All that jazz-Lo spettacolo continua
Pubblico e privato di un attore, ballerino e coreografo Joe Gideon,stella del musical e della danza moderna visto attraverso la lente d’ingrandimento dei suoi successi (e delusioni) sul lavoro e nella vita privata,in cui le seconde dominano sui primi.
Testamento autobiografico e penultimo film di Bob Fosse, All that jazz-Lo spettacolo continua è una commossa e a tratti irriverente confessione autobiografica in cui il celebre punto di riferimento del musical americano si mette a nudo,attraverso un racconto visivo potente anche se spesso ridondante e narcisistico,con un finale premonitore che sembra anticipare la sua morte, avvenuta come nel film per un infarto, otto anni dopo aver diretto il suo ultimo capolavoro.
Per la verità All that jazz non sarà il suo ultimo film, visto che nel 1983 uscirà Star 80, che però non si sposterà dalla sufficienza diventando si famoso ma non certo il film della vita.
Fosse sceglie per il film una narrazione sicuramente particolare, raccontando al presente e al passato la vita del suo alter ego Gideon e inframezzandola con una specie di visione onirica raffigurante un angelo biondo, un angelo della morte che ascolta divertito il racconto della vita di un uomo che ha dato tanto allo spettacolo ricavandone in cambio fama professionale ma una vita privata al limite del disastroso.
L’angelo della morte, la donna vestita di bianco simboleggia nel film e per Fosse l’ultimo atto della vita, quello in cui si favoleggia il rivedere in un attimo dilatato nel tempo gli eventi principali della vita di un essere umano.
E’ proprio a questo angelo che Gideon racconta aneddoti e storie, partendo dai suoi esordi come attore di uno spettacolo border line nel quale erano presenti alcune spogliarelliste, che si divertivano dietro il palco ad eccitarlo, lasciandolo poi solo carico di eccitazione e frustrazione.
Ma il film in realtà comincia in un altro modo, quello dell’angelo, parte determinante del racconto, resta figura determinante ma parallela agli eventi narrati.
Che vedono Gideon preparare un nuovo spettacolo mentre attorno a lui si muovono tutte le componenti dello spettacolo stesso, dai ballerini ai produttori del film,dal compositore delle musiche per finire con la sua ex moglie, una ballerina che Gideon ha voluto nello spettacolo riservandole un posto di primo piano e sulla quale è stato letteralmente disegnato il copione.
Sempre attraverso il racconto fatto alla dama/angelo, Gideon ripercorre i successi iniziali, che lo portano a fondare una compagnia di ballo di grande successo e nel frattempo racconta la sua vita privata, fatta di un matrimonio e di una figlia.Matrimonio che ben presto entra in crisi a causa proprio della professione e dalla tendenza di Gideon a lasciarsi facilmente sedurre dalla pletora di ballerine e attricette dei suoi spettacoli.
Poi la fortuna,la sorte,presentano il conto:la vita vissuta a tutta velocità ha provocato danni irreversibili al suo cuore.
Così giunto sulla soglia dei 50 anni Gideon si ritrova in ospedale, operato ma anche senza nessuna speranza di guarigione;prima di lasciare il suo corpo mortale l’uomo ha la possibilità di rivedere, in un fantasmagorico musical,tutto quello che di buono (ma anche di negativo) ha fatto nella vita.
Una girandola di volti lo acompagna verso l’ultimo passo, seguito dal sorriso dell’angelo della morte che lo accompagna verso la vita eterna…
Bob Fosse dirige un film fantasmagorico, ridondante,auto celebrativo ma anche profondamente commosso,un testamento spirituale in cui in qualche modo sbeffeggia la morte senza però dimenticare che con essa avrà a che fare i conti.
Bellissimo e appassionante e al tempo stesso nostalgico e romantico, dissacrante ma anche affettuoso All that jazz è un compendio di cose buone ed altre meno buone, ma tutte espresse con un’abilità ed una partecipazione assolutamente straordinarie.
Alle splendide scene di ballo si alternano i dialoghi con l’angelo della morte,le sue visioni del passato si mescolano al presente, i personaggi che più hanno contato nella sua vita non sono fantasmi ma parte di un presente che Fosse/Gideon sente sfuggire inesorabilmente.
Dopo i capolavori Cabaret e Lenny, dopo il folgorante esordio cinematografico avvenuto con Sweet Charity – Una ragazza che voleva essere amata del 1969, successo grazie al quale riuscì a girare Cabaret che gli valse l’Oscar per la miglior regia unitamente ad altri 7 in varie categorie,Fosse si consegna alla storia con un’opera di largo respiro, disorganica eppure terribilmente affascinante e sincera.
Battuto solamente dal film di Benton Kramer contro Kramer, omaggio alla cinematografia più spudoratamente hollywoodiana,All that jazz condivise nel 1980 la sorte del capolavoro di Coppola Apocalypse now, che sicuramente avrebbe meritato la statuetta ben più del film di Benton e che se la sarebbe giocata alla pari con il film di Fosse.
Ma tant’è…
Grazie ad un cast eccellente costruito attorno a Roy Scheider e Jessica Lange, composto da eccellenti ballerini e da ottimi comprimari, Fosse crea un’opera senza tempo e dal fascino straordinario;film tra l’altro molto apprezzato un po ovunque come testimoniano i 4 Oscar e le 5 nomination del 1980 nella notte delle statuette,la prestigiosa Palma d’oro al festival di Cannes e altre nomination in importanti manifestazioni cinematografiche.
Ottimo come dicevo il cast, con un bravissimo e intenso Roy Scheider e una splendida Jessica Lange, l’Angelica del film, la dama in bianco chiaro riferimento all’angelo della morte.
Davvero eccellente la forografia di Giuseppe Rotunno,nominato per l’Oscar di quell’anno e battuto solamente da un altro grande italiano,Vittorio storaro che portò a casa la statuetta per Apocalypse now.
Un film memorabile, quindi, che andrebbe rivisto almeno una volta per apprezzarlo in tutte le sue componenti.
All that Jazz – Lo spettacolo continua
Un film di Bob Fosse. Con Roy Scheider, Jessica Lange, Leland Palmer, Ann Reinking, Cliff Gorman Titolo originale All that Jazz. Drammatico, Ratings: Kids+16, durata 123′ min. – USA 1979.
Roy Scheider: Joe Gideon
Jessica Lange: Angelica
Leland Palmer: Audrey Paris
Ann Reinking: Kate Jagger
Cliff Gorman: Davis Newman
Ben Vereen: O’Connor Flood
Erzsebet Foldi: Michelle Gideon
Michael Tolan: Dr. Ballinger
Max Wright: Joshua Penn
William LeMassena: Jonesy Hecht
Irene Kane: Leslie Perry
Deborah Geffner: Victoria Porter
John Lithgow: Lucas Sergeant
Sue Paul: Stacy
Keith Gordon: Joe Gideon giovane
Sandahl Bergman: ballerina
Manlio De Angelis:Joe Gideon
Emanuela Rossi: Angelica
Rita Savagnone: Audrey Paris
Rossella Izzo: Kate Jagger
Michele Gammino: Davis Newman
Giuppy Izzo: Michelle Gideon
Sandro Iovino: Dr. Ballinger
Piero Tiberi: Joshua Penn
Sergio Fiorentini: Jonesy Hecht
Germana Dominici: Leslie Parry
Paila Pavese: Victoria Porter
Gianni Marzocchi: Lucas Sergeant
Isabella Pasanisi: Stacy
Riccardo Rossi: Joe Gideon giovane
Regia Bob Fosse
Soggetto Robert Alan Aurthur, Bob Fosse
Sceneggiatura Robert Alan Aurthur, Bob Fosse
Fotografia Giuseppe Rotunno
Montaggio Alan Heim
Musiche Ralph Burns
Scenografia Philip Rosenberg
Joe… Da più di tre settimane facciamo straordinari, Joe! I capi mi si stanno mangiando vivo. […] Siamo già due miliardi oltre il costo preventivato… Joe, Dio creò il mondo intero in sei giorni, e senza fare un’ora di straordinari; tu non riesci a montare un film di novanta minuti in sette mesi, e per di più con gli straordinari!
Stare sulla corda è vita. Tutto il resto è attesa.
L’opinione di exitplanetdust dal sito http://www.mymovies.it
Intrigante l’uso del sonoro – e ci mancherebbe, dacché si tratta di un film musicale. In particolare la soggettivazione della percezione acustica, interiorizzata nei personaggi, “psicologizzata”, “focalizzata” nella mente attraverso l’uso di filtri e riverberi. Ciò è patente in talune scene, come quella della prima lettura di un copione, in cui il protagonista principia ad accusare seriamente i sintomi di un grave malessere fisico. Assieme agli inserti di montaggio, le scene in cui Joe discute con la fata-sposa – ma in fondo, con se stesso -, tali soluzioni audio-visive contribuiscono a conferire al film un’inquietante atmosfera allucinata, che ben esprime il disagio di una esistenza costantemente condotta sul filo, priva di valori, caracollante ed eccessiva, viziosa e nichilista, com’è quella che l’ambiente dello spettacolo richiede. Grazie ad un montaggio sapiente, che non risparmia overlapping editing ed intenzionalità concettuali, il limite fra reale e fittizio, vita e rappresentazione, universo diegetico e immaginazione dei personaggi, si assottiglia fino a scomparire, e i piani si compenetrano tanto da risultare indistinguibili. Così anche un evento personale e drammatico, come un intervento chirurgico a cuore aperto, in cui la stessa vita del protagonista è assai a rischio, ottiene la sua trasposizione artistica – ma immaginaria – sulle assi del palcoscenico. Se si riesce a scendere a patti con l’onanismo imperante, il lezioso autocompiacimento autobiografico, ci si ritrova di fronte ad un opera visionaria ed onirica, in cui ogni balletto e rappresentazione ha un preciso valore espressivo e serve a delineare il profilo psicologico ed emotivo di una grande personalità, oltre ad offrire un incisivo spaccato sul mondo frenetico e durissimo, regolato da leggi spietate e disumane, dello show business.
L’opinione di pompiere FI dal sito http://www.filmtv.it
(…) La pellicola è una delle più alte e raffinate riflessioni sulla morte, e insieme un inno alla seducente dinamicità della vita. Un giocare con la falce fienaia, ma senza le prostrazioni bergmaniane, e con una messa in scena colorata, tinteggiata da personaggi brillanti.
L’idea del trapasso viene burlata a più riprese, grazie a stralci ironici di enorme rilievo (il medico che, mentre visita Joe, fuma e tossisce a ripetizione, e la sequenza nella camera d’ospedale subito dopo l’infarto), ma anche rispettata tramite un racconto spesso doloroso ed emotivamente feroce. Registicamente parlando, Fosse non è mai stato così in stato di grazia; le scene del balletto di “Air-otica” e la lettura “sorda” del copione sono idee magistrali di come andrebbe fatto il cinema. (…)
L’opinione di Kovalsky dal sito http://www.filmscoop.it
E’ l'”Otto e mezzo” secondo Bob Fosse: un film straordinario, kitsch, magniloquente, ricco di inventiva e di creatività. Come potrebbe essere diversamente visto che stiamo parlando del più grande ultimo coreografo della storia? Ma è anche e soprattutto, in un’excursus di indimenticabile glamour, la storia e l’immagine di Fosse che cita se stesso, impagabilmente rievocato da Scheider e dalla sua malattia, un attore di grande talento che generalmente stenta a ispirare simpatia.
