Grazie zia
Esordio alla regia per Salvatore Samperi, regista padovano morto nel 2009 a 65 anni.
Grazie zia è un film importante, ad onta del titolo che sembrerebbe anticipare il florido filone delle commedie sexy parentali che negli anni settanta esplorarono, con molta pruriginosità e poca inventiva, il dramma reale dell’incesto che è sempre stato vissuto come uno dei tabù più oscuri e meno esplorati della sessualità umana.
Il film di Samperi in realtà ha ben poco di scabroso, almeno dal punto di vista visivo perchè si limita all’illustrazione di un rapporto sado masochistico che si sviluppa tra una zia e suo nipote;tuttavia è un film importante proprio perchè la parte scabrosa viene edulcorata a tutto vantaggio della rappresentazione drammatica di uno scontro morale che vediamo illustrato, man mano che il film avanza, tra due diversi personaggi che finiscono per diventare emblemi della società che rappresentano.
Da un lato troviamo una donna matura, placidamente adagiata in una vita senza grosse scosse e quindi borghese e un tantino annoiata, con tanto di amante intellettuale (ovviamente di sinistra) e dall’altro un giovane ribelle che sente un confuso e anarcoide sentimento di ribellione verso l’ordine costituito, verso i totem della borghesia e in ultima analisi in perfetta simbiosi con quello che avviene in Europa in quegli anni ovvero la contestazione studentesca che sfoceranno nel maggio francese.
Samperi quindi dirige Grazie zia proprio nel momento di massima crisi e di massima tensione che la società si ritrova a vivere, scossa dalle fondamenta dai suoi stessi figli che non si riconoscono nel mondo degli adulti e che verrà sintetizzato con l’ormai trito slogan della “fantasia al potere“.
Il film quindi per certi versi è anticipatore di tematiche importanti, pregnanti: con molto coraggio e con molta incoscienza Samperi, che non dimentichiamolo aveva appena 24 anni porta sullo schermo una vicenda scabrosa raccontandola con un rigore e una sobrietà assolutamente sorprendenti in un esordiente.
Il bianco e nero assoluto in cui viene girato il film estremizza la storia, quasi volesse rappresentare, con i due colori antitetici, l’assoluta impossibilità di dialogo e di comprensione tra i due mondi, quello borghese appunto e quello giovanile.
Proprio l’andamento della storia e il suo tragico finale propongono infatti una visione auto distruttiva della società;quel’eutanasia chiesta dal protagonista alla sua amante e succube zia altro non è che la rappresentazione di una società che incapace di comprendere alla fine fagocita e distrugge.
Grazie zia è un bel film, caratterizzato da un ritmo solo all’apparenza indolente, retto invece da una coerenza e da una drammaticità che il futuro regista di opere più smaccatamente erotiche non raggiungerà più, come dimostreranno i vari Malizia, Fotografando Patrizia ecc., con le dovute eccezioni di film particolari e a tratti incompresi come Nenè.
Ma qui siamo al Samperi ancora arrabbiato, al Samperi “sessantottino”, che disseziona il sociale proponendo una sua visione estremamente coerente del presente, una visione in cui gli ideali del sessantotto sono rappresentati visivamente con ardore forse confusionario ma di sicuro interesse.
Grazie zia racconta la parabola discendente della società, attraverso due personaggi che vengono a trovarsi casualmente a contatto:Lea e suo nipote Alvise.
Tra i due nascerà una storia proibita, un incesto però più portato e votato alla distruzione che al compimento del mero atto sessuale, un atto di rivolta di un giovane verso i pilastri della società borghese.
Alla quale appartiene Lea, donna matura ma dal fascino sensuale, che un giorno si vede affidare suo nipote dal padre del ragazzo; Alvise soffre di una forma di paralisi agli arti che in realtà non è nemmeno psico somatica, visto che il giovane è sanissimo e che ha scelto quella forma estrema di protesta per evitare di essere incanalato, irrigimentato dal padre alla direzione dell’industria di famiglia.
