce Stambler – Spiriti nelle tenebre (The Ghost and the Darkness)
Richard L. Anderson e David A. Whittaker – Daylight – Trappola nel tunnel (Daylight)
Alan Robert Murray e Bub Asman – L’eliminatore (Eraser)
Miglior documentario
Quando eravamo re (When We Were Kings), regia di Leon Gast
The Line King: The Al Hirschfeld Story (The Line King: The Al Hirschfeld Story), regia di Susan Warms Dryfoos
Mandela (Mandela), regia di Angus Gibson e Jo Menell
Suzanne Farrell: Elusive Muse (Suzanne Farrell: Elusive Muse), regia di Anne Belle e Deborah Dickson
Tell the Truth and Run: George Seldes and the American Press regia di Rick Goldsmith
Miglior cortometraggio
Dear Diary (Dear Diary), regia di David Frankel
De tripas, corazón (De tripas, corazón), regia di Antonio Urrutia
Ernst & lyset (Ernst & lyset), regia di Anders Thomas Jensen e Tomas Villum Jensen
Esposados (Esposados), regia di Juan Carlos Fresnadillo
Senza parole (Senza parole), regia di Antonello De Leo
Miglior cortometraggio d’animazione
Quest (Quest), regia di Tyron Montgomery
Canhead (Canhead), regia di Timothy Hittle
La Salla (La Salla), regia di Richard Condie
Wat’s Pig (Wat’s Pig), regia di Peter Lord
Premio alla carriera
Michael Kidd
Premio alla memoria Irving G. Thalberg
Saul Zaentz
Anthony Minghella, due Oscar come miglior film e miglior regia
Geoffrey Rush Oscar come miglior attore protagonista
Cuba Gooding Jr, Oscar come miglior attore non protagonista
Due foto di Frances Mac Dormand, Oscar come miglior attrice protagonista
Juliette Binoche, Oscar come miglior attrice non protagonista
Billy Cristal presenta la serata
Susan Sarandon, una presentatrice della serata
Nicolas Cage
Le nomination per l’Oscar al miglior attore
Le nomination per l’Oscar alla miglior attrice protagonista
Gli Oscar del 1994
E’ ancora una volta il Dorothy Chandler Pavilion di Los Angeles ad accogliere la serata d’onore per la premiazione con gli Academy Awards, gli Oscar cinematografici, il mondo del cinema.
E’ la sera del 21 marzo 1994, l’edizione è quella numero 66 e a condurre la serata è l’attrice americana Whoopi Goldberg.
Sono quattro i film che hanno raccolto il maggior numero di nomination: Schindler’s List regia di Steven Spielberg, Lezioni di piano regia di Jane Campion,Jurassic Park regia di Steven Spielberg e infine Philadelphia diretto da Jonathan Demme.
Mentre Lezioni di piano e Schindler list concorrono per il premio alla miglior regia, Jurassic Park e Philadelphia corrono per altri premi.
Alla fine proprio l’altro film di Spielberg, quel Jurassic Park in nomination per tre statuette, fa l’en plein vincendo i premi per il Miglior sonoro assegnato a Ron Judkins, Gary Summers, Gary Rydstrom e Shawn Murphy,per il Miglior montaggio sonoro a Gary Rydstrom e Richard Hymns e infine per i Migliori effetti speciali a Dennis Muren, Stan Winston, Phil Tippett e Michael Lantieri.
Schindler’s list è comunque il grande trionfatore della serata con 7 Oscar vinti su 12 nomination; a sorpresa però sfugge al film di Spielberg la statuetta per il miglior attore protagonista.
A Liam Neason, interprete del personaggio di Oskar Schindler la giuria preferisce un intenso Tom Hanks interprete di Phliadelphia, che vincerà un secondo Oscar con Streets of Philadelphia, musica e testo di Bruce Springsteen.
Schindler’s List va vicino al record assoluto di nomination;la mancanza di un’attrice protagonista e il ruolo minore che hanno le donne nel film impedisce uno storico record; è Holly Hunter a vincere la statuetta come migliore attrice, per la sua performance nell’intenso film della Champion Lezioni di piano.L’attrice statunitense ebbe anche una nomination come miglior attrice non protagonista per il film Il socio, ma la giuria a sorpresa scelse Anna Paquin, la undicenne attrice canadese naturalizzata neozelandese che diventò così la seconda attrice di sempre a vincere un Oscar in tenera età dietro Tatum O’Neal che aveva vinto l’Oscar a 10 anni per Paper Moon – Luna di carta.
Jane Campion, la regista di Lezioni di piano film con il quale aveva avuto 8 candidature porta a casa la statuetta per la miglior sceneggiatura originale, completando il tris di premi tutti al femminile mentre ancora una volta è Schindler list a vincere nella categoria miglior sceneggiatura non originale. Tra gli uomini è Tommy Lee Jones con Il fuggitivo a vincere la statuetta per la miglior interpretazione da attore non protagonista.
A Deborah Kerr viene assegnata la statuetta alla carriera: dopo ben 6 nomination senza vittorie Hollywood rende così omaggio alla bella ed elegante attrice scozzese.
Tra le curiosità della serata, troviamo quella di Steve Spielberg che razzia 10 Oscar grazie ai sette vinti con Schindler list e ai tre con Jurassic park.
Il regista di Cincinnati è al primo dei suoi quattro Oscar, due come regista (Schindler’s list e Salvate il soldato Ryan), uno come miglior film a cui va aggiunto l’ Oscar alla memoria Irving G. Thalberg 1987 con un palmares personale di ben 15 nomination.
Se c’è uno sconfitto della serata va trovato in Quel che resta del giorno film del 1993 diretto da James Ivory, tratto dal romanzo omonimo di Kazuo Ishiguro che riceve ben 8 nomination ma nessuna statuetta mentre curioso il caso di Cliffhanger, film diretto da Renny Harlin e Alan Marshall che riceve dapprima una nomination ai Razzie awards come peggior film e una nomination agli Oscar.
Miglior film
Schindler’s List (Schindler’s List), regia di Steven Spielberg
Il fuggitivo (The Fugitive), regia di Andrew Davis
Nel nome del padre (In the Name of the Father), regia di Jim Sheridan
Lezioni di piano (The Piano), regia di Jane Campion
Quel che resta del giorno (The Remains of the Day), regia di James Ivory
Miglior regia
Steven Spielberg – Schindler’s List (Schindler’s List)
Robert Altman – America oggi (Short Cuts)
Jane Campion – Lezioni di piano (The Piano)
James Ivory – Quel che resta del giorno (The Remains of the Day)
Jim Sheridan – Nel nome del padre (In the Name of the Father)
Miglior attore protagonista
Tom Hanks – Philadelphia (Philadelphia)
Daniel Day-Lewis – Nel nome del padre (In the Name of the Father)
Laurence Fishburne – Tina – What’s Love Got to Do with It (What’s Love Got to Do with It)
Anthony Hopkins – Quel che resta del giorno (The Remains of the Day)
Liam Neeson – Schindler’s List (Schindler’s List)
Migliore attrice protagonista
Holly Hunter – Lezioni di piano (The Piano)
Angela Bassett – Tina – What’s Love Got to Do with It (What’s Love Got to Do with It)
Stockard Channing – 6 gradi di separazione (Six Degrees of Separation)
Emma Thompson – Quel che resta del giorno (The Remains of the Day)
Debra Winger – Viaggio in Inghilterra (Shadowlands)
Miglior attore non protagonista
Tommy Lee Jones – Il fuggitivo (The Fugitive)
Leonardo DiCaprio – Buon compleanno Mr. Grape (What’s Eating Gilbert Grape)
Ralph Fiennes – Schindler’s List (Schindler’s List)
John Malkovich – Nel centro del mirino (In the Line of Fire)
Pete Postlethwaite – Nel nome del padre (In the Name of the Father)
Migliore attrice non protagonista
Anna Paquin – Lezioni di piano (The Piano)
Holly Hunter – Il socio (The Firm)
Rosie Perez – Fearless – Senza paura (Fearless)
Winona Ryder – L’età dell’innocenza (The Age of Innocence)
Emma Thompson – Nel nome del padre (In the Name of the Father)
Miglior sceneggiatura originale
Jane Campion – Lezioni di piano (The Piano)
Nora Ephron, David S. Ward e Jeff Arch – Insonnia d’amore (Sleepless in Seattle)
Jeff Maguire – Nel centro del mirino (In the Line of Fire)
Ron Nyswaner – Philadelphia (Philadelphia)
Gary Ross – Dave – Presidente per un giorno (Dave)
Miglior sceneggiatura non originale
Steven Zaillian – Schindler’s List (Schindler’s List)
Jay Cocks e Martin Scorsese – L’età dell’innocenza (The Age of Innocence)
Terry George e Jim Sheridan – Nel nome del padre (In the Name of the Father)
Ruth Prawer Jhabvala – Quel che resta del giorno (The Remains of the Day)
William Nicholson – Viaggio in Inghilterra (Shadowlands)
Miglior film straniero
Belle époque (Belle époque), regia di Fernando Trueba (Spagna)
Addio mia concubina (Ba wang bie ji), regia di Kaige Chen (Hong Kong)
Hedd Wyn (Hedd Wyn), regia di Paul Turner (Gran Bretagna)
Il banchetto di nozze (Hsi yen), regia di Ang Lee (Taiwan)
Il profumo della papaya verde (Mui du du xanh), regia di Anh Hung Tran (Vietnam)
Miglior fotografia
Janusz Kaminski – Schindler’s List (Schindler’s List)
Gu Changwei – Addio mia concubina (Ba wang bie ji)
Michael Chapman – Il fuggitivo (The Fugitive)
Stuart Dryburgh – Lezioni di piano (The Piano)
Conrad L. Hall – Sotto scacco (Searching for Bobby Fischer)
Miglior montaggio
Michael Kahn – Schindler’s List (Schindler’s List)
Anne V. Coates – Nel centro del mirino (In the Line of Fire)