Più che un musical, un testamento artistico di grande impatto (il suo ultimo vero film, “Star 80”, non era un musical ed effettivamente faceva abbastanza pena)
L’opinione di Giapo dal sito http://www.davinotti.com
Praticamente un’autobiografia di Bob Fosse, che racconta come il proprio successo artistico faccia da contrappunto a una disastrosa vita privata che gira attorno a 3 grandi amori: la moglie, l’amante e la figlia. Roy Scheider è assolutamente straordinario nell’interpretare questa autocritica, girata in modo artisticamente spettacolare grazie a una sceneggiatura ferrea e arguta e a delle ottime musiche coreografate splendidamente che tengono incollato lo spettatore fino alla fantastica, toccante celebrazione finale.
Due ragazzi che si amano
Due vite parallele e due destini che fatalmente si incroceranno cambiando le loro vite per sempre sin dalla prima adolescenza:Paul e Michelle ancora non lo sanno, ma presto si incontreranno casualmente, si ameranno e dovranno lasciarsi perchè il mondo degli adulti ha in serbo per loro, ribelli e indipendenti,l’imposizione del rispetto di regole assurde,scevre da sentimenti e scandite dal politicamente corretto,da quell’insieme di laccetti che stringono mortalmente la società regolando le relazioni tra individui.
Paul è un sedicenne in perenne lotta con il padre, un essere cinico e autoritario, che vorrebbe forgiare il giovane a sua immagine e somiglianza mentre Michelle è una timida ragazza orfana, che ha dovuto convivere suo malgrado con una cugina, sentendosi però un’ospite sgradita.
I due giovani incrociano le loro vite in uno zoo;da quel momento vivono in perfetta simbiosi l’uno con l’altro o anche l’uno per l’altro;i problemi, il senso di frustrazione, l’incomunicabilità con le famiglie diventano una cosa passata.L’amore nasce e sboccia e i due capiscono che è ora di andar via, lontano dagli adulti incapaci di capirli e amarli.
Viaggiano fino in Camargue, trovano un posto remoto, si installano e danno corpo alla loro relazione.
Ma restano pur sempre due adolescenti e ben presto le difficoltà della vita li aggrediscono; ma riescono in qualche modo a tenere vivo il loro amore, coronato dalla nascita di un figlio.
Sarà proprio la nascita del figlio a segnare i loro destini;Paul si reca in paese per acquistare dei beni di prima necessità per il bambino, suscitando i sospetti della impicciona proprietaria del negozio in cui si reca.
Che chiama la polizia con conseguenti indagini sui due ragazzi;sarà l’esecrabile padre di Paul a decidere il futuro delle loro vite….
Due ragazzi che si amano (semplicemente Friends nella versione inglese) è un film di Lewis Gilbert datato 1971.
Un film accolto in modo diametralmente opposto sia dal pubblco sia dalla critica;una parte consistente degli uni e degli altri applaudi senza riserve il film,lodandone sia la trama anticonvenzionale sia l’atmosfera in cui il film stesso era immerso,mentre le critiche principali riguardarono un presunto atteggiamento furbesco del regista, accusato di aver banalizzato una storia d’amore infarcendola di scene erotiche che nascondevano quindi la mera operazione commerciale del film.
In realtà questo genere di critiche è abbastanza ingeneroso; le vituperate scene di sesso sono davvero molto caste, i nudi della splendida e sfortunata Anicee Alvina sono in qualche modo funzionali al film e di scene al calor bianco francamente non c’è traccia.
Troppa severità quindi verso un film che racconta in modo garbato una storia d’amore fra due adolescenti alle prese con un mondo che non solo non li capisce,ma in qualche modo li ripudia.Loro non sono anticonformisti, hippy o contestatori eppure le due famiglie in cui convivono non li amano;il padre di Paul è rappresentato come un uomo egoista, gretto e meschino mentre la famiglia di adozione di Michelle è quasi ostile alla presenza della ragazza.
In questo piccolo universo chiuso i due ragazzi soffocano e la scoperta dell’amore avrà per loro un effetto dirompente.
Un amore puro dapprima e poi sensuale,come del resto è giusto che sia li avvolge e coinvolge.
La loro fuga dalle famiglie e in qualche modo dalla società per vivere in modo totale ed estranenante la loro storia d’amore è però ostacolata dalla loro età.
La sessualità e l’amore sembrano essere un privilegio dei “grandi” e la loro ribellione a questo stato di cose avrà conseguenze purtroppo decisive sulla loro unione, peraltro allietata dalla nascita di un figlio.
Forse l’unico neo del film è rappresentato dalla mancanza di profondità e di analisi dei background dei due adolescenti, del loro rapporto con l’esterno ma in effetti il regista probabilmente non aveva altra intenzione che quella di raccontare sic et simpliciter l’amore, un amore assurdamente proibito dalle convenzioni e dalle leggi.
Il film è delicato, con una bella fotografia e sopratutto permeato dalla bellissima colonna sonora di Elton John, composta con Bernie Taupin;Friends diverrà una vera hit del cantante e funzionerà da trampolino di lancio per il film.
Che purtroppo in Italia arriverà in sordina, per colpa di quelle poche scene di nudo che turberanno i sogni dei nostri censori.
Per dare un’idea della solita, allucinante miopia di molti censori e critici, segnalo la spassosa recensione del Morandini:”Durante una vacanza sboccia l’amore tra giovinetto inglese e orfanella francese. Nasce un bimbo, ma l’orribile padre di lui fa intervenire la polizia. Love story mielosa fino alla nausea che cade spesso nel ridicolo involontario.”
E’ estremamente probabile che il recensore non abbia visto il film,poichè cita una vacanza della quale non esiste traccia nel film;questa è una delle frequenti cadute di stile ( e di credibilità) che hanno spesso fuorviato gli spettatori,indotti a credere una cosa mentre la pellicola in oggetto ne diceva chiaramente un’altra.
Spesso affidarsi alle recensioni di alcuni critici equivaleva (ed equivale ancora) a seguire le indicazioni stradali fidandosi delle pietre miliari romane!
Per quanto riguarda il cast, direi molto bene i due attori protagonisti,Sean Bury e Anicee Alvina;il primo è una vera sorpresa,fresco e ingenuo, spontaneo e istintivamente portato alla recitazione com’è mentre la sfortunata Alvina è ormai una certezza, come del resto dimostrerà nel corso della sua pur breve carriera fatta di una trentina di film quasi tutti interpretati nel decennio settanta.
Il film è assolutamente introvabile in lingua italiana;ho avuto la fortuna di vederlo oltre 40 anni addietro, durante uno di quei cineforum scolastici che permisero a molti giovani dell’epoca di vedere pellicole altrimenti destinate all’oblio.
Due ragazzi che si amano
Un film di Lewis Gilbert. Con Anicée Alvina, Ronald Lewis, Sady Rebbot, Sean Bury Titolo originale Friends. Commedia, durata 102′ min. – Gran Bretagna 1971
Sean Bury … Paul Harrison
Anicée Alvina … Michelle Latour
Ronald Lewis … Padre di Paul Harrison
Toby Robins … La signora Gardner
Joan Hickson …La donna della libreria
Pascale Roberts … Annie
Sady Rebbot … Pierre
Regia: Lewis Gilbert
Sceneggiatura: Lewis Gilbert,Vernon Harris e Jack Russell
Produzione: Lewis Gilbert e Geoffrey Helman
Fotografia:Andréas Winding
Montaggio:Anne V. Coates
Art Direction :Marc Frédérix
Costume Design ;Jeanine Herrly
Musicarello,che passione
Sono passati quasi 15 anni dalla fine della guerra;gli italiani si sono lasciati alle spalle i lutti e le devastazioni, la ricostruzione del paese è ormai a buon punto e il paese si avvia verso il boom economico.
Una stagione straordinaria, in cui il paese trova un benessere diffuso attraverso il lavoro, con un entusiasmo che porterà ogni italiano ad avere i simboli di quel benessere, dall’auto all’elettrodomestico. Ovviamente non mancheranno le ombre e difatti il paese pagherà quei 5-6 anni di straordinaria fioritura con problemi che esploderanno dei decenni settanta.
Ma è un’altra storia,siamo sul finire degli anni 50 e gli italiani hanno scoperto la voglia di divertirsi grazie ai primi apparecchi tv, alla diffusione ormai massiccia della radio e dei dischi, che allietano le le serate nelle balere e lungo i mille locali che spuntano un po dappertutto.
In questi locali la fanno da padrone i jukebox,oltre alle piccole orchestrine o ai cantanti semi sconosciuti che tentano la difficile scalata al successo;ma il vero, grande protagonista diventa il disco,con le sue note magiche che si levano quando la puntina tocca i solchi del vinile.
Ma un disco ha bisogno di diffusione, la radio o gli spettacoli non bastano mentre la tv non è ancora presente massicciamente e si limita a trasmettere per poche ore e su un solo canale.
Così il cinema arriva in qualche modo in soccorso creando un ibrido tra il visivo e il sonoro che conoscerà una felice stagione durata almeno 13 anni e conosciuta come l’epoca del musicarello.
Il musicarello è quindi a tutti gli effetti un film con dei particolari protagonisti,sono i re del juke box, i cantanti più popolari presso il grande pubblico che non solo sfruttano il successo dei loro brani, ma ben presto utilizzano questo particolare genere cinematografico per far conoscere i brani che presto entreranno nei loro 33 giri, che iniziano a conoscere un buon successo.
Laura Efrikian,una delle eroine dei musicarelli in Se non avessi più te
Totò e Rita Pavone in Rita la figlia americana
Il primo, vero musicarello tradizionale può essere definito I ragazzi del juke-box (1959) di Lucio Fulci,con protagonisti Tony Dallara, Betty Curtis, Fred Buscaglione, Mario Carotenuto, Adriano Celentano.
In realtà c’erano stati molti film,antecedentemente, a utilizzare la presenza di cantanti di successo che lanciavano la loro canzone più famosa (che spesso dava il titolo al film), con costruita attorno una storia spesso molto semplice che vedeva il giovane cantante innamorato con più o meno speranze della bella di turno, ostacolato nel suo amore da innumerevoli problemi.
Questi antesignani del musicarello diverranno famosi come “musicarelli melodici”, vista la presenza nei cast di cantanti come Claudio Villa,Giacomo Rondinella, Alberto Rabagliati,Luciano Tajoli ecc.ma in realtà il musicarello canonico nasce come già detto sul finire del 1959.
La cantante francese Francoise Hardy in I ragazzi dell’Hully Gully
Il prodotto diventa immediatamente popolarissimo, tanto che molti attori di grande valore non disdegnano di partecipare alle varie produzioni; si va da Toto a Peppino De Filippo,da Erminio Macario a Nino Taranto,da Terence Hill a Giancarlo Giannini,Franco Franchi e Ciccio Ingrassia mentre molti valenti registi si cimentano con questo particolare genere.Uno dei più attivi risulterà alla fine Ettore M. Fizzarotti che ne girerà ben 13, mentre Fulci si limiterà a 3, mentre scorrendo i nomi dei vari registi troviamo Bruno Corbucci,Mariano Laurenti,Duccio Tessari, Lina Wertmüller,Mario Amendola ecc.