Alvise viene quindi affidato, complice anche l’allontanamento dei suoi distratti e indaffarati genitori alle cure di zia Lea, che nn slo è un medico ma che ha da sempre un rapporto di simpatia e affetto con il ragazzo.
Alvise però ha troppa rabbia dentro:è offuscato nella mente dal suo velleitarismo libertario e anarcoide e dal momento del suo arrivo inizia una sottile e perversa opera di seduzione di sua zia.Una seduzione che, come dicevo prima, non è tanto sessuale quanto psicologica.Il giovane sembra infatti utilizzare Lea come bersaglio della sua rabbia e lo dimostra schiavizzando e umiliando, in più occasioni, la troppo passiva Lea.
Tra i due nasce un rapporto di dominazione completa ed esclusiva, con Alvise che trascina Lea, nella sua lucida follia, in un rapporto ai confini scuri del sadismo e del masochismo.
Lea accetta supinamente il tutto finendo per sacrificare all’ambiguo rapporto con il ragazzo sia la sua vita sentimentale sia la sua vita professionale.
Il rapporto di sudditanza di Lea raggiunge l’apice nel finale, quando cioè Alvise chiederà a sua zia di porre fine alla sua vita, vita che il giovane non riesce più a sopportare preda com’è delle sue frustrazioni e delle sue angosce esistenziali.
E Lea lo farà, senza esitare, perchè ormai è solo un docile strumento sopraffatto dalla imperiosa e dominante volontà di Alvise…
L’uscita del film fu caratterizzata da polemiche senza fine che si tramutarono in un formidabile battage pubblicitario per il film che difatti divenne uno dei più visti dell’annata.
Due fazioni contrapposte si schierarono pro e contro la buona fede di Samperi :ci fu chi vide nel film analogie con I pugni in tasca di Bellocchio e quindi una pellicola tesa a mostrare la rabbia giovanile ,le psicosi e le manie che serpeggiavano in modo malatissimo all’interno della classe borghese e chi invece considera il regista veneto un furbetto che era riuscito a cavalcare l’onda giusta, quella della rabbia e della contestazione giovanile per ricavare qualche soldo e un po di fama.
Probabilmente questo tipo di appunto andrebbe fatto al successivo Cuore di mamma, decisamente più furbetto e meno candido di questo esordio.
Fondamentale per l’economia del film la presenza nel cast della bellissima e sensuale Lisa Gastoni, che aldilà dell’interpretazione magistrale del personaggio di Lea si trasformò per Samperi, esordiente e poco padrone ancora del mezzo, in una guida anche tecnica come ammesso dal regista in una delle sue ultime interviste.
L’attrice ligure, che aveva 33 anni all’inizio delle riprese, era di una bellezza e di una sensualità addirittura imbarazzanti;nel 1968 aveva già alle spalle decine di film dei più svariati generi e si può dire che era una delle più apprezzate interpreti del cinema nostrano.
Molto bravo anche il venticinquenne Lou Castel, che nel film interpreta il nevrotico Alvise; il personaggio da lui interpretato in realtà avrebbe diciassette anni, ma il volto quasi adolescenziale dell’attore riesce a rendere credibile il personaggio.
Grazie zia è un film che riveste quindi una grande importanza per il nostro cinema pre settanta, aldilà anche degli effettivi meriti.
Va da se che oggi appare pesantemente datato ma resta un utile documento per chiarire aspetti di quell’epoca irripetibile.