Gerry Hambling – Nel nome del padre (In the Name of the Father)
Veronika Jenet – Lezioni di piano (The Piano)
Dennis Virkler, David Finfer, Dean Goodhill, Don Brochu, Richard Nord e Dov Hoenig – Il fuggitivo (The Fugitive)
Miglior scenografia
Allan Starski e Ewa Braun – Schindler’s List (Schindler’s List)
Ken Adam e Marvin March – La famiglia Addams 2 (Addams Family Values)
Luciana Arrighi e lan Whittaker – Quel che resta del giorno (The Remains of the Day)
Dante Ferretti e Robert J. Franco – L’età dell’innocenza (The Age of Innocence)
Ben Van Os e Jan Roelfs – Orlando (Orlando)
Migliori costumi
Gabriella Pescucci – L’età dell’innocenza (The Age of Innocence)
Jenny Beavan e John Bright – Quel che resta del giorno (The Remains of the Day)
Anna Biedrzycka-Sheppard – Schindler’s List (Schindler’s List)
Janet Patterson – Lezioni di piano (The Piano)
Sandy Powell – Orlando (Orlando)
Miglior trucco
Greg Cannom, Ve Neill e Yolanda Toussieng – Mrs. Doubtfire (Mrs. Doubtfire)
Carl Fullerton e Alan D’Angerio – Philadelphia (Philadelphia)
Christina Smith, Matthew Mungle e Judy Alexander Cory – Schindler’s List (Schindler’s List)
Migliori effetti speciali
Dennis Muren, Stan Winston, Phil Tippett e Michael Lantieri – Jurassic Park (Jurassic Park)
Pete Kozachik, Eric Leighton, Ariel Velasco Shaw e Gordon Baker – Nightmare Before Christmas (The Nightmare Before Christmas)
Neil Krepela, John Richardson, John Bruno e Pamela Easley – Cliffhanger – L’ultima sfida (Cliffhanger)
Migliore colonna sonora
John Williams – Schindler’s List (Schindler’s List)
Elmer Bernstein – L’età dell’innocenza (The Age of Innocence)
Dave Grusin – Il socio (The Firm)
James Newton Howard – Il fuggitivo (The Fugitive)
Richard Robbins – Quel che resta del giorno (The Remains of the Day)
Miglior canzone
Streets of Philadelphia, musica e testo di Bruce Springsteen – Philadelphia (Philadelphia)
Again, musica e testo di Janet Jackson, James Harris III e Terry Lewis – Poetic Justice (Poetic Justice)
The Day I Fall in Love, musica e testo di Carole Bayer Sager, James Ingram, Dolly Parton e Clif Magness – Beethoven 2 (Beethoven’s 2nd)
Philadelphia, musica e testo di Neil Young – Philadelphia (Philadelphia)
A Wink and a Smile, musica di Marc Shaiman e testo di Ramsey McLean – Insonnia d’amore (Sleepless in Seattle)
Miglior sonoro
Gary Summers, Gary Rydstrom, Shawn Murphy e Ron Judkins – Jurassic Park (Jurassic Park)
Chris Carpenter, D. M. Hemphill, Bill W. Benton e Lee Orloff – Geronimo (Geronimo: An American Legend)
Michael Minkler, Bob Beemer e Tim Cooney – Cliffhanger – L’ultima sfida (Cliffhanger)
Donald O. Mitchell, Michael Herbick, Frank A. Montaño e Scott D. Smith – Il fuggitivo (The Fugitive)
Andy Nelson, Steve Pederson, Scott Millan e Ron Judkins – Schindler’s List (Schindler’s List)
Miglior montaggio sonoro
Gary Rydstrom e Richard Hymns – Jurassic Park (Jurassic Park)
John Leveque e Bruce Stambler – Il fuggitivo (The Fugitive)
Wylie Stateman e Gregg Baxter – Cliffhanger – L’ultima sfida (Cliffhanger)
Miglior documentario
I Am a Promise: The Children of Stanton Elementary School
The Broadcast Tapes of Dr. Peter (The Broadcast Tapes of Dr. Peter)
Children of Fate: Life and Death in a Sicilian Family (Children of Fate: Life and Death in a Sicilian Family), regia di Michael Roemer, Susan Todd, Andrew Young e Robert M. Young
For Better or for Worse
The War Room (The War Room), regia di Chris Hegedus e D. A. Pennebaker
Miglior cortometraggio
Schwarzfahrer (Schwarzfahrer), regia di Pepe Danquart
Down on the Waterfront (Down on the Waterfront), regia di Stacy Title
The Dutch Master (The Dutch Master), regia di Susan Seidelman
Partners (Partners), regia di Peter Weller
La Vis (La Vis), regia di Didier Flamand
Miglior cortometraggio documentario
Defending Our Lives , regia di Margaret Lazarus e Renner Wunderlich
Blood Ties: The Life and Work of Sally Mann (Blood Ties: The Life and Work of Sally Mann), regia di Steven Cantor e Peter Spirer
Chicks in White Satin (Chicks in White Satin), regia di Elaine Holliman
Miglior cortometraggio d’animazione
I pantaloni sbagliati (The Wrong Trousers), regia di Nick Park
Blindscape (Blindscape), regia di Stephen Palmer
Le fleuve aux grandes eaux (Le fleuve aux grandes eaux), regia di Frédéric Back
Small Talk (Small Talk)
Il villaggio (The Village), regia di Mark Baker
Premio alla carriera
A Deborah Kerr
Premio umanitario Jean Hersholt
A Paul Newman
I due Oscar di Steven Spielberg: Miglior film,Miglior regia
Ancora Steven Spielberg
Tom Hanks, Oscar come miglior attore protagonista
Tom Hanks con Holly Hunter
Holly Hunter Oscar come miglior attrice protagonista
La giovanissima Anna Paquin, Oscar come miglior attrice non protagonista
I tre Oscar di Lezioni di piano: Holly Hunter,Anna Paquin,Jane Champion
Le nomination per gli Oscar come miglior attore protagonista
Le nomination agli Oscar per il miglior attore non protagonista
Le nomination per gli Oscar come miglior attrice protagonista
Nomination agli Oscar come miglior attrice non protagonista
Le nomination per l’Oscar alla regia
Quella strana ragazza che abita in fondo al viale
Una casa solitaria a poca distanza dal mare, una ragazza che accende delle candeline su una torta;l’atmosfera è sospesa, malinconica.
La ragazza non sembra in attesa di qualcuno, perchè si accende una sigaretta, nonostante la giovanissima età.
Lei è Rynn Jason, ha tredici anni.
E’ stata cresciuta da suo padre nel timore degli estranei e la ragazza ha sviluppato la tendenza all’isolamento.
Perchè Rynn è sola in quella casa un po lugubre e troppo grande per lei?
E’ accaduto che il padre di Rynn, Lester, poeta in crisi esistenziale, ha affittato quella casa nel Maine per isolarsi dalla gente; ha lasciato un conto intestato a sua figlia con un po di denaro e si è allontanato verso una crociera solitaria, probabilmente suicida.
Così Rynn ha scelto coscientemente di vivere da sola, gelosa di quella inaspettata indipendenza che difende costruendo attorno a se una cortina impenetrabile; lei racconta che il padre c’è, impegnato in composizioni letterarie e quindi obbligato in qualche modo all’isolamento.
Tuttavia attorno alla casa in cui vive Rynn c’è una piccola comunità, anche impicciona.
E’ il caso della signora Hallet, una donna ambigua che vive con suo figlio Frank, un viscido pedofilo che non mancherà di insidiare la giovanissima Rynn (lo vediamo all’azione da subito, durante la personalissima festa di compleanno di Rynn), oppure del poliziotto Miglioriti, che gravita attorno alla ragazza o di suo nipote Mario.
Che diventa l’unico amico di Rynn, l’unico anche ad essere ammesso alla vita segreta dell’adolescente, con il quale condividerà tutti gli accadimenti che avverranno nella casa.
Accade infatti che la vicina impicciona, la signora Hallet, indaghi un po troppo sulla ragazza, finendo per morire in una fatale caduta nella botola che porta nella cantina della casa,uccisa dal caso ma anche dalla sua insana curiosità.
Stessa sorte accadrà alla madre di Rynn:ormai Rynn deve difendere ad ogni costo il suo segreto e chiede aiuto all’unico amico che ha, Mario.
Che l’aiuta.
I due adesso sono anche amanti, ma Mario si ammala ed ecco che ricompare Frank, che questa volta vuole davvero andare fino in fondo, far sua quella strana ed enigmatica ragazza.
Ma Rynn, anche se ha solo tredici anni, riesce con un colpo di genio a …
Quella strana ragazza che abita in fondo al viale è la riduzione cinematografica di un romanzo pubblicato da Laird Koenig e portato sullo schermo da Nicolas Gessner; siamo nel 1976 e il romanzo è stato editato nel 1974 e lo stesso autore del romanzo scrive la sceneggiatura del film.
Il che permette a Gessner di rispettare in maniera puntuale lo spirito del romanzo, con un’ambientazione assolutamente claustrofobica e minacciosa, densa di atmosfera che sono in qualche modo le caratteristiche peculiari del film.
Un film in cui predomina un senso di oppressione, dovuto principalmente all’assoluta impermeabilità del personaggio di Rynn, una tredicenne anomala che se nel fisico mostra tutti i suoi anni in realtà ha sviluppato una personalità complessa.
La ragazza appare infatti asociale, gelosa in maniera ossessiva di quell’indipendenza che casualmente le si è costruita attorno.
La scomparsa del padre l’ha lasciata sola, ma lei sembra non curarsene e ne approfitta come un bimbo che, lasciato da solo in una stanza con anti giochi, finisce per dimenticarsi di quello che accade intorno, tutto preso dalla scoperta di un nuovo mondo.
Nicolas Gessner, regista americano qui al suo sesto film per il grande schermo, dirige con taglio sicuro e preciso una storia per immagini nella quale è predominante l’ambientazione mistery con tocchi sia di giallo che di horror puro.