Come si vede, il genere musicarello era tutt’altro che snobbato dai grandi nomi, anche se la critica generalmente storceva il naso e commentava con sarcasmo l’uscita di ogni pellicola a sfondo musicale mentre i cantanti, vere star di queste produzioni,accettavano con entusiasmo anche filmetti dozzinali e buttati giù in fretta e furia pur di veicolare le loro canzoni e perchè no per raggranellare i lauti cachet proposti per la loro partecipazione.
Alla fine,quando il fenomeno del musicarello sarà completamente esaurito,si conteranno all’incirca un centinaio di produzioni del genere, che tramonterà definitivamente nella prima metà degli anni settanta.
Vediamo ora alcun titoli di musicarelli molto popolari durante gli anni 60:
– Appuntamento a Ischia (1960) di Mario Mattoli – con Domenico Modugno, Maria Letizia Gazzoni, Mina, Antonella Lualdi, Carlo Croccolo
Nell’isola verde,una bambina figlia di un cantante vedovo (Domenico Modugno) tenta in tutti i modi che il padre convoli a nuove nozze con la donna che ama e cerca di farlo fidanzare con la bella Antonella Lualdi.
Nel film sono presenti, tra l’altro Una zebra a pois cantata da Mina e Vecchio frack da Domenico Modugno
Mina nel musicarello Appuntamento ad Ischia
Domenico Modugno nello stesso film
–Una lacrima sul viso (1964) di Ettore M. Fizzarotti – con Bobby Solo, Laura Efrikian, Nino Taranto, Lucy D’Albert
Un cantante italo americano si innamora della figlia di un maestro di musica che detesta a musica dei giovani;ad ostacolare la loro unione c’è anche un’amica della fidanzata del cantante ma alla fine l’amore tra i ragazzi avrà la meglio
Ovviamente la canzone più importante è quella che da il titolo al film, cantata daBobby Solo;è anche uno dei tanti musicarelli interpretati da Laura Efrikian,la futura signora Morandi.
Bobby Solo,Nino Taranto e Laura Efrikian in Una lacrima sul viso
–In ginocchio da te (1964) di Ettore M. Fizzarotti – con Gianni Morandi, Laura Efrikian, Margaret Lee, Nino Taranto
Tradizionale storia d’amore tra un cantante che fa il militare,la figlia del suo maresciallo con tanto di terza incomoda.Ma l’amore al solito è sovrano.
Durante la lavorazione di questo film nasce la storia d’amore tra la Efrikian e Morandi che sfocerà due anni più tardi nel matrimonio;Gianni Morandi canta la canzone che da il titolo al film oltre a Fatti mandare dalla mamma a prendere il latte,Non son degno di te,Ho chiuso le finestre,In ginocchio da te
Nino Taranto
Laura Efrikian e Gianni Morandi in In ginocchio da te
– Rita la zanzara (1966) di Lina Wertmüller – con Rita Pavone, Giancarlo Giannini, Bice Valori, Turi Ferro
Amore unilaterale per una studentessa ribelle,che non è corrisposta dal suo maestro di musica, che ditero l’apparente serietà nasconde una doppia vita.l’uomo infatti è un cantante beat e alla fine la ragazza otterrà il cuore del suo insegnante.
La Pavone amoreggia con Giannini, mentre nel cast troviamo il futuro marito della Pavone, Teddy Reno,una giovanissima Milena Vukotic, Paolo Panelli e Bice Valori, Gino Bramieri.
Rita Pavone in Rita la zanzara
–Perdono (1966) di Ettore M. Fizzarotti – con Caterina Caselli, Fabrizio Moroni, Laura Efrikian, Nino Taranto
Una ragazza diventa una cantante di successo, ma deve rinunciare all’amore perchè l’uomo che scoprirà di amare è il fidanzato della sua migliore amica.
Caterina Caselli canta,sul finire del film, il suo grande successo che da il titolo al film, oltre alle hit Cento giorni,L’uomo d’oro e a Tutto nero,cover della celebre Paint it black degli Stones.Nel cast Gino Bramieri e Marisa Del Frate,Carlo Croccolo e Carlo Croccolo
Laura Efrikian e Caterina Caselli in Perdono
–Nel sole (1967) di Aldo Grimaldi – con Al Bano, Romina Power, Linda Christian, Carlo Giordana, Nino Taranto, Franco e Ciccio
Carlo (Albano),un giovane studente si innamora della bella e ricca Lorena (Romina Power) e per conquistarla finge di essere un ricco nullafacente, aiutato nella sua finzione da Franco e Ciccio.
Galeotto fu il film e qui nasce la storia d’amore che durerà quasi trent’anni fra il cantante pugliese e la figlia del grande Tyrone Power e dell’attrice Linda Christian;il cantante di Cellino ovviamente canta il suo più grande successo,nel cast numerosi caratteristi,oltre alla mamma della Power e cioè la splendida Helene Chanel,oltre a Nino Taranto,Enrico Montesano, Franchi e Ingrassia e la cantante/attrice Loretta Goggi.
Romina Power e Albano in Nel sole
Romina Power
–I ragazzi di Bandiera Gialla (1967) di Mariano Laurenti – con Gianni Pettenati, Gianni Boncompagni, Lucio Dalla, Patty Pravo
Amori e tradimenti di due ragazzi e di una ragazza, che avrà la fortuna di diventare famosa grazie a Boncompagni e alla sua fortunata trasmissione Bandiera gialla.
Molti beniamini del pubblico medio,come Marisa Sannia e Gianni Pettenati e beniamini dei più giovani come Ricky Shayne,Lucio dalla,I Primitives e attori come Riccardo Garrone e Toni Ucci.Cameo di un giovanissimo e altrettanto sconosciuto Renato Zero.
Riccardo Garrone,Marisa Sannia e Gianni Pettenati in I ragazzi di Bandiera Gialla
Lucio Dalla
–Pensiero d’amore (1969) di Mario Amendola – con Mal, Silvia Dionisio, Angela Luce, Pietro De Vico, Pippo Franco
Reg,un giovane inglese conosce Paola, fidanzata di Leone, un giovane che ha conosciuto casualmente.
I due scoprono di amarsi ma il loro amore sarà messo a dura prova.
Mal ex Primitives canta la sua canzone più famosa, si innamora della bellissima Silvia Dionisio e mostra che il cinema non era davvero una via praticabile per lui.
Silvia Dionisio in Pensiero d’amore
–Quelli belli… siamo noi (1970) di Giorgio Mariuzzo – con Maurizio Arcieri, Orchidea De Santis, Lino Banfi, Carlo Dapporto, Loredana Berté, Isabella Biagini
Tradizionale storia d’amore tormentata fra Maurizio e Elisabetta;lui è un meccanico con l’hobby della musica, lei la figlia del barbiere.Il padre di lui, siciliano,l’ha promessa sposa ad un altro ma alla fine l’amore trionfa grazie al successo che avrà Maurizio che canterà una canzone del futuro suocero.
Il cantante dei New Dada Maurizio Arcieri, la bellissima Orchidea De Santis e la presenza nel cast di una giovane Loredana Bertè sono alcuni elementi di curiosità del film, uno degli ultimi musicarelli di successo.
Orchidea De Santis,Carlo Dapporto e Maurizio Arcieri in Quelli belli… siamo noi
–Dio, come ti amo! (1966) di Miguel Iglesias – con Gigliola Cinquetti, Mark Damon, Micaela Cendali, Antonio Mayans,Trini Alonso
Storia di una nuotatrice italiana (Gigliola Cinquetti) che salva la vita ad una ragazza spagnola,ne diventa amica e conosce il fidanzato di quest’ultima, Luis,del quale ovviamente si innamora.Girandola di equivoci e classico happy end.
Dal successo sanremese cantato in coppia con Domenico Modugno,la Cinquetti passa al cinema con risultati davvero modesti.Ancora una volta presente Nino Taranto e c’è anche Raimondo Vianello.
Gigliola Cinquetti nel film Dio come ti amo
–Quando dico che ti amo (1967) di Giorgio Bianchi – con Tony Renis, Lola Falana, Alida Chelli, Annarita Spinaci, Enzo Jannacci, Lucio Dalla, Caterina Caselli
Parata di vedette della canzone con protagonista un cantante non ancora affermato che si consola facendo il don Giovanni;ma si innamorerà di Sandra e dopo una brutta avventura perderà la sua smania di fare il bellimbusto e impalmerà la bella Sandra.
Tony è Tony Renis, Sandra una bella Alida Chelli; il titolo è preso dal successo di Renis e di Annarita Spinaci mentre Jannacci canta E purtava i scarp del tennis.
Tony Renis in Quando dico che ti amo
Lola Falana in Quando dico che ti amo
–Lisa dagli occhi blu (1970) di Bruno Corbucci – con Mario Tessuto, Silvia Dionisio, Vittorio Congia, Piero Mazzarella, Mario Carotenuto
Ancora una volta una storia d’amore fra uno studente povero in canna e una ricchissima ragazza,per il quale il padre sogna ben altro avvenire.
Il titolo del film è quello del grande successo di Mario Tessuto, quel Lisa dagli occhi blu che sarà una delle colonne sonore più importanti del decennio sessanta.Nella parte di Lisa troviamo una splendida Silvia Dionisio, ormai una presenza fissa dei musicarelli mentre Tessuto ne approfitta per cantare canzoni che nessuno ricorda più.Nel cast moltissimi protagonisti dei musicarelli, il solito Taranto,Franco e Ciccio,Carlo Dapporto e Peppino De Filippo, Gino Bramieri,Lino Banfi e Macario.
Lisa dagli occhi blu
–Lacrime d’amore (1970) di Mario Amendola – con Mal, Silvia Dionisio, Francesco Mulè, Ferruccio Amendola, Carlo Delle Piane
Per una volta il titolo è estraneo al successo del momento e nella trama troviamo Mal (che interpreta Reg) felicemente sposato con la bella Paola (Silvia Dionisio) Un banale equivoco fa dubitare a Reg dell’amore della moglie e per lui ci saranno gai ancora una volta per un equivoco che lo porterà ad essere sospettato di traffico di droga.Happy end con bimbo in arrivo.
Si ricostituisce la coppia Mal-Silvia Dionisio, sempre più bella;è un musicarello del tramonto, quando ormai il genere aveva segnato il passo.
Silvia Dionisio e Mal in Lacrime d’amore
–Vacanze sulla Costa Smeralda (1968) di Ruggero Deodato – con Little Tony, Silvia Dionisio, Ferruccio Amendola, Francesco Mulè, Tamara Baroni
In sardegna due albergatori concorrenti cercano in ogni modo di attrarre clientela per i loro alberghi;ma sara un cantante (Little Tony) a riapacificare i due perchè si innamorerà della figlia di uno dei due rivali.
Questa volta il cantante è Little Tonyche canta i suoi successi Cuore matto e Prega prega mentre la bella di turno è Silvia Dionisio che sul set si innamora del regista del film Deodato che sposerà poco più tardi.Nel cast figura la splendida Femi Benussi
Little Tony in Vacanze sulla Costa Smeralda
Silvia Dionisio in Vacanze sulla Costa Smeralda
–Il ragazzo che sorride (1968) di Aldo Grimaldi – con Al Bano, Rocky Roberts, Susanna Martinkova, Riccardo Garrone
Trama insolita per un musicarello che vede protagonisti la coppia Albano-Power;nel film i due sono sposati ma non possono avere figli.Convinto che la moglie lo tradisca lui scopre che in realtà la moglie è seguita da un ginecologo e alla fine i due potranno coronare il sogno di avere un fil.