In realtà nel film tutto appare suggerito, più che esplicitato:la morte casuale della signora Hallet, quella della madre o il finale a sorpresa sono lasciati volutamente nel vago, senza spargimento di sangue o concessioni allo splatter.
Tutto resta indistinto come la personalità ambigua di Rynn, che è poi in perfetta linea con quella degli altri protagonisti della storia.
Sono tutti personaggi bivalenti, dalla morale sfuggente e dal vissuto personale evanescente:la signora Hallett per esempio difende un figlio pervertito come se fosse un’innocente creatura, il figlio stesso,Frank, è una viscida figura che si muove ossessivamente attorno a Rynn, in attesa del momento giusto per sfogare i propri insani istinti.
Non appaiono migliori ne la mamma di Rynn ne il poliziotto Miglioriti, un uomo che nel privato non esita a frequentare prostitute e a fumare droghe, così come alla fine anche il personaggio più equilibrato del film, Mario, non esita a coprire le gesta di Rynn.
Lo fa per amore, certo, ma si rende complice in qualche modo sia del passato della ragazza sia del futuro della stessa, quando arriverà la resa dei conti con Frank mentre lui è immobilizzato in un letto d’ospedale.
In questo quadro moralmente discutibile si muove la figura di Rynn, una ragazza che è cresciuta in fretta, forse anche a causa dell’eccessiva libertà lasciatale dal padre; come un animale tenuto in un recinto e lasciato improvvisamente libero, Rynn si muove seguendo il proprio istinto ma priva anche però di un senso morale e sociale che le permettano di distinguere il bene dal male.
Così la ragazza si sbarazzerà degli ostacoli senza mostrare nessun segno di pentimento, ansiosa solo di affermare la propria indipendenza, riconoscendo al solo Mario il diritto di interferire parzialmente nella propria vita.
Rigoroso e asciutto, Quella strana ragazza che abita in fondo al viale è un film dal fascino sottilmente perverso; non appartiene ad alcun genere predefinito eppure conserva elementi di vari generi alchemicamente dosati e resi visivamente con molta bravura.
Merito anche di una straordinaria Jodie Foster, che regge praticamente da sola la scena perchè è attorno a lei che la storia ruota.
E l’attrice statunitense offre ancora una volta prova di uno straordinario talento, nonostante la giovanissima età; va ricordato, per la cronaca, che la Foster rifiutò giustamente di apparire nuda nel film nella scena in cui va a letto con Mario.In quella sequenza Jodie è sostituita da una controfigura.
Bravo anche Martin Sheen che interpreta Frank Hallet, il viscido pedofilo, con asciutta teatralità così come nessun appunto è da muovere al resto del cast.
Il film è molto raro, nonostante sia stato uno dei più importanti della stagione 1976; sono riuscito a reperire solo una versione in lingua originale, peraltro molto bella che è disponibile su You tube all’indirizzo http://www.youtube.com/watch?v=VY0AxyTXb8Y
La visione in lingua madre è tuttavia molto ostica.
Quella strana ragazza che abita in fondo al viale
Un film di Nicolas Gessner. Con Jodie Foster, Martin Sheen, Alexis Smith, Scott Jacoby, Morth Shuman Titolo originale The Little Girl Who Lives Down the Lane. Drammatico, durata 94′ min. – Canada, Francia 1976
Jodie Foster: Rynn Jacobs
Martin Sheen: Frank Hallet
Alexis Smith: Cora Hallet
Mort Shuman: Ron Miglioriti
Scott Jacoby: Mario Podesta
Dorothy Davis: Impiegata del municipio
Clesson Goodhue: Direttore della banca
Hubert Noël: Impiegato della banca
Jacques Famery: Impiegato della banca
Regia Nicolas Gessner
Soggetto Laird Koenig (racconto)
Sceneggiatura Laird Koenig
Produttore Zev Braung
Fotografia René Verzier
Montaggio Yves Langlois
Musiche Christian Gaubert
Emanuela Rossi: Rynn Jacobs
Massimo Turci: Frank Hallet
Dhia Cristiani: Mrs. Cora Hallet
Gianni Marzocchi: Ron Miglioriti
Loris Loddi: Mario Podesta
L’opinione di Tom Joad dal sito http://www.mymovies.it
Bella e struggente storia autunnale, cielo grigio sù, foglie gialle giù ….. Al di là di quest’evocazione un po’ scherzosa, il film è denso di un’atmosfera particolarmente inquietante e nello stesso tempo suggestiva, con quell’ambientazione, spesso ricorrente nel cinema americano, in una tranquilla e anonima località di provincia, del Maine stavolta, con le sue linde villette bianche di legno monofamigliari immerse nel verde (in questo caso forse più che altro nel marrone e nel rosso che colorano l’autunno), che dietro il loro aspetto così grazioso e ameno non poche volte nascondono chissà quali orribili segreti. L’ho sempre trovato uno dei film più affascinanti che io conosca, soprattutto mi colpisce per la sua atipicità e direi quasi la sua unicità, sia relativamente alla storia che racconta, come pure in relazione alle situazioni che mostra, sia per la sua sapiente, magistrale sceneggiatura, senza infine dimenticare naturalmente la bravura di tutti gli attori impegnati a interpretare questa strana vicenda. Per me è anche una storia in parte commovente, quando penso al rapporto di affettuosa complicità e solidarietà fra i due protagonisti adolescenti e comunque appartiene al decennio ai miei occhi più bello e mitico della storia del cinema e della musica e per questo ho sempre considerato una mia fortuna personale aver potuto vivere la stagione più emozionante ed “eroica” della mia vita proprio durante i favolosi anni ’70 del secolo scorso!
L’opinione di Oskarsson88 dal sito http://www.filmscoop.it
Piccola perla quest’opera di Gessner, che racconta la storia di una giovanissima ma già alquanto matura e sveglia ragazzina, alle prese con situazioni non semplici da gestire. E’ un misto tra drammatico e thriller, con momenti malinconici e tristi, altri in cui la tensione è ad un buon livello. La Foster (Riff), nonostante sia piuttosto sveglia, non risulta un personaggio forzato, non si va troppo oltre, e infatti ogni tanto mostra qualche ingenuità più che plausibile per l’età. Il pedofilo è ben riuscito e risulta sgradevole, e anche gli altri personaggi sono credibili. Bel modo di rappresentare la solitudine e le difficoltà…
L’opinione di Homesick dal sito http://www.davinotti.com
Dal complesso di Elettra e dalle pericolose inquietudini di un’adolescente sola in un mondo di adulti oppressivi si sviluppa un thriller che applica con eleganza gli strumenti della tensione filmica: la claustrofobia dell’unità di luogo, dialoghi aggressivi, silenzi, attese, rimandi, lente panoramiche su stanze vuote, musiche vigili. Come in Taxi driver, l’appena quattordicenne Foster possiede la sicurezza di sé di una grande diva; Sheen ritrae un subdolo e schifosissimo pedofilo, per il quale ci si augurerebbe la medesima fine da lui riservata al povero criceto. Cianurico.
L’opinione di Undjing dal sito http://www.davinotti.com
Questo dramma psicologico testimonia come Jodie Foster sia attrice alla quale la natura ha fatto dono prezioso, per quel che riguarda la recitazione. Alla tenera età di 14 anni (è nata nel 1962) riesce a rendere credibile l’esperienza drammatica di Rynn, una giovane fanciulla abbandonata dal padre. La sicurezza economica, garantitale dal genitore, è inversamente proporzionale alla ricchezza di spirito, motivo per cui la triste bambina si sbarazza (in maniera non teatrale) di coloro i quali tentano di prendersene cura.
L’opinione di B.Legnani dal sito http://www.davinotti.com
Un concerto per piano di Chopin accompagna questo dolce, intimo film, adolescentemente drammatico, che non fa pesare la sua sostanziale staticità, inserendo spunti garbati, talora pure divertenti, ma senza mai rovinare il filo conduttore principale, fino al finale, col gioco delle tazzine, che chiude, con l’ennesimo inganno (e auto-inganno), la sequenza delle cose che paiono ma non sono (non è, però, un film alla Umberto Lenzi…). E la Foster, rimirata anche prima, va guardata specialmente in quelle ultime decine di secondi, ascoltando Chopin.
“Questo tè sa di mandorle”.
Rynn sentì lo spigolo ruvido del dente scheggiato mentre masticava uno dei biscotti.
“Credo che siano queste pastine alle mandorle”.
Hallet svuotò la tazza e la posò sul tavolino.
“Dovresti vedere come il fuoco ti illumina i capelli. Sono tutti fulvi e dorati”.
Al di sopra della tazza di tè, ella vide l’uomo protendersi verso di lei.
“Che bei capelli…”
La mano di Hallet si sporse, nella luce del fuoco, verso la ragazzetta e le accarezzò i capelli. Rynn rimase del tutto immobile.
Shirley Valentine – La mia seconda vita
Liverpool, Inghilterra.
Shirley Valentine Bradshaw, quarantaduenne sposata con Joe e con due figli consuma le sue giornate in un monotono andirivieni tra le faccende domestiche e l’amica del cuore Jane.
Una vita piatta, quella di Shirley, in cui tutto quello che fa non è apprezzato da nessuno:la donna non è nemmeno ascoltata in famiglia e spesso si ritrova a fare dei desolanti monologhi con se stessa.
Quando Jane vince un viaggio per due in Grecia, nella stupenda isola di Mykonos, Shirley chiede all’amica di poterla accompagnare nel viaggio.
Le due donne arrivano così in Grecia, ma a sorpresa Shirley lascia da sola l’amica per conoscere ed esplorare l’isola.
E’ il primo momento in cui la donna, finalmente sola, si libera dalle responsabilità della famiglia e dagli obblighi monotoni della routine quotidiana;
Shirley apprezza sia la selvaggia bellezza dell’isola sia il comportamento riservato e rispettoso della gente che la abita e non esita a litigare con una coppia inglese che ne denigra invece la spontaneità.
Shirley conosce Costas, un affascinante proprietario di un ristorante con il quale, dopo un giro in barca galeotto, intreccia una fugace storia d’amore.
Arriva il momento della ripartenza, ma la donna decide di restare sull’isola; si reca quindi da Costas per chiedergli un lavoro, ma trova l’uomo già alle prese con la nuova vittima da adescare.
Per Shirley la cosa non ha alcuna importanza mentre Costas, spaventato da quella che all’inizio crede sia una richiesta di relazione, si defila con evidente imbarazzo.
Ora Shirley è finalmente libera, ha trovato una nuova dimensione di se stessa e decide di non rispondere ai numerosi tentativi della famiglia di riportarla indietro.
E’ proprio da Mykonos che ripartirà la sua nuova vita e …
Shirley Valentine- La mia seconda vita è una deliziosa commedia a metà strada tra il romantico e l’introspettivo diretta da Lewis Gilbert, che riprende un soggetto teatrale di Willy Russell, di largo successo in Inghilterra.
Il regista londinese, conosciuto dal grande pubblico per aver diretto tre film della serie Agente 007 (Agente 007 – Si vive solo due volte,La spia che mi amava e Moonraker – Operazione spazio) riduce per lo schermo la piece teatrale, utilizzando per il ruolo di interprete principale del personaggio di Shirley Valentine l’attrice Pauline Collins che aveva interpretato lo stesso ruolo a teatro e che quindi aveva grande dimestichezza con il personaggio.
Ne vien fuori una commedia garbata e gradevole, giocata tutta sulla voglia di riscatto e indipendenza di Shirley, donna vicina alla mezza età confusa anonimamente nella massa delle casalinghe inglesi, quelle per la cronaca tutte casa e famiglia, spesso utilizzate dai componenti delle stesse come donne di servizio a cui dedicare poco più di uno sguardo.
Shirley all’apparenza è una donna succube del suo ruolo e dei suoi affetti; ma la vacanza in Grecia diventa per lei occasione di riscatto e permette alla sua vera personalità di emergere prepotentemente.
La sua nuova vita inizierà proprio in un’isola greca, selvaggia e lussureggiante come i nuovi desideri di libertà della donna, che infrangerà tutti i tabu degli archetipi famigliari, attraverso l’esplorazione anche della propria sessualità vincolata al legame matrimoniale, attraverso la brevissima relazione con il playboy locale, quel Costa che si rivelerà essere un uomo in fondo non diverso da suo marito.
La voglia di riscatto e di affermazione di Shirley però è così determinata che non può essere certo fermata da un inciampo casuale come un breve flirt; la donna sceglierà autonomamente una vita finalmente diversa.
Grazie alla bravura di Pauline Collins,conosciuta sopratutto in Inghilterra per la sua partecipazione a Su e giù per le scale (Upstairs, Downstairs) serie TV del 1971, il film si aggiudica il British Academy of Film and Television Arts (BAFTA) che va proprio all’attrice di Exmouth per la miglior protagonista femminile.
Lo spessore, la simpatia e la verve data al personaggio di Shirley valgono alla Collins la nomination all’Oscar del 1991 dove solo una grandissima Jessica Tandy interprete di A spasso con Daisy le sbarra la strada verso un meritato Oscar.
Il film otterrà anche la nomination per la miglior canzone ,The Girl Who Used to Be Me composta da Marvin Hamlisch, Alan e Marilyn Bergman.
Il resto del cast, essenzialmente in ombra rispetto alla protagonista principale, si muove decorosamente.
Bene Tom Conti nel ruolo dello sciupa femmine locale Costas Caldes e Alison Steadman in quello di Jane.
Pur trattandosi di una commedia deliziosa, il parere dei critici appare controverso e incline alla bocciatura verso un film che invece è gradevole e scorrevole;il solito ineffabile Morandini parla di un film “che tenta di dare l’acqua della vita alla riduzione furbesca di L. Gilbert che spalma il testo di miele.”
Secondo il New York Times “ il film rivela la debolezza della sceneggiatura di Mr. Russell come se un assistente maldestro di un mago avesse puntato il dito contro una botola segreta. La Collins porta tanta energia e calore al ruolo come sempre, ma sullo schermo la forza della sua performance è frantumata per essere tagliata in piccoli pezzi, scollegati ”
Ancora più severo il Chicago Sun-Times che definisce il film “un dramma realistico di banalità spaventosa“.
Viceversa Variety ha definito il film “irregolare ma generalmente delizioso e Pauline Collins “irresistibile” mentre con molta più aderenza alla realtà il Washington Post ha definito il film “un piccolo film insolitamente caldo, rilassato … senza stucchevole retrogusto artificialmente zuccherato”
Personalmente è l’opinione che maggiormente condivido, per una commedia tranquilla e rilassante, da vedere in una serata in cui si è in preda di un piccolo attacco di romanticismo.
Il film è praticamente introvabile, vista la scarsa diffusione che ebbe in Italia e non risulta presente in rete se non nella versione in lingua inglese, che segnalo per dover di cronaca all’indirizzo: http://youtu.be/6_IOeOtW7Qs
Shirley Valentine La mia seconda vita
Un film di Lewis Gilbert. Con Tom Conti, Pauline Collins, Bernard Hill Titolo originale Shirley Valentine. Commedia, durata 108′ min. – Gran Bretagna 1989.
Pauline Collins: Shirley Valentine-Bradshaw
Tom Conti: Costas Caldes
Julia McKenzie: Gillian
Alison Steadman: Jane
Joanna Lumley: Marjorie Majors
Regia Lewis Gilbert
Soggetto Willy Russell
Sceneggiatura Willy Russell
Fotografia Alan Hume
Montaggio Lesley Walker
Musiche Willy Russell
Scenografia John Stoll
Gli Oscar del 1983
La sera del 11 aprile 1983 a Los Angeles presso il Dorothy Chandler Pavilion si tiene la tradizionale serata dedicata alla consegna degli Academy awards, gli Oscar del cinema attribuiti a film distribuiti nel 1982.
A condurre la serata di gala ci sono gli attori Liza Minnelli, Dudley Moore, Richard Pryor e Walter Matthau.
I pronostici della vigilia sono tutti per tre film, che dovrebbero dividersi la maggior parte delle statuette;Gandhi, diretto da Richard Attenborough, E.T. l’extraterrestre di Spielberg e Tootsie di Sidney Pollack con Ufficiale e gentiluomo di Taylor Hackford in qualità di outsider.
Gandhi si presenta alla partenza forte di 11 nomination, E.T. l’extraterrestre di 9 e Tootsie di 10.
Il film storico sul Mahatma trionfa aggiudicandosi 8 Oscar,ovvero quelli per il Miglior film,Migliore regia,Miglior attore protagonista,Migliore sceneggiatura originale,
Migliore fotografia,Migliore scenografia,Migliori costumi e Miglior montaggio mentre E.T. l’extraterrestre vince 4 Oscar in categorie definite minori come gli effetti speciali e il sonoro.
Tootsie, forte di ben 10 nomination riesce alla fine a portare a casa solo l’Oscar di Jessica Lange, premiata come miglior attrice non protagonista, così come ci sarà delusione per Victor Victoria di Blake Edwards che su 7 candidature vince l’Oscar solo per la Miglior colonna sonora a Henry Mancini e Leslie Bricusse.
Maryl Streep stravince nella categoria Miglior attrice protagonista con La scelta di Sophie, conquistando la sua seconda statuetta (la terza la vincerà nel 2012) mentre è Ben Kingsley il miglior attore per la sua performance nel pluri premiato Gandhi.
L’Italia si consola con l’Oscar a Carlo Rambaldi, per gli effetti speciali di ET l’extraterrestre,alla sua terza ed ultima statuetta.
Infine l’Oscar alla carriera va ad un mito di Hollywood, Mickey Rouney.