Trasferta africana per Albano e la Power;il titolo è pari pari un successo musicale del cantante leccese,nel cast oltre agli immancabili Carlo Taranto e Nino Taranto troviamo Yvonne Sanson
Rocky Roberts in Il ragazzo che sorride
–Lady Barbara (1970) di Mario Amendola – con Paola Tedesco, Renato dei Profeti, Carlo Delle Piane, Pietro De Vico, Rosita Toros
Dal grande successo di Renato Brioschi,leader dei Profeti,Mario Amendola mutua il titolo raccontando la storia di un attore con segrete brame di successo in campo musicale che si innamora di una ragazza inglese.Ma la famiglia di lei sogna un altro avvenire e quando Barbara scopre che lui è sposato (è falso, ma le hanno fatto credere il contrario) torna a casa e sposa l’uomo che la famiglia ha scelto per lei.Un terribile incidente coinvolge il neo marito e quando quest’ultimo scoprirà che la moglie non ha mai smesso d’amare Renato,la lascerà libera di andare.
Una bellissima Paola Tedesco divide la scena con Renato Brioschi in uno degli ultimi musicarelli, mentre nel cast troviamo Rosita Torosch e Carla Mancini.
Renato Brioschi e Paola Tedesco in Lady Barbara
–Zingara (1969) di Mariano Laurenti – con Bobby Solo, Loretta Goggi, Pippo Franco
Il grande successo di Zingara, la vittoria a Sanremo portano il regista Laurenti a scrivere in fretta e furia un film tagliato su misura per Bobby Solo,che canta il brano omonimo nel film.Tradizionale storia d’amore con happy end e segnalazione per la presenza di Loretta Goggi insolitamente con i capelli neri;nel cast anche Pippo Franco e la soubrette Minnie Minoprio.Bobby Solo canta anche Siesta,Una granita di limone mentre Non c’è più niente da fare si ascolta da un registratore e Se piangi, se ridi da un juke box.
Bobby Solo e Loretta Goggi in Zingara
–Il suo nome è Donna Rosa (1969) di Ettore M.Fizzarotti – con Al Bano, Romina Power, Dolores Palumbo, Enzo Cannavale
Ancora una storia d’amore, questa volta tra due giovani che si conoscono in maniera traumatica;ma accanto alla loro c’è spazio per la love story tra il padre della ragazza e una nobil donna.
Sempre protagonisti il duo Albano-Power per un film costruito attorno ad una soundtrack di canzoni napoletane e di successi come Mattino, che canta Albano,Donna Rosa cantata da Nino Taranto e Messaggio cantata da Romina Power.
Nel cast compare la piccola Nicoletta Elmi.
La coppia Albano e Romina Power in Il suo nome è donna Rosa
Sul finire degli anni 60 il fenomeno del musicarello si consuma quasi di colpo;la voglia di svago e di divertimento c’è ancora ma il paese sta cambiando velocemente.L’autunno caldo, la strage di piazza Fontana,la crisi economica sempre più vistosa stanno creando le basi per gli anni di piombo.Nel frattempo la tv ha raggiunto tutto il paese e la musica è ora fruibile in modo più massiccio.la gente acquista sempre più album e sempre meno 45 giri,mentre il musicarello,con le sue trame ingenue sta lasciando il posto a nuovi generi cinematografici, strutturati in modo più complesso, come il thriller,il giallo, il western spaghetti.
Canzoni nel mondo
Urlatori alla sbarra
I ragazzi del jukebox
Ci sarà comunque spazio per una nuova,effimera stagione del musicarello, dapprima in ambito esclusivamente regionale e in seguito in diffusione nazionale grazie al cantante Nino D’Angelo,attorno al quale verranno costruiti sette film di stampo neomelodico, ovvero L’ave maria (1982) di Nini Grassia,L’ammiratrice (1983) di Romano Scandariato,La discoteca (1983) di Mariano Laurenti,Un jeans e una maglietta (1983) di Mariano Laurenti,Uno scugnizzo a New York (1984) di Mariano Laurenti,Popcorn e patatine (1985) di Mariano Laurenti e Fotoromanzo (1986) di Mariano Laurenti.Sono gli ultimi bagliori di una stagione da guardare con simpatia, emblemi di un’Italia allegra e spensierata prima, triste e preoccupata poi.
Un centinaio di film che non hanno lasciato certo una traccia significativa, ma che hanno tenuto compagnia a tante serate degli italiani.
Gli anni dei lacrima (lagrima) movie
Prima di analizzare il fenomeno dei “lacrima” mi sembra giusto avvertire il gentile lettore che l’apparente cinismo delle mie parole è in realtà frutto di un’ironia “macabra” atta ad esorcizzare il malumore che tali film possono procurare. Mi auguro che questo mio particolare stato d’animo possa essere compreso.
Com’è capitato con altri generi cinematografici, non posso che constatare che solo in un paese complesso e straordinario come il nostro si poteva pensare di imbastire decine di film sulle sfortune e sulla morte e nello stesso qual tempo produrre film dalla comicità greve e demenziale: gli anni settanta dell’Italia sono straordinari anche per questo.
I “lacrima” hanno storie e finali risaputi, spesso scontati; tuttavia avviso ugualmente che, al fine dell’analisi, anticipo alcuni finali dei film elencati. Chi conosce il genere capirà che non avrei potuto fare altrimenti.
Nota del 11 novembre 2014:
Questo articolo è stato redatto da markus per conto del sito http://www.davinotti.com;per un errore è stato attribuito ad altra fonte.Me ne scuso con il vero autore il cui articolo integrale può essere letto sul sito http://www.davinotti.com all’indirizzo http://www.davinotti.com/index.php?option=com_content&task=view&id=175
LE CAUSE E IL SUO “DNA”
Siamo negli anni settanta, il terrorismo ha preso il sopravvento, la gente ha paura, gli scanzonati anni sessanta con “le pinne il fucile e gli occhiali” e “le colline in fiore” sono ormai un ricordo lontano… il mondo è in gran parte sotto dittature sanguinarie, nei giornali si leggono titoli che parlano di morte, di bombe, di centri di tortura cileni… Insomma l’aria è decisamente cambiata già a partire dal 1968 (infatti – è bene chiarire – quando parlo di anni settanta io considero il decennio dal 1968 al 1977/78, mentre gli ultimissimi anni settanta, fino all’81/’82, sono quelli del “riflusso”).
In questo periodo il cinema italiano si cimenta brillantemente nei generi… di tutti i generi! E tra questi, visto il senso di sconforto che serpeggia tra tutti, i produttori rispolverano romanzi e sceneggiature che possano parlare di buoni sentimenti strizzando l’occhio alla voglia di sensazionalismo. Il cinema italiano contava già un certo numero di film per i quali si poteva parlare di “lacrima-movie” e tra tutti è evidente che Incompreso (1966, regia di Luigi Comencini) è il capostipite del genere.
Il “lacrima-movie” necessita (ce l’ha quasi nel suo dna) di una morte, meglio se a seguito di una malattia. Il non plus ultra è il naturale aggrapparsi alla vita del malcapitato: lo spettatore scaltro sa già che il poveretto non avrà scampo (in fondo la storia è sempre quella…), ma la “casalinga di Voghera” no, lei piangerà al pensiero che il “pargolo” (l’ipotetico figlio) potrebbe anche farcela. Accanto, il marito sbuffa pensando ai risultati di calcio e forse alla giovane amante…
FILM PIU’ SIGNIFICATIVI
Il “lacrima” spesso si divide in sottogeneri. Nella stragrande maggioranza dei casi vi si narra la malattia e la morte di un bambino, spesso aggravata dal dramma dei genitori assenti; in altri casi è invece la moglie che muore, con un marito o una famiglia che non si accorge del male; in altri ancora è l’innamoramento ad essere ucciso, per motivi spesso forzati (o meglio raffazzonati!).
Ecco una breve lista esemplificativa:
• Incompreso – Vita col figlio (1966): il bambino agonizza a causa di un incidente mentre il padre è stato fino ad allora completamente assente, pensando solo al suo lavoro di successo e dando per scontato che il figlio “ormai è un ometto”… Evidentemente si sbagliava!
Incompreso,vita col figlio
• L’ultima neve di primavera (1973): il pargoletto muore sfiancato dal brutto male nelle braccia dell’affascinante padre, il quale è sempre stato assente e capisce che ormai è troppo tardi per riparare… lasciando in lui il tormento per l’errore compiuto.
Due fotogrammi tratti da L’ultima neve di primavera
• Bianchi cavalli d’agosto (1974): un raro caso in cui nel finale il bambino viene risparmiato dalla morte. Lo si fa comunque agonizzare quanto basta per strappare le dovute lacrime… Un passo falso, a mio avviso.
Jean Seberg in Bianchi cavalli d’agosto
• La bellissima estate (1974): questa volta c’è una doppia morte: quella del padre a causa di un incidente in formula 1 (inizialmente all’insaputa del figlio) e quella del fanciullo che, disperato, cerca di emulare il padre per raggiungerlo lassù… Straziante. La madre al capezzale può soltanto piangere sul corpo deturpato del figlio; la famiglia è distrutta.
Due fotogrammi tratti da La bellissima estate; nel secondo l’attrice Senta Berger
• Ancora una volta… a Venezia (1974): un insieme di tragedie: la morte, la famiglia sfasciata, un amore non più possibile, ma vediamoci ancora una volta… a Venezia!
• L’albero dalle foglie rosa (1975): il bambino scappa da una famiglia ormai distrutta dal divorzio e che non lo accetta; il padre non può lasciarlo, ma un’auto lo travolgerà e porrà fine al delirio. Il pargoletto, ancora in forze, abbraccerà il tronco di un pesco tanto per intonare la sua ultima inutile preghiera… e lo spettatore bramoso lo sa..
Renato Cestè in L’albero dalle foglie rosa
• Il venditore di palloncini (1975): questa volta è l’anemia mortale a incombere sul piccino. Uno spettacolo improvvisato del venditore di palloncini allieterà gli ultimi istanti di vita del “condannato”.
Il venditore di palloncini
• Piange… il telefono (1975): un uomo di mezz’età torna dalla ex moglie per conoscere una figlia che non ha mai visto. Potrebbe essere l’inizio di una nuova vita, di una famiglia tutta per lui, ma la sorte ha in serbo una tragica sorpresa…
Domenico Modugno,interprete di Piange il telefono
Francesca Guadagno dallo stesso film
• Il maestro di violino (1976): l’indimenticato Modugno torna nei panni dell’affascinante cinquantenne in questo film in cui si racconta la storia d’amore impossibile tra lui e una ragazzina: una sorta di inno alla pedofilia!
Domenico Modugno e Rena Niehaus in due sequenze tratte da Il maestro di violino
• Per amore (1976): in questo caso a “lasciarci le penne” è la moglie di un uomo che, mentre lei agonizza, se la spassa con la bella Janet Agren (come dargli torto…)
Janet Agren nel rarissimo Per amore
• Dedicato a una stella (1976): una ragazza nel fior fiore degli anni è gravemente malata di leucemia e trascorre l’ultimo periodo della propria corta vita con un musicista fallito che saprà capirla…
Una giovane e bella Pamela Villoresi in Dedicato a una stella
• L’ultimo sapore dell’aria (1978): un ragazzino entusiasta della vita e dello sport (nuoto, che pratica con rara tenacia), ha la sfortuna di essere puntato dal dito della malasorte: una rara malattia mortale incombe. Quando lo spettatore vede il pubblico in piedi che applaude al bambino che nuota, sa che di li a poco morirà… il regista Deodato l’ha già sentenziato e morte sia!