LEGENDA: I vincitori dei premi sono in neretto
Miglior film
Gandhi (Gandhi), regia di Richard Attenborough
E.T. l’extraterrestre (E.T. the Extra-Terrestrial), regia di Steven Spielberg
Scomparso – Missing (Missing), regia di Costa-Gavras
Tootsie (Tootsie), regia di Sydney Pollack
Il verdetto (The Verdict), regia di Sidney Lumet
Miglior regia
Richard Attenborough – Gandhi (Gandhi)
Wolfgang Petersen – U-Boot 96 (Das Boot)
Steven Spielberg – E.T. l’extraterrestre (E.T. the Extra-Terrestrial)
Sydney Pollack – Tootsie (Tootsie)
Sidney Lumet – Il verdetto (The verdict)
Miglior attore protagonista
Ben Kingsley – Gandhi (Gandhi)
Dustin Hoffman – Tootsie (Tootsie)
Jack Lemmon – Scomparso – Missing (Missing)
Paul Newman – Il verdetto (The Verdict)
Peter O’Toole – Ospite d’onore (My Favorite Year)
Migliore attrice protagonista
Meryl Streep – La scelta di Sophie (Sophie’s Choice)
Julie Andrews – Victor Victoria (Victor Victoria)
Jessica Lange – Frances (Frances)
Sissy Spacek – Scomparso – Missing (Missing)
Debra Winger – Ufficiale e gentiluomo (An Officer and a Gentleman)
Miglior attore non protagonista
Louis Gossett Jr. – Ufficiale e gentiluomo (An Officer and a Gentleman)
Charles Durning – Il più bel Casino del Texas (The Best Little Whorehouse in Texas)
John Lithgow – Il mondo secondo Garp (The World According to Garp)
James Mason – Il verdetto (The Verdict)
Robert Preston – Victor Victoria (Victor Victoria)
Migliore attrice non protagonista
Jessica Lange – Tootsie (Tootsie)
Teri Garr – Tootsie (Tootsie)
Glenn Close – Il mondo secondo Garp (The World According to Garp)
Kim Stanley – Frances (Frances)
Lesley Ann Warren – Victor Victoria (Victor Victoria)
Miglior sceneggiatura originale
John Briley – Gandhi (Gandhi)
Barry Levinson – A cena con gli amici (Diner)
Melissa Mathison – E.T. l’extraterrestre (E.T. the Extra-Terrestrial)
Douglas Day Stewart – Ufficiale e gentiluomo (An Officer and a Gentleman)
Murray Schisgal, Don McGuire e Larry Gelbart – Tootsie (Tootsie)
Miglior sceneggiatura non originale
Costa-Gavras e Donald Stewart – Missing – Scomparso (Missing)
Alan J. Pakula- La scelta di Sophie (Sophie’s Choice)
David Mamet – Il verdetto (The Verdict)
Blake Edwards – Victor Victoria (Victor Victoria)
Wolfgang Petersen – U-Boot 96 (Das Boot)
Miglior film straniero
Volver a empezar (Volver a empezar), regia di José Luis Garci (Spagna)
Alsino e il condor (Alsino y el cóndor), regia di Miguel Littín (Nicaragua)
Colpo di spugna (Coup de torchon), regia di Bertrand Tavernier (Francia)
Il volo dell’aquila (Ingenjör Andrées luftfärd), regia di Jan Troell (Svezia)
Vita privata (Častnaja žizn’), regia di Julij Rajzman (Unione Sovietica)
Miglior fotografia
Billy Williams e Ronnie Taylor – Gandhi (Gandhi)
Jost Vacano – U-Boot 96 (Das Boot)
Allen Daviau – E.T. l’extraterrestre (E.T. the Extra-Terrestrial)
Néstor Almendros – La scelta di Sophie (Sophie’s Choice)
Owen Roizman – Tootsie (Tootsie)
Miglior montaggio
John Bloom – Gandhi (Gandhi)
Hannes Nikel – U-Boot 96 (Das Boot)
Carol Littleton – E.T. l’extraterrestre (E.T. the Extra-Terrestrial)
Peter Zinner – Ufficiale e gentiluomo (An Officer and a Gentleman)
Frederic Steinkamp e William Steinkamp – Tootsie (Tootsie)
Miglior scenografia
Alessandro Ludovisi, Bob Laing e Michael Seirton – Gandhi (Gandhi)
Franco Zeffirelli e Gianni Quaranta – La traviata
Rodger Maus, Tim Hutchinson, William Craig Smith e Harry Cordwell – Victor Victoria (Victor Victoria)
Lawrence G. Paull, David L. Snyder e Linda DeScenna – Blade Runner (Blade Runner)
Dale Hennesy e Marvin March – Annie (Annie)
Migliori costumi
Bhanu Athaiya e John Mollo – Gandhi (Gandhi)
Piero Tosi – La traviata
Albert Wolsky – La scelta di Sophie (Sophie’s Choice)
Elois Jenssen e Rosanna Norton – Tron (Tron)
Patricia Norris – Victor Victoria (Victor Victoria)
Miglior trucco
Sarah Monzani e Michèle Burke – La guerra del fuoco (La guerre du feu)
Tom Smith – Gandhi (Gandhi)
Migliori effetti speciali
Carlo Rambaldi, Dennis Muren e Kenneth F. Smith – E.T. l’extraterrestre
Douglas Trumbull, Richard Yuricich e David Dryer – Blade Runner (Blade Runner)
Richard Edlund, Michael Wood, Bruce Nicholson – Poltergeist – Demoniache presenze (Poltergeist)
Migliore colonna sonora
Originale
John Williams – E.T. l’extraterrestre (E.T. the Extra-Terrestrial)
Ravi Shankar e George Fenton – Gandhi (Gandhi)
Jack Nitzsche – Ufficiale e gentiluomo (An Officer and a Gentleman)
Marvin Hamlisch – La scelta di Sophie (Sophie’s Choice)
Jerry Goldsmith – Poltergeist – Demoniache presenze (Poltergeist)
Adattamento con canzoni originali
Henry Mancini e Leslie Bricusse – Victor Victoria (Victor Victoria)
Ralph Burns – Annie (Annie)
Tom Waits – Un sogno lungo un giorno (One from the Heart)
Miglior canzone
Up Where We Belong, musica di Jack Nitzsche e Buffy Sainte-Marie e testo di Will Jennings – Ufficiale e gentiluomo
Eye of the Tiger, musica e testo di Jim Peterik e Frankie Sullivan III – Rocky III (Rocky III)
If We Were in Love, musica di John Williams, testo di Alan Bergman e Marilyn Bergman – Yes, Giorgio (Yes, Giorgio)
How Do You Keep the Music Playing?, musica di Michel Legrand, testo di Alan Bergman e Marilyn Bergman – Amici come prima (Best Friends)
It Might Be You, musica di Dave Grusin, testo di Alan Bergman e Marilyn Bergman – Tootsie (Tootsie)
Miglior sonoro
Robert Knudson, Robert Glass, Don Digirolamo e Gene Cantamessa – E.T. l’extraterrestre
Milan Bor, Todd Boekelheide, Trevor Pyke e Mike Le-Mare – U-Boot 96 (Das Boot)
Gerry Humphreys, Robin O’Donoghue, Jonathan Bates e Simon Kaye – Gandhi (Gandhi)
Arthur Piantadosi, Les Fresholtz, Dick Alexander e Les Lazarowitz – Tootsie (Tootsie)
Michael Minkler, Bob Minkler, Lee Minkler e Jim La Rue – Tron (Tron)
Miglior montaggio sonoro
Charles L. Campbell e Ben Burtt – E.T. l’extraterrestre
Mike Le-Mare – U-Boot 96 (Das Boot)
Stephen Hunter Flick e Richard L. Anderson – Poltergeist – Demoniache presenze (Poltergeist)
Miglior documentario
Just Another Missing Kid (Just Another Missing Kid), regia di John Zaritsky
Ben’s Mill (Ben’s Mill), regia di Michel Chalufour e John Karol
In Our Water (In Our Water), regia di Meg Switzgable
After the Axe (After the Axe), regia di Sturla Gunnarsonn
A Portrait of Giselle (A Portrait of Giselle), regia di Joseph Wishy
Miglior cortometraggio
A Shocking Accident (A Shocking Accident), regia di James Scott
Ballet Robotique (Ballet Robotique), regia di Bob Rogers
The Silence (The Silence), regia di Michael Toshiyuki Uno
Split Cherry Tree (Split Cherry Tree), regia di Andrei Konchalovsky
Sredni Vashtar (Sredni Vashtar), regia di Andrew Birkin
Miglior cortometraggio documentario
If You Love This Planet (If You Love This Planet), regia di Terre Nash
Gods of Metal (Gods of Metal), regia di Robert Richter
The Klan: A Legacy of Hate in America (The Klan: A Legacy of Hate in America), regia di Charles Guggenheim e Werner Schumann
To Live or Let Die (To Live or Let Die), regia di Terry Sanders
Traveling Hopefully (Traveling Hopefully), regia di John G. Avildsen
Miglior cortometraggio d’animazione
Tango (Tango), regia di Zbigniew Rybczynski
The Snowman (The Snowman), regia di Dianne Jackson
The Great Cognito (The Great Cognito), regia di Will Vinton
Premio alla carriera
A Mickey Rooney
Richard Attenborough, Oscar come miglior regista e miglior film
Ben Kingsley, Oscar come miglior attore protagonista per Gandhi
Ben Kingsley con Meryl Streep
Jessica Lange, miglior attrice non protagonista con Meryl Streep
Jessica Lange, Oscar per Tootsie
Meryl Streep, Oscar come miglior attrice per La scelta di Sophie
Louis Gossett Jr. Oscar come miglior attore non protagonista
Bhanu Athaiya, Oscar per i migliori costumi
John Williams, Oscar per la miglior colonna sonora E.T. l’extraterrestre
José Luis Garci Oscar per il miglior film straniero
Classifica al botteghino 1986
1) Il nome della rosa di Jean-Jacques Annaud
con Sean Connery, Christian Slater, F. Murray Abraham, Michael Lonsdale, Fëdor Šaljapin, Valentina Vargas
2) Top Gun di Tony Scott
con Tom Cruise, Kelly McGillis, Val Kilmer, Tom Skerritt, Anthony Edwards, Tim Robbins, Meg Ryan, James Tolkan
3) Platoon di Oliver Stone
con Tom Berenger, Willem Dafoe, Charlie Sheen, Forest Whitaker, Francesco Quinn, Kevin Dillon, Johnny Depp
4) Mr. Crocodile Dundee di Peter Faiman
con Paul Hogan, Linda Kozlowski, Mark Blum
5) Mission di Roland Joffè
con Jeremy Irons, Robert De Niro, Cherie Lunghi, Ray McAnally, Aidan Quinn, Ronald Pickup, Liam Neeson
6) Figli di un dio minore (Children of a Lesser God) di Randa Haines
con William Hurt, Marlee Matlin, Piper Laurie, Philip Bosco, Alison Gompf
7) Il colore dei soldi (The Color of Money) di Martin Scorsese
con Paul Newman, Tom Cruise, Mary Elizabeth Mastrantonio, John Turturro, Forest Whitaker
8) Highlander – L’ultimo immortale di Russell Mulcahy
con Christopher Lambert, Roxanne Hart, Sean Connery, Clancy Brown, Alan North
9) Yuppies 2 di Enrico Oldoini
con Massimo Boldi, Jerry Calà, Christian De Sica, Ezio Greggio, Athina Cenci, Gioia Scola, Federica Moro
10) Sette chili in sette giorni di Luca Verdone
con Carlo Verdone, Renato Pozzetto, Tiziana Pini, Silvia Annichiarico
11) Cobra di George Pan Cosmatos
con Sylvester Stallone, Brigitte Nielsen, Reni Santoni, Andrew Robinson
12) Pirati (Pirates) di Roman Polanski
con Walter Matthau, Damien Thomas, Richard Pearson, Charlotte Lewis, Cris Champion, Olu Jacobs, Roy Kinnear
13) Camera con vista (A Room with a View) di James Ivory
con Helena Bonham Carter, Maggie Smith, Denholm Elliott, Julian Sands, Daniel Day-Lewis
14) La famiglia di Ettore Scola
con Vittorio Gassman, Stefania Sandrelli, Fanny Ardant, Jo Champa, Andrea Occhipinti, Carlo Dapporto, Massimo Dapporto, Athina Cenci, Ottavia Piccolo, Giuseppe Cederna, Philippe Noiret, Ricky Tognazzi, Sergio Castellitto, Dagmar Lassander
15) Over the Top di Menahem Golan
con Sylvester Stallone, Robert Loggia, Susan Blakely, Rick Zumway
16) Scuola di ladri di Neri Parenti
con Paolo Villaggio, Lino Banfi, Massimo Boldi, Enrico Maria Salerno, Barbara Scoppa, Antonio Barros
17) Pericolosamente insieme (Legal Eagles) di Ivan Reitman
con Robert Redford, Debra Winger, Daryl Hannah, Brian Dennehy, Terence Stamp, Steven Hill
18) Scuola di polizia 3: Tutto da rifare di Jerry Paris
con Steve Guttenberg, Bubba Smith, David Graf, George Gaynes, Michael Winslow, Art Metrano, Bobcat Goldthwait
19) Noi uomini duri di Maurizio Ponzi
con Enrico Montesano, Renato Pozzetto, Mariangela Giordano, Alessandra Mussolini
20) Labyrinth (Dove tutto è possibile) di Jim Henson
con David Bowie, Jennifer Connelly, Toby Froud, Frank Oz, Steve Whitmire.