Fotogramma tratto da L’ultimo sapore dell’aria
• Questo si che è amore (1978): in questo caso il bambino è consapevole della sua malattia: “i medici lo hanno detto, è già tanto se arriverò a dieci anni…”, ma malgrado ciò si aggrappa alla vita inutilmente, tentando di salvare il matrimonio in grave crisi dei genitori… Una doppia disgrazia insomma, mi pare giusto!
Sven Valsecchi in Questo si che è amore
• Stringimi forte papà (1978): un’intricata vicenda di sentimenti e famiglie sfasciate ambientata in un circo. Ma la morte del padre acquisito del bambino (che ancora rimpiange il defunto papà originario), saprà conquistare cuore del piccolo.
Stringimi forte papà
• Eutanasia di amore (1978): in questo caso a morire è l’amore, o meglio viene praticata un’eutanasia all’amore (il titolo in realtà racconta già il film…) tra un cinquantenne ed una giovane che vuole avere un figlio. Seppur manchi la morte fisica, il regista Enrico Maria Salerno è capace di strapparci qualche sana lacrima grazie all’ottimo mix dimusiche suggestive e inquadrature da cartolina (d’altronde otto anni prima aveva fatto un’operazione simile con Anonimo veneziano, 1970).
• Profumi e balocchi (1980): questa volta è una bambina a morire, scappando da un collegio dove è stata rinchiusa e colpita da una broncopolmonite; i genitori (ma soprattutto la madre) posano l’ipotetico flacone di profumo sul suo tavolino dei trucchi per dedicarsi alla figlia, ma giustamente è troppo tardi…
LA CRISI
Con il periodo del riflusso l’Italia ha voglia di togliersi di dosso i problemi, il terrorismo, il grigiore di anni tremendi sotto molti aspetti; Il pubblico non ne può più della paura di uscire e di lagnarsi di problemi virtuali per non pensare ai propri. Nello stesso qual tempo, nei cinema si proietta con gran successo La febbre del sabato sera (1977, ma uscito in Italia nel 1978), nelle radio impazza la disco, le tv private sempre più colorate e giovani impongono modelli di vita alternativa a quanto offerto sino ad allora: tutti possono essere belli, tutti possono gioire della vita e dei beni materiali.
In un simile contesto il “lacrima” non ha più ragion d’essere (e d’altronde agli inizi degli anni ottanta si era raggiunta una saturazione…): che aggiungere di nuovo al genere? Sì certo, qualcosa è stato fatto ancora (un titolo per tutti Le ultime foglie d’autunno,1988), ma siamo decisamente fuori tempo massimo e gli esiti al botteghino lo confermano.
KZ9 Lager di sterminio
La seconda guerra mondiale ha ormai un indirizzo ben preciso:le truppe naziste hanno conosciuto l’onta della confitta su vari campi, in Europa.
Ma nel campo di prigionia di Ronshausen la guerra sembra lontana; un gruppo di prigioniere di varie nazionalità viene condotto nel lager per essere usate come cavie nei folli esperimenti del dottor Wieker.
Tra le prigioniere ci sono la dottoressa Prik,ebrea e la bella Cristina;la prima finirà per essere destinata al gabinetto medico in cui avvengono i folli esperimenti, la seconda dovrà guardarsi dalle attenzioni saffiche della kapò Marta.
La vita nel lager è un inferno; oltre a dover subire un trattamento umiliante, ad essere schiavizzate e brutalizzate in ogni modo le prigioniere devono sottostare ai capricci del dottor Wieker, che dispone delle loro vite utilizzandole in esperimenti senza alcun fondamento scientifico.
Trapianti di organi, esperimenti di congelamento, studi sui gas tossici;il dottor Wieker,con la collaborazione del dottore ebreo Meiser,costretto suo malgrado ad assistere alle follie di Wieker,sperimenta crudelmente le sue idee con risultati assolutamente scadenti.
Giovanni Attanasio e Lorraine De Selle
Al centro, Ria De Simone
Tra Meiser e Christine nasce una storia d’amore e i due tentano un’impossibile fuga che finirà con la cattura e l’impiccagione nel campo.
Ma ormai la guerra e al termine e in lontananza di odono i cannoni sovietici; così Wieker,radunate le prigioniere in un capannone, le fa uccidere sommariamente. All’esecuzione non sfugge nessuno, nemmeno la kapo Marta.
Le prove del genocidio sono così distrutte ma Wiekler non sopravviverà abbastanza per sfuggire alle sue colpe….
KZ9 – Lager di sterminio (o anche Women’s Camp 119 e SS Extermination Camp nelle version i per il mercato estero) è un nazisploitation o se preferite un eros-svastica che è una sorta di compendio di tutti i topos di questo particolare genere cinematografico:si va dalle immancabili torture di ogni genere sulle sventurate prigioniere di turno alla presenza del medico folle,nel quale non è difficile riconoscere un riferimento alla figura sinistra di Mengele, l’angelo della morte di Auschwitz.
Che purtroppo, a differenza di quello che accade nel film, non morì nel campo ma riuscì a fuggire e a vivere libero e indisturbato fino al giorno della sua morte.
Altri topos classici sono la nascita della storia d’amore con finale tragico tra due prigionieri,la presenza della kapò crudele e lesbica, il sonderkommando composto da ebrei prigionieri che per aver salva la vita fungevano da giustizieri dei prigionieri.
Quello che differenzia il film dalle produzioni precedenti è la presenza di una carica inusuale di violenza, che costò al regista e al film una pesante censura oltre ad un’unanime valanga di critiche;dopo aver girato Casa privata per le SS, decisamente più leggero e più virato verso l’erotico,Bruno Mattei provò a fare sul serio, con esiti incerti.
Un film sugli orrori dei campi di concentramento è quanto di più difficile da realizzare;qualsiasi ricostruzione risente purtroppo dell’inadeguatezza di quanto raccontato visivamente rispetto alla reale portata degli avvenimenti.
L’orrore dei lager, testimoniato da alcuni documentari girati dalle truppe americane e che portarono a conoscenza del mondo la drammatica realtà della Shoah, è solo purtroppo un frammento di quanto realmente accadde.
Mattei usa poco l’erotismo, utilizzandolo solo in un paio di casi, illustrando la relazione tra i due prigionieri o nel rapporto saffico tra la kapò e la prigioniera;utilizza però in modo massiccio il nudo femminile per mostrare la crudeltà gratuita del protagonista con sequenze shock che finirono comunque quasi del tutto purgate nella versione approvata dalla censura.Nella stesura cinematografica visionata nelle sale mancano infatti almeno dieci minuti di scene,quelle probabilmente più crude.
Il film ha una sua tensione e drammaticità che vanno riconosciute al regista romano, scomparso nel 2007;la scelta del cast, che comprende diversi caratteristi del cinema italiano spazia dalla presenza di Staccioli, ormai legato indissolubilmente alle fiure di capi o ufficiali nazisti a quelle di Ria De Simone,la crudele Kapò o a quella di Sonia Viviani, bella come al solito e tutto sommato credibile o ancora di Lorraine De Selle, nel ruolo di una prigioniera.Presente ancora una volta Marina Daunia, una volta tanto dalla parte delle vittime nel ruolo di una prigioniera ebrea.
L’altra caratteristica segnalata è la sua estrema rudezza;ancora una volta,però,va segnalata l’incoerenza di fondo di questi prodotti, che dietro l’idea di fungere da documenti sulla ferocia nazista nei lager, finiscono sempre per tramutarsi in opere a sfondo (tra l’altro mal celato) erotico o voyeuristico.Siamo lontani anni luce da opere rigorose come Stalag 17, purtroppo.
Su youtube è presente la versione francese del film,che dovrebbe essere quella UNCUT e priva di tagli;l’indirizzo per visionare il film è https://www.youtube.com/watch?v=ja6gJ6vDArc
KZ9 lager di sterminio
un film di Bruno Mattei,con Ivano Staccioli,Sonia Viviani,Ria De Simone,Gabriele Carrara,Marina Daunia,Lorraine De Selle.Drammatico/erotico Italia 1977 Durata 100 minuti
Gabriele Carrara: Oberleutnant Otto Ohlendorff
Ivano Staccioli: Comandante Wieker
Lorraine De Selle: Maria black
Ria De Simone: Kapo Marta
Sonia Viviani: Cristina
Giovanni Attanasio: Kurt
Marina Daunia: Prigioniera ebrea
Gota Gobert: Kapo
Regia Bruno Mattei
Soggetto Bruno Mattei
Sceneggiatura Giacinto Bonacquisti, Aureliano Luppi, Bruno Mattei
Produttore Marcello Berni, Tommy Polgár (esecutivo)
Casa di produzione Three stars 76
Fotografia Luigi Ciccarese
Montaggio Vincenzo Vanni
Musiche Alessandro Alessandroni
Scenografia Marco Calloppi
Costumi Massimo Galloppi, Franca Celli
Trucco Marcello Di Paolo, Lidia Fatigati
L’opinione di Undjing dal sito http://www.davinotti.com
Mattei filma una serie di aberranti e “amorali” scene di violenza gratuita, condita da un linguaggio saporito e “sporco” almeno quanto il contesto (un lager). Il film gode di una morbosa e fasulla “morale” (il veloce redde rationem in chiusa): gli autori del film, come Ponzio Pilato, se ne lavano le mani. Più che all’erotismo, siamo di fronte ad un horror totale, reso credibile dalle interpretazioni (Lorraine De Selle che canta, prima dell’impiccaggione, Israel). Ottima la colonna sonora.
L’opinione del sito http://www.filmhorror.com
(…)K.Z.9. LAGER DI STERMINIO è senza ombra di dubbio il più pazzesco e violento film di Mattei. Non solo, è anche il nazi-erotico più cattivo e impressionante mai realizzato. Dall’inizio alla fine non c’è tregua: ebree picchiate, vivisezionate, smembrate, violentate, umiliate. Le donne sono trattate come rifiuti umani, alla mercé di una schiera di malati di mente che godono nel farne scempio.
Diverse le presenze all’interno del film che, nel bene e nel male, riescono a lasciare il segno dopo la visione di questa follia su celluloide: Lorraine De Selle e Marina Daunia spiccano per la loro bellezza, Ivano Staccioli è convincente nella parte del dottore freddo e cinico (l’ispirazione viene dal Dr.Mengele) e Giovanni Attanasio è un handicappato davvero impressionante, sguinzagliato per palpeggiare le ebree più carine. Ma fra tutti spicca lo sguardo gelido di Ria De Simone, spietata kapò che non lesina bastonate a destra e a manca e offre esempi di crudeltà davvero memorabili.(…)
L’opinione del sito http://www.exxagon.it
(…)Sembra che il film avesse anche intenzioni serie o quasi-documentaristiche (ecco il perché delle immagini finali di Mengele e di altri gerarchi?) ma la censura colpì duramente. Mattei se ne lamentò: “Secondo la mentalità della censura se uno faceva lo scherzetto, come Casa privata per le SS che è una burla erotica, andava bene, ma se si cercava di fare qualcosa di serio, mostrando gli esperimenti reali delle SS… Il film fu preso ferocemente, ci massacrarono”.* Sta di fatto che il film è la solita fiera di atrocità ai danni di donne nella tipica tradizione del women in prison. Le donne appena arrivate nel campo vengono suddivise fra graziose e meno, le “meno” verranno gassate subito. Fra le graziose abbiamo Lorraine De Salle (Nero veneziano, 1978; Cannibal ferox, 1981) nei panni di una dottoressa ebrea che dovrà obbligatoriamente collaborare con gli scienziati tedeschi ad alcuni esperimenti deliranti. In uno di questi due donne nude stanno al fianco di un soldato congelato (e morto) ma a furia di leccate, baci e strofinamenti lo scongelano e lo riportano in vita. L’idea, a quanto si dice nel film, è stata suggerita dallo stesso Hitler. (…)
L’opinione di Herrkinski dal sito http://www.davinotti.com
Tra i più noti esempi del vituperato filone, il film di Mattei si segnala per l’accumulo disorganico di nefandezze e volgarità, che pur risultando talvolta al limite del comico potrebbero colpire gli spettatori più sensibili. Il regista cerca pure di dare un’ipocrita ed improbabile tocco finale di critica sociale, inserendo le schede dei veri gerarchi nazisti sfuggiti ai processi. Tra numerose scene di nudo e tortura si salva giusto qualche sequenza (le prigioniere che cantano, ad esempio) e le musiche cupe. Ritmo incostante, fotografia piatta.
L’opinione di Trivex al sito http://www.davinotti.com
Del dannato filone nzexploitation, KZ9 rappresenta una fredda interpretazione. A differenza di altri malati fratelli, il sesso è piuttosto esiguo e completamente superficiale, privo cioè di sensazioni morbose passionali, tipiche nella violenza sessuale del genere. È un lungo carrello di efferatezze e di atteggiamenti disturbati, con i soliti carnefici piuttosto tecnici nelle loro aspirazioni. Il film è strutturato discretamente e si avvale di qualche mezzo in più della media, ma niente di trascendentale. Le finali note pseudostoriche si potevano evitare.
L’opinione di gestarsh99 al sito http://www.davinotti.com
Un Mattei galvanizzato quello che ribolle dietro questo pulpornaccio antistorico e turpemente deviato. Risorse e maestranze sono limitatissime e ci si arrabatta mariolescamente con quel che passa il convento: gore posticcio, inorridenti dettagli grafici e un ex mattatoio smerciato per campo di concentramento. La De Simone non ha l’arditezza da virago della più quotata Ilsa e si accomoda a latere cedendo la brutalità scenica a Ivano Staccioli, mefistofelico Mengele nostrano sollazzevolmente imbandierato da carnefice supremo. Un putribondo guilty-pleasure da ingurgitare con assoluto, lurco disgusto.
Gli innocenti dalle mani sporche
E’ una coppia male assortita,quella composta da Louis e Julie Wormser.
Sono ricchi e annoiati, lei è bella e giovane, lui ha molti più anni di lei ed abusa con l’alcool.
Vivono in una splendida villa dove un giorno, mentre Julie sta prendendo il sole completamente nuda sul prato, cade un piccolo modellino d’aereo.
Così, fortuitamente, Julie conosce Jeff Marle, scrittore squattrinato ma dal gran fascino; in poco tempo Julie ne diviene l’amante e inizia a trovare insopportabile la compagnia del marito.
Così,in accordo con Jeff,Julie progetta l’omicidio del marito.
ma le cose non vanno come previsto e Julie si ritrova indagata per omicidio; ma inaspettatamente ecco ricomparire Louis e contemporaneamente scomparire Jeff.
Le cose si ingarbugliano e la coppia ricostituita inizia a progettare il trasferimento in un altro posto per evitare nuove indagini sulla scomparsa di Jeff.
Romy Schneider
Che ricompare all’improvviso,reclamando il ritorno al rapporto precedente con Julie e i beni del marito.
Julie non ci sta e si ribella, ma solo l’intervento della polizia la salva dalla morte.Che colpisce però Louis, colpito da un devastante infarto.
Ora Julie è sola, ma…
Film a struttura circolare, con un espediente classico del cinema, il ritorno del cadavere scomparso, Gli innocenti dalle mani sporche,diretto da Claude Chabrol nel 1974 è un freddo ed elegante thriller caratterizzato dai ritmi lenti e da dialoghi a tratti noiosi.
Un film in chiaro scuro,tratto da un racconto di Richard Neely, che il regista francese dirige nel periodo meno fecondo (artisticamente) della sua carriera, un anno dopo l’incerto Una gita di piacere.
E che risente da subito di alcuni vizi di fondo;una trama inverosimile,con un intreccio cervellotico che finirà con un colpo di scena innestato su una trama già vista, ovvero la moglie giovane sposata ad un alcolizzato che si innamora del bel giovane aitante e che progetta di eliminare il marito per vivere con l’amante stesso, salvo poi fare dietro front quando il delitto non si consuma e il marito riappare.
Paolo Giusti
Nuoce al film la pesantezza dei dialoghi, la recitazione incolore di Paolo Giusti, attore da fotoromanzi e non certo da cinema, l’atmosfera che avrebbe dovuto essere claustrofobica e che alla fine si rivela invece una palude, nella quale si impantana la trama e sopratutto la vicenda narrata.
I colpi di scena, le giravolte improvvise appaiono un po forzate e pur nell’elegante e ineccepibile confezione sembrano espedienti slegati fra loro;i personaggi in realtà sono sgradevoli,con tutti i loro difetti amplificati dallo status sociale di ricchi annoiati,che Chabrol dipinge nelle loro imperfezioni come affetti dai peggiori vizi, dall’alcolismo alla misoginia per finire con l’avidità e la brama di possesso.
Purtroppo però per una volta Chabrol abbandona la strada maestra della minuziosa descrizione della vita di provincia, l’indagine socio psicologica d’ambiente e di personaggi a tutto favore di una storia dai confini incerti,in cui i personaggi stessi sono più delle summe di difetti che degli esseri umani deboli e preda delle loro pulsioni.
Così il film deraglia e si avvia ad un finale in cui si susseguono i colpi di scena senza però la fondamentale partecipazione dello spettatore.
Nel cast però va segnalata la presenza di una Romy Schneider bella da togliere il fiato, elegante e raffinata,ormai attrice dal grande spessore mentre Rod Steiger, che interpreta il marito tradito e alcolizzato fa il suo con garbo ma senza impressionare particolarmente.bene il simpatico Rochefort, autore di qualche siparietto gustoso mentre bocciato senza appello il nostro Giusti, monocorde e sotto tono.
Un film decisamente difficile da giudicare positivamente e la cui visione richiede una buona dose di pazienza.
Gli innocenti dalle mani sporche
Un film di Claude Chabrol. Con Rod Steiger, Romy Schneider, Paolo Giusti, François Maistre,Jean Rochefort Titolo originale Les innocents aux mains sales. Drammatico, durata 120′ min. – Francia 1975
Romy Schneider … Julie Wormser
Rod Steiger … Louis Wormser
François Maistre …Commissario Lamy
Paolo Giusti … Jeff Marle
François Perrot … Georges Thorent
Hans Christian Blech Hans ..Il giudice
Pierre Santini … Commissario Villon
Jean Rochefort … Albert Légal
Henri Attal … Ufficiale di polizia
Serge Bento … Direttore di banca
Jean Cherlian … Polizia navale
Regia Claude Chabrol
Sceneggiatura Claude Chabrol da un racconto di Richard Neely
Produzione André Génovès
Musiche Pierre Jansen
Fotografia Jean Rabier
Montaggio Jacques Gaillard
Production design Guy Littaye
L’opinione di IHomesick dal sito http://www.davinotti.com
Con i suoi molteplici colpi di scena, il plot, derivato da un figlioccio letterario di James Cain, è improbabile sino al ridicolo e costituisce un grave impaccio per la regia di Chabrol, che pure cerca un diversivo lavorando sui personaggi di secondo piano; un diversivo che talora funziona, soprattutto quando sono di turno i commissari Maistre e Santini e l’avvocato Rochefort, autoironico ai limiti della parodia. Le sorti del film, comunque tutt’altro che appassionante o memorabile, sono lasciate al sempre maestoso Steiger e a una Schneider tra diabolicità e debolezza.
L’opinione di Ilgobbo dal sito http://www.davinotti.com
Fra i privilegi dello status di maestro c’è quello di potersi permettere impunemente forzature (quando non biechi trucchetti) di sceneggiatura che nessuno avrebbe perdonato al nostro valoroso Gastaldi (e quindi a Lenzi o a Martino). Buon per lui. Il film però convince poco, anche nelle frequenti deviazioni verso il grottesco. Certo, Romy Schneider nudissima fin dalla scena iniziale fa pallinaggio da sola…
L’opinione di sasso67 dal sito http://www.filmtv.it
Un giallo hitchcockiano, in alcuni momenti anche un po’ noioso, come capita spesso, quando Chabrol si lascia andare a lunghe parentesi dialogate con una lentezza esasperante. Il film ha, però, sequenze particolarmente riuscite, specialmente in coincidenza con le entrate in scena di Jean Rochefort, un avvocato petulante, ma efficace. Va da sé, comunque, che il sole intorno al quale gira tutto il film è Romy Schneider (non so invece quanto sia azzeccata la scelta del pur bravo Steiger), e “Gli innocenti dalle mani sporche” servirà senza dubbio a tutti coloro che non sono mai riusciti ad apprezzare la bellezza dell’attrice austriaca: bastano i primi due minuti del film per farsene un’idea.
Questo non è lo Chabrol migliore, anche perché mancano le descrizioni di quanto fa da contorno alla vicenda principale (il punto di forza del regista francese sono proprio le sue minuziose osservazioni sociologiche sulla provincia francese), ma il film si lascia guardare e almeno qua e là la vicenda gialla riesce ad appassionare, fino al momento in cui le svolte improvvise diventano fin troppe.
L’opinione del sito http://www.robydickfilms.blogspot.it
Ecco un grande Chabrol, che fa scuola.
Lezione di regia, talmente pregnante da oscurare, da distrarti, dalle pur splendide interpretazioni di una coppia eccezionale: Rod Steiger e Romy Schneider.
L’opinione di Atticus dal sito http://www.filmscoop.it
Sopraffino davvero, Chabrol sfotte i ricconi della Costa Azzurra e li immerge nelle acque torbide di un noir alla Cain (quello de “Il postino suona sempre due volte”) che però è tratto da un romanzo di Richard Neely (chi sarà mai?).
L’intrigo si mischia alla farsa in maniera squisita (valga per tutte la lunga sequenza in cui un grande Rochefort, abbagliato dalla presenza della Schneider, arringa un’appassionata difesa nell’ufficio del giudice, con risultati esilaranti!) anche grazie all’occhio di fine osservatore del regista che si diverte ad offrire un quadro clinico e sottile di varia umanità coinvolta nell’indagine a tinte fosche.
Steiger è un perfetto marito tradito ma Romy, vestita da Yves Saint Laurent, è oltremodo maestosa nella sua suprema bellezza mozzafiato e senza confini, per di più alle prese con un personaggio intrigante come pochi.
Divertissement très chic!