Mizzzzica… ma che è proibitissimo
Al malcapitato spettatore di Mizzzzica… ma che è proibitissimo dopo cinque-sei minuti di proiezione sorge immediata e spontanea una domanda: ma cosa sto vedendo?
Immaginate poi di dover riassumere una trama inesistente, fatta di sketch idioti da alba del muto, con un tipo imbarazzante che si fa delle domande per strada e sbatte contro il palo di un semaforo, inquadrature del semaforo stesso e spezzoni di scene quanto meno bislacche che si susseguono alternate a scene di una sala di montaggio in cui un arrapatissimo inserviente cerca di guardare le gambe e le mutande di una assistente con tanto di tatuaggio sulla natica,che ovviamente gira per lo studio con un camice bianco, un’espressione ebete e le chiappe di fuori.
Messi assieme quindi minuti e minuti di un film scoordinato e inconcludente e una trama volatile come un gas mefitico ecco cosa resta di questo film del 1983 di Salvatore Bugnatelli, regista di poveri mezzi artistici a cui manca completamente il senso sia della misura che quello dell’originalità tanto d far sorgere spontanea la domanda sul perchè il film non abbia avuto il titolo alternativo di Mizzzzica… ma che è sta schifezza.
Difficile a questo punto cercare di riassumere,con parole logiche, un film che snocciola una sequenza di immagini senza senso girate per metà in uno studio di montaggio, dove il regista vorrebbe spiegarci cosa accade quando si vuol montare un film sexy con degli inserti porno.
Cosa che non si vede perchè il film non solo non mostra nulla, ma la getta in caciara, con inserti di una banalità assoluta che alla fine rendono il film degno di una serie sonora di pernacchie.
Unico motivo per dedicare due minuti alla pellicola è la presenza di Femi Benussi che con quest film, subito dopo il terribile Corpi nudi di Amasi Damiani, decide di chiudere una onorevole carriera iniziata con Pasolini e terminata con Bugnatelli, ovvero una discesa all’inferno degna di Dante.
L’attrice friulana appare nel film per pochi minuti nei panni di una manicure in alcune sequenze che sono esplicitamente copiate da Stangata in famiglia;del resto tra le innumerevoli pecche del film c’è anche l’aver indecorosamente copiato degli sketch, come quelli dello spogliarello ripreso con tecnica alla D’Amato et similia.
Praticamente non c’è altro da dire, visto che è assolutamente inutile parlare del cast fatto da attori peggio che dilettanti; regia dilettantesca e ignobile, tutto il resto è davvero robaccia.
Inutile cercare tracce di questo film in rete mentre è disponibile sul p2p più noto; visione assolutamente sconsigliata.
Mizzzzica… ma che è proibitissimo
di Salvatore Bugnatelli con Femi Benussi,Luciana Frazzetto,Francesco Meli,Tony Morgan,Pippo Pollaci,Zaira Zoccheddu Commedia Italia 1983
Regia Salvatore Bugnatelli
Sceneggiatura Salvatore Bugnatelli
Casa di produzione A.R. Cine International Film
Fotografia Felice De Maria
Montaggio Salvatore Bugnatelli
Musiche Roberto Anselmi
L’opinione di Homesick dal sito http://www.davinotti.com
L’intento di mostrare quel che accade nella sala di montaggio di un film in cui si insertano scene hard si risolve in poche interazioni tra il regista Bugnatelli e il pubblico che assiste; il resto del tempo è speso in una serie scombinata di sketch da commedia sexy di indescrivibile puerilità. Del tutto inutile l’arrivo di Femi Benussi (doppiata in romagnolo), che non poteva chiudere la sua proficua carriera di starlet in modo peggiore. Proibitissimo? Semmai squallidissimo!
L’opinione di Daidae dal sito http://www.davinotti.com
Sicuramente tra i film più brutti, lenti, noiosi e inutili che mi sia capitato di vedere. Ritmo catatonico, erotismo blando, comicità nulla, mediocre il cast, pessima la regia. Da vedere solo se si è fanatici di cinema e una pellicola vale l’altra.
L’opinione di Geppo dal sito http://www.davinotti.com
Una sorta di commedia erotica molto strana, decisamente inguardabile e che nemmeno diverte, dal ritmo molto lento. È un film scritto e diretto dal catanese Salvatore Bugnatelli che racconta come si gira una pellicola hard rivelando tutti i retroscena che si nascondono durante la preparazione. Poi, nella seconda parte del film, arriva Femi Benussi, ma nemmeno lei riesce ad alzare il livello generale. Tra i protagonisti Luciana Frazzetto (la ricordiamo soprattutto in Cornetti alla crema, dove interpretava una delle fidanzate di Gianni Cavina).
Away from her-Lontano da lei
Ci sono film che fanno male al cuore.
Away from her, Lontano da lei, è uno di questi.
Una storia d’amore, ma una volta tanto di quell’amore vero, quello che i sacerdoti consacrano sull’altare con le parole “nella buona e nella cattiva sorte”
Grant e Fiona sono marito e moglie da quasi mezzo secolo; vivono in una bellissima casa, tra i boschi innevati dell’Ontario.
Si amano ancora, come tanti anni fa.
Ma un giorno Fiona si rende conto che qualcosa in lei sta cambiando; alle volte dimentica le cose, i suoi pensieri non sono più lucidi.
E’ il primo sinistro segnale di una malattia terribile, il morbo di Alzheimer.
Grant, che ama la moglie di un amore totale, rifiuta di arrendersi alla malattia, cerca di tenere la donna con se.
Ma un giorno è costretto a portarla in una lussuosa clinica per malati terminali.
Inizierà così il suo personale calvario, con una donna che pian piano si allontana da lui, persa in una malattia che cancella il bene più prezioso dell’esistenza, la memoria di quello che eravamo, di quello che siamo.
Grant continuerà a seguire la moglie, anche quando questa non lo riconoscerà più, e si legherà, come fanno le persone senza un passato, ad un altro ammalato della clinica.
E a Grant toccherà vedere la moglie usare gentilezze e premure verso un altro uomo.
Ma lui non lascerà mai quella donna, la seguirà nel suo personale calvario, verso lo stadio finale della malattia.
Un film che tocca temi difficili, come la capacità delle persone di restare vicini ad ammalati terminali assolutamente incapaci di comunicare con le persone che un tempo amavano.
E lo fa con grazia e dignità, senza un momento di sdolcinata emozione epidermica, ma badando a mostrare, alle volte freddamente, con distacco volutamente chirurgico, il percorso di Fiona nei meandri bui della perdita della memoria.
Un percorso, quello di Fiona, che mostra come le persone possano annientarsi nel nulla con una malattia, una malattia devastante, che annichilisce se stessi, ma non solo.
Si trasforma in un calvario per coloro che amano quei poveri esseri destinati a diventare dei vegetali, seguendo un progresso degenerativo senza cura e senza soluzione.
Ma questo film è anche una straordinaria prova di dedizione e d’amore.
Grant, pur allontanato da quella donna che è solo il fantasma di quella che amava, le resta vicino, con abnegazione.
Perché il vero amore travalica ostacoli, supera le montagne dell’indifferenza e dell’egoismo.
Sarah Polley, la trentenne regista, debuttante, sceglie la strada della sobrietà, senza inseguire le scorciatoie del fazzoletto.
Un esordio folgorante, proprio per la sua capacità di andare dritta al centro del problema, raccontando una storia qualunque, con pochi attori, lentamente, come un’antica tragedia che però ha un’immagine forte in se.
Un bianco abbacinante, quello della neve che fa la sua parte decorativa onnipresente, quasi a simboleggiare il candore delle due vite e dei due destini.
Un film basato sul dialogo, in un’epoca iper tecnologica, un film che parla di una malattia,in un momento in cui il cinema sembra aver finalmente riscoperto i temi forti, lasciando da parte il pietismo e raccontando i fatti, gli episodi.
Anche con parole semplici, comprensibilissime e umane come quelle che dice Fiona alla sua infermiera:
“Ora se non le dispiace vorrei salutare mio marito, non ci siamo mai separati per un mese in questi ultimi 44 anni”
Una menzione particolare per Julie Christie.
A vederla, sembrerebbe davvero alle prese con la malattia, tanto riesce a rendere, visivamente, i vari stadi della malattia.
Con un viso che esprime, meglio delle parole, il distacco dalla vita, dai ricordi,dagli affetti.