La Regina dei Vikinghi
Nella remota Britannia,punto più avanzato dell’impero romano, terra di confine ostile e selvaggia è morto il vecchio re saggio e amato dal popolo.Sul trono sale sua figlia Salina,che come il padre ha un’indole pacifica e vorrebbe far coesistere pacificamente i conquistatori romani e il suo popolo.
A comandare le legioni romane è Giustiniano, del quale Salina ben presto si innamora,ricambiata.
La cosa,naturalmente, non è ben vista ne dai fieri druidi,abitanti della regione ne dagli invasori romani.
A soffiare sul fuoco c’è anche Ottavio,luogotenente di Giustiniano,del quale Salina teme l’avidità di potere e l’evidente odio e disprezzo per la cultura nativa.
Così, quando Giustiniano è costretto ad assumere il comando di legioni romane in un’altra legione, il conflitto fra le truppe di occupazione e la gente del posto esplode, causando una ribellione dagli esiti drammatici…
La regina dei vichinghi (The viking queen) è una produzione Hammer del periodo d’oro e si inserisce tardivamente nell’ormai logoro filone peplum che tanto spazio aveva avuto nella cinematografia italiana sopratutto verso il finire degli anni 50 e che conobbe il suo massimo fulgore fino alla metà degli anni sessanta.
Da notare immediatamente la stranezza del titolo che evoca le figure storiche dei vichinghi, popolo nordico dei quali non vi è traccia nel film;siamo nella Britannia, terra abitata da druidi e da britanni, che con gli scandinavi hanno ben poco a che vedere.
L’unico punto di contatto potrebbe essere il riferimento storico ai vichinghi come figure legate al saccheggio, ma anche in questo caso non si capisce bene il riferimento del titolo.
Apparentemente però la figura di salina potrebbe essere legata a quella storica della regina Budicca, sovrana degli Iceni (una tribu che viveva nella zona orientale dell’Inghilterra) e che capeggiò la rivoltà più violenta contro le truppe d’occupazione romane.
Sconfitta nella battaglia di Watling street la regina Buticca si avvelenò per non cadere nelle mani dei romani, cosa che accade anche nel film; è quindi questo l’unico riferimento storico del film che per il resto può essere considerato come un incidente di percorso della Hammer, solitamente molto attenta alle ricostruzioni di ambienti e paesaggi.
La stessa regina Buticca, che i romani vedevano come “« una donna molto alta e dall’aspetto terrificante. Aveva gli occhi feroci e la voce aspra. Le chiome fulve le ricadevano in gran massa sui fianchi. Quanto all’abbigliamento, indossava invariabilmente una collana d’oro e una tunica variopinta. Il tutto era ricoperto da uno spesso mantello fermato da una spilla. Mentre parlava, teneva stretta una lancia che contribuiva a suscitare terrore in chiunque la guardasse. »” è raffigurata in modo molto differente nel film e interpretata in modo maldestro dall’attrice finlandese Carita,autentica meteora del cinema alla sua seconda e ultima apparizione sul grande schermo.
A parte la dubbia collocazione storica, il film ha come suo unico punto di forza la brutalità delle scene, vera eccezione nella sterminata produzione peplum.
Il resto del film è un coacervo di situazioni standard del genere peplum;battaglie, inseguimenti, pubbliche fustigazioni, amori e il tradizionale pizzico di erotismo blando,blandissimo (siamo nel 1967) tipico delle produzioni Hammer.
A dirigere il film troviamo Don Chaffey, già autore dei più che discreti Gli argonauti,Un milione di anni fa e autore in seguito, nel 1971 di La lotta del sesso 6 milioni di anni fa
Il regista britannico,che in seguito si specializzerà in prodotti televisivi, segue la sceneggiatura del racconto di John Temple-Smith accentuando la carica di violenza e sorvolando sulla realtà storica delle cose.
Poco male perchè a questo genere di film non era certo richiesta l’aderenza storica,quanto una regia dinamica e la scorrevolezza della trama.
Da questo punto di vista le cose funzionano anche ma i dolori cominciano nell’analisi dell’espressività dei personaggi.
La recitazione è davvero ai minimi termini e sorprende principalmente per l’attenzione che la Hammer metteva nella scelta degli attori.
Sia Carita (la regina Selina),sia Don Murray che interpreta Giustiniano sono quasi imbarazzanti e vanificano in qualche modo quel poco di buono che il regista riesce ad orchestrare.
Sempre a proposito dell’inaffidabilità storica e quindi della credibilità del racconto vanno segnalati i costumi assolutamente inadegati,con i popolani celti costretti a vagare seminudi nel clima umido e freddo della Britannia e le scene di guerra che sembrano prese di petto dalla Norma di Bellini che però è ambientata in Francia.
Prodotto quindi di evasione e nient’altro a fronte di un progetto di partenza ben più ambizioso;il budget del film ,quasi mezzo milione di sterline non venne recuperato al box office e in seguito di questo film si persero le tracce.
La regina dei vichinghi
Un film di Don Chaffey. Con Carita,Andrew Keir, Donald Houston, Don Murray, Adrienne Corri Titolo originale The Viking Queen. Avventura, durata 91 min. – Gran Bretagna 1967
Don Murray … Giustiniano
Carita … Salina
Donald Houston … Maelgan
Andrew Keir … Ottavio
Adrienne Corri … Beatrice
Niall MacGinnis … Tiberio
Wilfrid Lawson … Re Priam
Nicola Pagett … Talia
Percy Herbert … Catus
Patrick Troughton … Tristram
Sean Caffrey Sean … Fergus
Denis Shaw … Osiris
Philip O’Flynn … Mercante
Brendan Matthews … Nigel
Regia Don Chaffey
Sceneggiatura Clarke Reynolds (dal soggetto di John Temple-Smith)
Musica Gary Hughes
Fotografia Stephen Dade
Montaggio Peter Boita
Produzione Hammer
L’opinione del sito http://www.cinekolossal.com
Alla morte de re di Britannia, Alina (Salina) sale al trono e s’innamora del romano Valerio (Giustiniano), conquistatore dei territori del nord. Da questa unione Melgan (Maelgan), il gran sacerdote, per paura di perdere il proprio potere, scatena una guerra tra le parti. Alina sconfitta, si suicida.
Rustico melodramma storico-avventuroso-in costume, di produzione inglese e d’inclinazione sadica, che tenta, attraverso un soggetto bislacco, di invertire i termini della storia a favore dei britanni. Un sudiciume assoluto, zeppo di amorazzi pecorecci, battaglie nei boschi, inseguimenti a cavallo e pubbliche punizioni corporali, durissime e compiaciute. Attori in vacanza e regia inesistente. Nella versione italiana, storpiati alla grande i nomi dei protagonisti.
Io Cristiana studentessa degli scandali
Siamo nel pieno della contestazione studentesca e il professor Davide ha il suo bel daffare nell’insegnare ai giovani di un liceo provinciale.
Gli studenti contestano un po tutto, in particolare rivendicano il proprio diritto all’autodeterminazione sessuale;tra i più decisi nella contestazione ci sono due studenti,Cristiana e Massimo, legati fra loro e che per scommessa decidono di attirare il professore in una trappola.Cristiana si occupa di sedurre il professore mentre Massimo di sedurre la bella moglie di Davide,Simona, donna affascinante ma anche frivola e dall’incerta identità sessuale.
L’operazione, nonostante qualche difficoltà, riesce e Cristiana seduce Davide, finendo però per innamorarsi profondamente dell’uomo, mentre Massimo assolve il suo compito senza problemi.
Davide è davvero innamorato di Cristiana ed è ricambiato; ma gli amici della ragazza non accettano di buon grado la situazione, accusando la ragazza di aver tradito gli “ideali” contestatari.
Il professore ormai sogna di vivere la sua vita accanto a Cristiana e lascia la moglie,con buona pace di quest’ultima che ha ben altri interessi.
Ma la tragedia è in agguato, quando gli studenti decidono di vendicarsi…
Grezzo,rozzo,irrisolto;tre aggettivi esemplari per descrivere Io Cristiana studentessa degli scandali,opera del 1971 diretta da Segio Bergonzelli,regista piemontese scomparso nel 2002 dopo aver diretto una trentina di film non di certo memorabili.
Il film segue Nelle pieghe della carne, forse l’opera migliore del regista uscito nelle sale nel 1970 e precede una serie di film a sfondo smaccatamente erotico come Cristiana monaca indemoniata,La cognatina, La sposina, Il compromesso erotico che già nei titoli anticipano soggetti a sfondo erotico, diretti e girati in stretta economia cavalcando l’onda lunga dell’erotismo casereccio tanto in voga negli anni settanta nel mondo dei B movie.
Io Cristiana studentessa degli scandali è un film furbetto; dietro l’apparente volontà di Bergonzelli di mostrare l’altra faccia della contestazione giovanile, fatta di rivendicazioni legittime e di accuse la mondo sociale e a quello della scuola, nasconde in realtà l’incapacità del regista di conciliare la denuncia con un linguaggio visivo potente e drammatico.
La storia finisce per trasformarsi ben presto in una confusa parabola sul mondo studentesco.
Spariscono le motivazioni della contestazione per lasciare posto ad un insieme di immagini spesso scollate fra loro, con la descrizione del mondo studentesco scollata dalla realtà.
Predomina l’aspetto erotico e morboso della vicenda e la storia d’amore fra il professore e la sua studentessa,non certo una novità, finisce ben presto per lasciare il posto a una serie di slogan degli studenti, comportamenti schiziofrenici e amorali,un guazzabuglio di immagini e situazioni spesso in contrasto fra di loro, con il comune denominatore della contestazione ad un sistema che appare corrotto come i suoi contestatori,più opportunisti che idealisti.
Almeno è così che Bergonzelli descrive i giovani, con una miopia colpevole che sembra mescolare il peggio del movimento studentesco in un’opera di denuncia che poi tale non è.
Un film incoerente,in definitiva;a parziale riscatto c’è l’attenuante di aver risparmiato allo spettatore l’happy end sostituito da un’evoluzione a sfondo tragico della vicenda,perfettamente in linea con la schizofrenica sceneggiatura scelta da Bergonzelli, che è responsabile anche della stesura della stessa.
Il film ebbe grossi problemi con la censura, alla sua uscita;e non poteva essere altrimenti vista la quantità di scene oseè,almeno per l’epoca, inserite dal regista mentre la censura stessa non operò tagli significativi in altre parti della pellicola, quelle politicamente scorrette.
Per quanto riguarda il cast,segnalo la buona performance di una giovanissima (e affascinante) Malisa Longo,quella di Joh Saxon e la presenza nel cast del cantante Rossano Attolico, che sarebbe scomparso tragicamente qualche anno più tardi.
Opera di difficilissima reperibilità almeno in qualità decente.
Io cristiana studentessa degli scandali
Un film di Sergio Bergonzelli. Con Malisa Longo, Glenn Saxson, Patricia Reed, Antonella Murgia,Barbara Betti Drammatico, durata 100 min. – Italia 1971
Glenn Saxson … Davide Andrei
Malisa Longo … Cristiana
Antonella Murgia … Poppea
Patricia Reed … Simona Andrei
Regia: Sergio Bergonzelli
Sceneggiatura:Sergio Bergonzelli
Montaggio:Sergio Bergonzelli
Fotografia:Antonio Maccoppi
Musiche:Carlo Savina
Produzione:SARA FILM CINEMATOGRAFICA
L’opinione di Il gobbo dal sito http://www.davinotti.com
Malisa Longo studentessa eponima si innamora del prof, Glenn “Kriminal” Saxson (e già questo….) Pasticciato film sulla contestazione, parte con un delirante prologo che sembra promettere (al pari del titolo) pruriti, poi pencola a lungo indeciso fra “satira” e dramma per virare alla fine decisamente verso quest’ultimo: peccato che a quel punto ci si creda poco….Qualsiasi clichè vi venga in mente sull’argomento, qui lo troverete, ma è innegabile un certo fascino kitsch.