Away From Her – Lontano da lei
Un film di Sarah Polley. Con Julie Christie, Michael Murphy, Gordon Pinsent, Stacey LaBerge, Olympia Dukakis, Deanna Dezmari, Alberta Watson, Grace Lynn Kung, Wendy Crewson Titolo originale Away from Her. Drammatico, durata 110 min. – Canada 2006
Gordon Pinsent: Grant Anderson
Stacey LaBerge: Young Fiona
Julie Christie: Fiona Anderson
Olympia Dukakis: Marian
Deanna Dezmari: Veronica
Wendy Crewson: Madeleine Montpellier
Regia Sarah Polley
Soggetto Alice Munro
Sceneggiatura Sarah Polley
Casa di produzione The Film Farm, Foundry Films
Distribuzione (Italia) Videa-CDE
Fotografia Luc Montpellier
Montaggio David Wharnsby
Musiche Jonathan Goldsmith
Scenografia Kathleen Climie, Benno Tutter e Mary Kirkland
L’opinione di PompiereFI dal sito http://www.filmtv.it
A volte c’è qualcosa di affascinante nell’oblìo. In qualche altra circostanza non è così.
Fiona Anderson (una Julie Christie toccante ed esemplare) se ne va in giro con la mente, in cerca di qualcosa che sa essere molto importante ma non riesce a ricordare. E una volta che l’idea è persa… è persa per sempre.
Una cosa buona, però, l’ha conservata: non va spesso al cinema. Non sopporta quelle multisale che danno un sacco di robaccia americana. Fiona è lontana dal mondo che la circonda, è lontana pure da se’ stessa. L’Alzheimer che la sta usurpando è spietato e subdolo. Grant, suo marito, deve gestire la degenerazione di una moglie che ama moltissimo, sforzandosi di sorridere quando invece vorrebbe piangere e disperarsi. Quarantaquattro anni di matrimonio hanno consolidato una coppia magnifica, conosciutasi tra i banchi del College e cresciuta all’insegna dell’amore vero, sincero ed esclusivo. Un rapporto senza troppe pretese di essere sempre al massimo; non si può essere innamorati tutti i santi giorni. Ed è questo a esaltarlo.
Il primo lungometraggio dell’attrice canadese Sarah Polley (“Il dolce domani”) è di notevole interesse per la bravura con la quale riesce a gestire le fasi di regia, sospese tra pudichi carrelli in arretramento e lenti movimenti di macchina a indagare sui sentimenti e le emozioni. La sostiene, in questo viaggio attraverso paesaggi innevati, una sceneggiatura minuziosa e delicata.
Maria Pia Di Meo doppia Julie Christie, conferendo tonalità ora tristi, ora venate da sfumature ironiche, non perdendo mai la sua magistrale peculiarità vocale. Fiona è vaga, dolce e sarcastica anche grazie a lei.
Cento minuti con le lacrime agli occhi e con un cavatappi a lacerare l’anima, ci portano a fare considerazioni sull’ingiustizia e la spietatezza della vita. Osservare la persona amata, da lontano, in ossequioso silenzio e trasparenza, non è facile. La soluzione di ripiego che attende i protagonisti è un ordine formale, un ritmo di danza un po’ sterile ma necessario. Una danza infinita, che ci auguriamo possa inebriare ed esaltare gli ultimi sensi rimasti ancora vigili.
L’opinione di ironklad dal sito http://www.filmscoop.it
La forza dell’ amore supera qualsiasi altra cosa.
Atmosfera da favola senza dubbio, ma dietro di essa si nasconde il dolore di un uomo che ama una donna ormai in malattia mentale avanzata.
Seppur storie di questo genere se ne sono realizzate molte altre, affascinano tutte quante allo stesso modo per il messaggio che mandano. Grant sa che sua moglie Fiona è affetta dal morbo di Alzheimer.Nonostante questo l’ amore per lei continuerà a farlo restare vicino a lei.La storia è concentrata tutta sugli sguardi, le espressioni e i dialoghi dei personaggi. Se cercate azione guardate da un’ altra parte. Il bel finale è solo temporaneo e penso di non anticipare nulla perchè tanto sappiamo che l’ Alzheimer non si può curare e si aggrava sempre di più…
L’opinione di galbo dal sito http://www.davinotti.com
Una coppia sposata da 50 anni attraversa il momento drammatico di una grave malattia mentale di lei (il morbo di Alzheimer) ed è costretta a separarsi. La prima regia dell’attrice Sarah Polley è un film che affronta il tema della separazione e dello spirito di abnegazione in modo molto poetico, senza facili effetti ma attraverso un percorso di intuizioni (molte riferite al passato della coppia) in cui il paesaggio (molto ben fotografato) fa da efficace contrappunto dei sentimenti. Ottima la prova di Julie Christie in un ruolo difficile.
L’opinione di giuan dal sito http://www.davinotti.com
La soave/adrenalinica bionda Ana de L’alba dei morti viventi esordisce in regia con un ragguardevole saggio di misura cinematografica, tale da proporsi come esempio a tutto tondo di quello che dovrebbe/potrebbe essere un film sentimentale. Lontano da ogni formalismo retorico, pervaso da un soffuso quanto sincero affetto per quel che racconta, la Polley mostra con dolcezza e rigorosa compassione una malattia dolorosa per l’anima ancor più che per il corpo. Di Julie Christie s’è detto tutto giustamente, ma quant’è complessa l’abnegazione di Murphy.
I peccati di madame Bovary
Charles Bovary è un oscuro medico condotto di provincia; ha sposato al giovane e bellissima Emma, che è innamorata di lui ma che soffoca nella piccola casa in cui è costretta a vivere.
Soffre anche le ristrettezze economiche in cui vive, rimpiange la vita movimentata e allegra della Parigi piena di vita che ha dovuto lasciare.
Sogna quindi ad occhi aperti una vita differente da quella sostanzialmente piatta in cui si è dovuta adagiare.
Un’occasione di svago è rappresentata dalla festa che i marchesi di Andervilliers organizzano e alla quale i coniugi Bovary partecipano:durante il gran ballo serale, mentre suo marito sembra annoiarsi profondamente, Emma viene avvicinata e corteggiata dal visconte Gaston Fresnay, ma la donna pur lusingata evita di cedere all’affascinante corteggiatore.
Il visconte muore in un duello e Emma, sempre più intristita dalla sua vita piatta conosce dapprima il giovane Leon, che inutilmente le fa delle avance ma alla fine cede alla corte di Rudolph Boulanger, un ricco proprietario terriero che ne fa la sua amante.
Emma sembra finalmente più felice, inizia anche ad indebitarsi con Adolphe Léreux, un viscido sarto che le fornisce abiti finalmente adeguati ma che fatalmente ora la tiene in pugno.
Rudolph, che le aveva promesso una vita diversa e che voleva portarla con se a Parigi, non mantiene quanto promesso e lascia la donna che a questo punto accetta la corte di Leon.
Ma Adolphe Léreux scopre la loro relazione e inizia a ricattare Emma, minacciandola di incassare le cambiali che la donna improvvidamente gli ha firmato; Emma riesce a contattare Boulanger e gli chiede del denaro per riscattare le cambiali,ma l’uomo non l’aiuta.
Di fronte alla possibilità che il sarto crei uno scandalo, Emma accetta di diventare la sua amante, ma dopo essersi concessa Emma prova disgusto di se stessa a tal punto da decidere di morire.
Sale su un ponte determinata a suicidarsi, ma mentre sta per attuare il suo proposito si ferma:decide di continuare a vivere e cambiare quella vita che l’ha portata a perdere la stima in se stessa…
I peccati di Madame Bovary, film del 1969 diretto da Hans Schott-Schöbinger è una riedizione per il grande schermo del celebre romanzo di Gustave Flaubert Madame Bovary, uscito nel 1856 e che suscitò grande scandalo in Francia tanto da costare al suo autore un processo per oltraggio alla morale.
Flaubert, al suo esordio come scrittore, si era ispirato ad una storia vera, quella di Delphine Delamare che si suicidò in seguito ad alcune vicende raccontate nel romanzo.
Per la cronaca la donna, dopo aver contratto numerosi debiti per l’acquisto di pellicce e gioielli, si suicidò a soli 26 anni ingerendo del cianuro.
Flaubert quindi riprese questa storia, utilizzandola come pretesto per mostrare il degrado morale della borghesia francese e contemporaneamente indicare la condizione sottomessa delle donne francesi.
Il regista di origine austro ungarica, nato nel 1900 sotto il dominio asburgico si ispira in gran parte al romanzo, senza però rispettarne il tragico finale (nel libro Emma muore, come accadde nella realtà a Delphine) e sopratutto allontanandosi ben presto da quell’aria volutamente di denuncia che si respira nell’opera di Flaubert.
Quello che vien fuori è un prodotto eminentemente commerciale, in cui la letteratura è messa a bella posta da parte a vantaggio di una descrizione completamente didascalica, in cui sparisce del tutto l’atmosfera viziosa e repressa della borghesia francese a tutto vantaggio degli aspetti pruriginosi della vicenda.
La regia è monocorde, ma priva di grosse falle; il film a tratti sembra diventare una soap opera anche se va detto mantiene una dignità che manca a molti prodotti del genere.La presenza di Edwige Fenech, non ancora diventata la star della commedia sexy si rivela un buon acquisto, perchè la bellissima attrice, quando è stata messa a confronto con copioni non banali, ha sempre mostrato che la sua recitazione era tutt’altro che dilettantesca.
Però il film non incide più di tanto, privo com’è di profondità e di analisi sia ambientali che del personaggio.
La Emma Bovary del film appare molto più frivola del personaggio di Flaubert e tutti i personaggi della pellicola stessa appaiono pesantemente stereotipati.
Tuttavia come già detto no siamo di fronte ad un B movie ma ad un tentativo, parzialmente riuscito, di abbinare letteratura e immagini in un amalgama coerente.
Per fortuna Schott-Schöbinger non preme troppo l’acceleratore sull’erotismo, forse anche perchè siamo sul finire degli anni sessanta e la censura è sempre minacciosamente presente.
Un’opera quindi che può valere una visione, alla luce anche della discreta ambientazione e della bella fotografia; certo siamo distanti quasi anni luce dalla tensione e compattezza della prima versione cinematografica di Jean renoir e la Fenech non è certo Valentine Tissier così come la Madame Bovary del 1991 diretta da Claude Chabrol, con Isabelle Huppert nei panni di Emma è non solo un adattamento calligrafico al romanzo ma è abissalmente più affascinante della versione di Schöbinger.
Che l’anno precedente aveva diretto il più che discreto Andrée – l’esasperazione del desiderio nell’amore femminile e che nel corso della sua carriera diresse in totale 13 pellicole caratterizzate da un onesto mestiere.
Il cast fa il suo lavoro con diligenza e oltre la citata Fenech segnalo la presenza di un’affascinante Patrizia Adiutori, altra attrice dalle ottime doti finita però ai margini del cinema che conta.
Il film è disponibile in un’ottima riduzione digitale in streaming, all’indirizzo http://www.cineblog01.net/i-peccati-di-madame-bovary-1969/
I peccati di madame Bovary
Un film di Hans Schott-Schobinger. Con Peter Carsten, Franco Ressel, Edwige Fenech, Luigi Bonos,Gianni Dei, Gerhard Riedmann, Patrizia Adiutori Drammatico, durata 91′ min. – co produzione Italia Germania 1969
Edwige Fenech: Emma Bovary
Gerhard Riedmann: Charles Bovary
Manja Golec: Madeleine
Peter Carsten: Rudolph Boulanger
Patrizia Adiutori: Amante di Rudolph
Franco Borelli: Gaston
Maria Pia Conte: Madeleine
Gianni Dei: Leon Dubois
Franco Ressel: Adolphe Leureaux
Rossana Rovere: Felicita, la domestica
Gigi Bonos: Giocatore di carte
Edda Ferronao: Anastasia
Regia Hans Schott-Schöbinger
Soggetto Gustave Flaubert (romanzo)
Sceneggiatura Arnulf Mann
Casa di produzione Tritone Filmindustria
Distribuzione (Italia) Interfilm
Fotografia Klaus Von Rautenfeld
Montaggio Enzo Alabiso
Musiche Hans Hammerschmidt
Scenografia Nino Borghi
Costumi Massimo Bolongaro
L’opinione di mm40 dal sito http://www.filmtv.it
Checchè se ne voglia dire, la Fenech come attrice è assolutamente credibile. Certo che i ruoli che le sono stati offerti nella sua carriera sono un po’ tutti simili, diciamo da donna sottomessa (e frequentemente svestita). Qui, giovanissima, non fa eccezione; il romanzo è noto (e adattato abbastanza fedelmente) e qualche nudo generosamente offerto qua e là lo rimpolpa, costituendo l’attrattiva di fondo di una pellicola scialba e poco ispirata, ma non per questo meno onesta.
L’opinione di Homesick dal sito http://www.davinotti.com
Libero adattamento del romanzo di Flaubert, reca tutta la viscosità narrativa e la stereotipata ricercatezza scenografica riscontrabile nella maggioranza delle produzioni italo-tedesche (e italo-austriache); l’erotismo langue, l’enfasi dialogica per rammentarne l’origine letteraria stucca e la tapina Emma Bovary è consegnata ad una Fenech d’insopportabile rigidità. L’unico rimarchevole segno è lasciato da Patrizia Adiutori in déshabillé mentre si fa accarezzare gambe e piedi nudi dal calore del caminetto.
L’opinione di Undijing dal sito http://www.davinotti.com
Molto liberamente ispirato alla novella scritta dalla mano di Gustave Flaubert, è in realtà un film che rientra nel lotto (squallidissimo) di pellicole realizzate sul finire degli anni ’60 in scadenti co-produzioni italo-tedesche. Questo, tra tutti, pur essendo un mattone malamente digeribile, ha dalla sua un cast interessante. Oltre alla bella Fenech figurano alcuni volti italiani invischiati in produzioni “bis”, tra i quali meritano la segnalazione Patrizia Adiutori, Gianni Dei e Maria Pia Conte. Supervisionato da Sergio Martino, che conosce qua la divina Edwige. Da vedere per curiosità.
Un toro da monta
Cosa fare quando si possiede una bella moglie, anzi bellissima e sexy e non si riesce a consumare il matrimonio perchè affetti da impotenza?
Ovviamente si ricorre alla scienza per cercar rimedio, ma alle volte la scienza non è in grado di portare aiuto e allora la soluzione può arrivare per un colpo di fortuna.
Così accade che il desolato sposo eredità dal padre un prestante toro da monta che mostrerà all’uomo come ci si comporta in certi casi.
Uno dei punti più bassi della commedia scollacciata all’italiana.
Questo, in estrema sintesi, l’unico commento efficace per descrivere Un toro da monta, film del 1976 diretto da Roberto Mauri, artigiano specializzato in western all’italiana qui al suo esordio nel cinema sexy, che conterà un altra vera bruttura su celluloide, ovvero quel Le porno killer del 1980 famoso solo per la presenza nel cast della soubrette Carmen Russo
Film triviale, becero e scollacciato, Un toro da monta parte male e finisce peggio:l’espediente del toro che consiglia allo sposino il comportamento da tenere durante l’amplesso è degno di un decamerotico di serie z.
Quando poi, per buona parte del film, si assiste ai suoi ripetuti assalti alla mogliettina coronati dal fallimento, mogliettina che arriva a estirsi da micia pur di sollecitare la virilità del consorte senza successo si capisce di essersi imbattuti nel solito filmetto erotico senza ambizioni e purtroppo anche senza resa.
E già, perchè aldilà della visione peraltro sempre ben accetta delle grazie di Femi Benussi non si va.
Cercare di ridere, nel film, è operazione da far tremare le vene: Mauri non ci prova nemmeno e probabilmente con un intreccio così banale nemmeno al più fecondo dei registi della commedia sexy sarebbe riuscito di smuovere un sorriso.
Non c’è praticamente nulla da salvare nella pellicola, se non le grazie della citata Femi e dell’altra star Daniela Giordano, che quanto meno è sempre un bel vedere.
Da dimenticare, in tutti i sensi.
Non ho trovato nel web traccia di una versione in divx del film, il che ovviamente non è una perdita in nessun senso.
Un toro da monta
Un film di Roberto Mauri. Con Femi Benussi, Daniela Giordano, Alfonso Saggese, Luigi D’Ecclesia,Bianca Toso Erotico, durata 90 min. – Italia 1976.
Femi Benussi: Sabrina Carli
Renato D’Amore: Pupo
Pupo De Luca: Comm. Carli
Tom Felleghy: L’autista tedesco
Daniela Giordano: Concetta
Alfonso Saggese: Salvatore Frittella
Regia Roberto Mauri
Sceneggiatura Piero Regnoli
Fotografia Franco Villa
L’opinione di mm40 dal sito http://www.filmtv.it
Se una sera Freud venisse a trovarvi a casa vostra, fatelo accomodare davanti allo schermo e inserite nel lettore dvd questo Toro da monta del semi-sconosciuto Mauri: innanzitutto trasformerete la serata in una festa smodata, e poi potrete pure testimoniare di aver visto il padre della psicanalisi, personaggio notoriamente piuttosto serioso, sganasciarsi fino a rotolare per terra con i crampi allo stomaco per le risate. Piero Regnoli (ricordiamolo per sceneggiature come quelle di L’ebreo fascista, Batton story, La cognatina, La principessa sul pisello) è il responsabile principale, cioè l’autore, di questa immondizia su pellicola e non rimane che sperare che stesse scherzando: ma i dubbi che le cose non stiano così sono fortissimi. Un siciliano (=orgoglio) novello sposo (=virilità) si scopre impotente: topos classicissimo, perfino abusato nel nostro cinema, dal Bell’Antonio di Bolognini/Mastroianni al Buzzanca del Complesso del giocattolo (Grimaldi), seppure con esiti parecchio differenti. Ma qui sta il colpo di genio: il siciliano riceve in eredità un toro da monta. Non un toro qualsiasi, capite? Da monta! Se no il discorso poteva sembrare troppo oscuro per il pubblico, fitto di metafore indecifrabili ed allusioni esageratamente sottili, difficili a cogliersi. Ovviamente nel percorso di ‘riabilitazione’ sessuale dell’uomo, il toro avrà un ruolo fondamentale, di vero e proprio mentore: siamo al delirio puro. Ma se si trattasse solamente di trash (animali parlanti, bestie più umane degli umani), la pellicola avrebbe quantomeno una sua dimensione specifica in cui sguazzare; il problema principale di questo film è invece che la storia ha persino la presunzione di seguire una logica, nonostante le scenette sexy, i dialoghi turpi e le amenità da trogloditi che la infestano. E nonostante pure il cast, non proprio eccelso, nel quale svetta Femi Benussi come unico nome di una certa notorietà. Incredibile come il cinema italiano si sia involuto così tanto, così male e in così poco tempo: e ancora non sono arrivati i Vanzina!
L’opinione di Undjing dal sito http://www.davinotti.com
Incredibile. Il “toro da monta” dovevano collocarlo alle spalle del regista e dargli il via libera, prima che portasse a compimento il film. Di commedie scollacciate se ne son fatte a centinaia, solo in Italia, ma qui si rasenta – se non il punto più basso – quello più deletèrio. Di trama manco a parlarne, il protagonista principale è di un’antipatia unica e le battute son talmente triviàli che allontano il sorriso sin dai primi minuti. Qualche nudo c’è, ma è vistosamente tagliato. Pure la Benussi e la Giordano non aggiungono (corpo escluso) alcunché ad una pellicola d’una tristezza infinita.
L’opinione di Homesick dal sito http://www.davinotti.com
Esemplare di un collaudato sottofilone della commedia erotica italiana – il marito che non riesce a consumare le nozze – , investe le sue scarse risorse nell’elegante, generosa bellezza della Benussi, spalleggiata dall’altrettanto venusta collega Daniela Giordano. Per il resto, la comicità tende allo zero, Saggese è del tutto anonimo e i contributi di De Luca in versione romagnola non sono certo eclatanti. Felleghy è il camionista teutonico ubriaco di birra. Solo per Benussi-dipendenti.
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