L’opinione di Homesick dal sito http://www.davinotti.com
Illustrativo del clima di contestazione studentesca declinata nelle sue componenti libertarie e sessuali, si carica dell’ebbrezza dei nudi profferti da una passerella di starlets trainate dalla splendida Malisa Longo, forte di occhi e seni da opera d’arte; ma questa allegra istantanea dello spirito dell’epoca in seguito s’incupisce sino a tramutarsi in dramma violento, denunciando l’infelicità della vita di coppia e soprattutto la stolida ferocia del “branco” e l’ignobile ipocrisia di chi si dichiara “contro”. Di rara fermezza e coerenza l’ombroso personaggio di Glenn Saxson.
L’opinione di Cotola dal sito http://www.davinotti.com
Terrificante film di Bergonzelli ambientato ai tempi della contestazione e contenente tutti i luoghi comuni del genere tanto da apparire oggi ridicolo oltre che estremamente datato. E se da un punto di vista sociologico le cose vanno male, non si può certo dire che la situazione migliori da quello narrativo: la storia, infatti, è stantia, puerile, inverosimile ed a tratti sembrerebbe quasi farsesca. In definitiva da evitare con cura.
Le regine dei sogni anni settanta oggi-Parte terza
Uno degli articoli più seguiti su Filmscoop riguarda certamente la gallery di foto delle attrici più belle e famose degli anni 60 e 70 ai giorni odierni https://filmscoop.wordpress.com/2010/11/05/le-regine-dei-sogni-anni-70-oggi/ e https://filmscoop.wordpress.com/2014/09/18/le-regine-dei-sogni-anni-70-oggi-parte-seconda/
Ecco una nuova galleria di altre attrici. Sono donne bellissime,sensuali alle prese con il passare degli anni; oggi sono tutte delle mature signore,ancora belle e affascinanti.Alcune di loro hanno proseguito regolarmente l’attività cinematografica,altre sono diventate manager,lavorano nel cinema ma non più come attrici, altre non hanno più avuto a che fare con il grande schermo.Questi sono i loro volti,oggi.
L’interprete di Non violentate Jennifer, Camille Keaton
Attrice di B movie, come La ragazza del vagone letto, Zora Kerova
Adriana Russo
La bravissima attrice francese Andrea Ferreol
Barbara Bach con suo marito Ringo Star
A destra, l’indimenticabile interprete di Soldato blu, Candice Bergen
Sempre bellissima e affascinante, Carole Bouquet
Catherine Spaak
L’interprete di La cicala, Clio Goldsmith
L’ex Bond girl Corinne Clery
La modella e attrice Dayle Haddon
Sempre bella e solare, Franca Gonella
Una delle regine dei fotoromanzi passata al cinema, Gioia Scola
Una grande del nostro cinema, Giovanna Ralli
La principessa Ira Furstemberg
Jane Birkin
L’affascinante Licinia Lentini
Ancora una Bond girl, il sex symbol Luciana Paluzzi
Maria Rosaria Omaggio
Sempre bella, Michela Miti
L’indimenticabile Angelica, Michele Mercier
Paola Pitagora
Il sorriso radioso di Paola Senatore
Serena Grandi
Silvia Monti
Simonetta Stefanelli
Sydne Rome
La prima delle Bond girl,Ursula Andress
Il trafficone
Per poter mantenere la sua famiglia,Vincenzo Lo Russo è costretto ad improvvisare lavori ingegnosi;Angelina,la moglie e i suoi tre figli lo attendono a casa e Vincenzo raccatta denaro abbordando i passeggeri delle auto che si fermano ai semafori proponendo loro l’acquisto di capi d’abbigliamento.
Un giorno casualmente abborda una affascinante donna con la quale ha una fugace relazione; la donna ha in realtà attirato a casa Vincenzo per compiacere il marito guardone e al termine del rapporto regala a Vincenzo stesso un libro sulla sessualità e sui rapporti di coppia.
Dopo averlo letto l’uomo prende una decisione: si improvviserà medico e aprirà uno studio nel quale cercherà di curare i problemi sessuali delle coppie, che a quanto pare sono molto più diffusi di quanto sembri.
Tina Aumont e Carlo Giuffrè
Rita Calderoni
Cosi con l’aiuto di Gennaro, un suo amico,Vincenzo avvia lo studio che ben presto ottiene uno straordinario successo.
Spesso infatti le coppie che si rivolgono a lui trovano nell’uomo la soluzione ai loro problemi, in particolare le partner femminili che vengono “guarite” dai loro problemi dall’infaticabile Vincenzo.
Ma il super lavoro alla fine sfianca il pur valoroso Vincenzo che nel frattempo ha cambiato il suo cognome in D’Angelo; la prima ad accorgersi dei problemi è la moglie Angelina, trascurata nel talamo nuziale dal marito.
Così, convinta da un amico a rivolgersi all’ormai famoso dottor D’Angelo, Angelina scopre il nuovo lavoro del marito.
Ad un primo attacco d’ira segue una riflessione sul cambiamento che l’attività di Vincenzo ha portato all’economia domestica; così Angelina alla fine convince suo marito ad allargare la società, diventando anch’essa una sessuologa…
Il trafficone è una commedia sexy del 1974,diretta da Bruno Corbucci, non priva di un suo rozzo ma efficace umorismo; l’idea di fondo della sceneggiatura presta infatti il fianco allo sviluppo di una storia sicuramente esile ma ben diretta dal regista romano,uno dei più fecondi sceneggiatori del cinema italiano e regista di una cinquantina di film che spaziano dal western alla commedia.
Adriana Asti
Irina Maaleva
Dopo aver cavalcato in maniera semi seria il filone decamerotico con film come Boccaccio e Il prode Anselmo e il suo scudiero, Corbucci passa alla commedia sexy reclutando per il cast il simpatico e sicuramente affidabile Carlo Giuffrè e affiancandogli nomi di un certo livello del cinema italiano come Lino Banfi e Enzo Cannavale con l’aggiunta di ottime e belle attrici come Tina Aumont, Marilu Tolo e Rita Calderoni, una volta tanto slegata dal suo mentore Polselli.
Per completare, Corbucci affida parti di contorno ad altri nomi importanti del cinema leggero come Gianni Agus,Vincenzo Crocitti e Adriana Asti, rendendo così quanto meno affidabile la parte recitativa.
Marilu Tolo
Anche se nello stretto ambito del cinema di genere Il trafficone risulta alla fine un prodotto ben confezionato,gradevole e quasi esente dalle triviliatà gratuite delle commedie sexy, con scene di sesso e nudo assolutamente castigate e dirette più che altro come degli sketch satirici.
Alla fine vien fuori una commedia che si gusta con piacere,grazie sia alla professionalità del cast sia ad alcune scenette ben costruite (quella iniziale con protagonista la Aumont,quella finale con la Tolo e il siparietto costruito dalla coppia Banfi-Maleeva).
Un’ora e mezza di cinema distensivo ed allegro, senza alcuna pretesa.
Il film è disponibile in una versione più che accettabile su You tube all’indirizzo http://www.youtube.com/watch?v=CWPPDxCsHV4
Vi ricordo che se usate Chrome è disponibile un’estensione che permette la visione del film off line; il software 4K video downloader permette altresi lo stesso lavoro.
Il trafficone
Un film di Bruno Corbucci. Con Marilù Tolo, Tina Aumont, Carlo Giuffrè, Gianni Agus, Adriana Asti, Enzo Cannavale, Lino Banfi, Elio Zamuto, Rita Calderoni, Irina Maleeva, Massimo Dapporto Commedia, durata 91 min. – Italia 1974.
Carlo Giuffré: Vincenzo LoRusso / dottor Gaetano D’Angelo
Enzo Cannavale: Gennaro, amico di Vincenzo
Rita Calderoni: Angela, moglie di Vincenzo
Lino Banfi: ragionier Luigi Scardocchio
Irina Maleeva: Silvana, moglie di Scardocchio
Elio Zamuto: Barone Vito Macaluso
Marilù Tolo: Rosalia, moglie del barone Macaluso
Tina Aumont: Laura Vitali
Adriana Asti: Virginia, moglie del pretore Filiberto Vettiglia
Gianni Agus: onorevole Rivolta
Renzo Marignano: Conte Everardo
Liuba Subcova: moglie del conte
Regia Bruno Corbucci
Soggetto Bruno Corbucci, Mario Amendola
Sceneggiatura Bruno Corbucci, Mario Amendola
Produttore Galliano Juso
Casa di produzione Cinemaster
Fotografia Guglielmo Mancori
Montaggio Daniele Alabiso
Musiche Ubaldo Continiello
L’opinione di Homesick dal sito http://www.davinotti.com
Il catalogo di inibizioni e bizzarrie sessuali nella vita di coppia si presenta in una veste solare e giocosa e oppone ai possibili rischi di caduta nel cattivo gusto la solida barriera di Giuffrè, che mantiene contegno e professionalità in tutti i pezzi proposti: alcuni sono più riusciti (le esilaranti fregole di Banfi e la cura dell’ipodotato Crocitti), altri meno, perché flosci (Agus e il transgender) o inutilmente reiterati (gli agguati della Asti). Valida spalla Cannavale; bollente la Tolo. Per la colonna sonora Continiello utilizza “Il ballo del qua qua”.
L’opinione di Motorship dal sito http://www.davinotti.com
Una curiosa commedia con protagonista assoluto il grandissimo Carlo Giuffrè nei panni del falso medico che usa la sua farlocca professione per soldi e per concedersi qualche bella occasione in quanto a donne. Giuffrè è esplosivo, divertente e non volgare, confrmando le sue doti di attore e di comico. Ottimi comprimari Enzo Cannavale, sempre all’altezza nei panni del suo sgangherato assistente, le bellissime Marilù Tolo, Tina Amount e Rita Calderoni, un giovane Lino Banfi già divertentissimo. Noioso l’episodio con Agus.
L’opinione di sasso 67 dal sito http://www.filmtv.it
Commedia abborracciata di tematica sessuale (Giuffrè, magliaro napoletano a Roma, si improvvisa sessuologo e fa i soldi), che prende a pretesto il nuovo mestiere del protagonista per avere maggior agio di creare situazioni al confine tra comicità ed erotismo. Con scarsi risultati, va detto, sull’uno e sull’altro versante. Cannavale strappa qualche risataccia, ma l’insieme è quasi deprimente, anche perché si notano errori di montaggio francamente imbarazzanti: per esempio, un attimo prima che il medico riceva i giovani sposini Vincenzo Crocitti e Pamela Villoresi, l’infermiera ha fatto alzare, nella sala d’attesa, una coppia che non somiglia nemmeno lontanamente (i due, per di più, sono vestiti in maniera completamente diversa) a quella che troviamo nello studio del “dottore”.
Tour de force di Carlo Giuffrè che, soldi a parte, avrebbe potuto dedicarsi ad altre attività umanamente più gratificanti.
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