Grazie, zia
Un film di Salvatore Samperi. Con Gabriele Ferzetti, Lisa Gastoni, Lou Castel, Nicoletta Rizzi, Massimo Sarchielli Drammatico, durata 94′ min. – Italia 1968
Lisa Gastoni: zia Lea
Lou Castel: Alvise
Gabriele Ferzetti: Stefano
Luisa De Santis: Nicoletta la cantante
Massimo Sarchielli: Massimo
Nicoletta Rizzi: segretaria del padre di Alvise
Regia Salvatore Samperi
Soggetto Salvatore Samperi
Sceneggiatura Salvatore Samperi, Sergio Bazzini, Pier Luigi Murgia
Produttore Enzo Doria
Casa di produzione Doria G. Film
Fotografia Aldo Scavarda
Montaggio Silvano Agosti (accreditato come Alessandro Giselli)
Musiche Ennio Morricone
Scenografia Giorgio Mecchia Madalena
Costumi Claudio Cordaro
L’opinione di Outsider dal sito http://www.filmscoop.it
Or dunque, “Grazie,Zia” è un film molto interessante che merita una riflessione e un riconoscimento.
L’opera, caratteristico prodotto del periodo in cui è girato, abilmente ricostruisce l’alienazione e l’amarezza ( stati d’animo su cui si soffermarono vari registi particolarmente nel decennio ’58-’68).
Viene trattato il tema della persona disabile, peraltro inquadrata in un periodo difficile e pesante per la condizione.
L’attore infatti fa la parte di un 17 enne ( anche se di anni ne dimostra almeno una decina in più, almeno dico) e inoltre recita molto bene in quello stile che al tempo avevano cucito addosso molti ricchi scontenti, con in più l’afflizione ed il degrado dato dall’incattivimento per la malattia.
Altri due attori meravigliosi, Gabriele Ferzetti, praticamente perfetto, recitazione ed espressività da premio Oscar e Lisa Gastoni, fantastica (una delle mie attrici preferite da notti insonni e convulsioni dall’eccitazione) i cui due occhi verdi da cerbiatta, (quasi fosse il suo sguardo antesignano dell’azzurrina Crescentini, ma più conturbante nel calore) non spiccano causa il bianco e nero. La Gastoni era un’attrice che recitava meravigliosamente con movenze da sapiente attrice di teatro, la ricordo in un film di Totò all’epoca schernito dalla critica, demolito e definito filmetto “totò monaco di monza”, con Macario ed il grandissimo nino taranto. Donna capacissima, ligure di nascita, padre torinese e madre irlandese, Lisa Gastoni ha interpretato da fuoriclasse tutti i ruoli più difficili, ovvero quelli in cui l’attrice deve incarnare momento per momento i sobbalzi dati da situazioni torbide causate da sentimenti che conducono all’instabilità e alla sofferenza, come la passione e l’attaccamento all’uomo sbagliato o disonesto.
Il cinema ha saputo vedere queste qualità e la sua filmografia, un po’ sottovalutata, è stata costruita sul valore interpretativo e non solo sull’apparenza di bella donna (che nulla aveva da invidiare alle altre) cosa a dire il vero difficile anche allora.
Grazie Zia è un film sapientemente costruito e diretto, che, dopo aver descritto alienazione, infelicità e scontentezza, lascia spazio all’amarezza, di cui anche lo spettatore è invaso. Anche la bellissima Gastoni, Dottoressa in clinica, intelligente, giovanile, piena di stile e fascino, diviene un giocattolo nelle mani del ragazzo e si abbandona al torbido gioco.
I limiti della sceneggiatura portano il film a non decollare mai, quello che sembrerebbe dover accadere si trascina in un morboso gioco al massacro, in un vortice realistico a tratti ma successivamente improbabile.
Tre sono i momenti del cambio di rotta:
la sparizione di Ferzetti che esce dalla vita della dottoressa, ma che recava seco solo abitudinarietà ed egoismo, anche se in qualche momento sembra sublimarsi, in realtà è un uomo che non ama davvero e/o da cui la Nostra non si sente amata
la scena delle domestiche che si allontanano mentre Lisa e il nipote “giocano” agli innamorati sul tappeto, ( singolare poi la tortura psicologica del giovane;
il “non ritorno” in clinica ( cosa veramente improbabile) della dottoressa, la cui non raggiungibilità viene annunciata ai sanitari che telefonano, dal nipote, cosa davvero poco realistica, semi demenziale, forse il regista ha voluto sottolineare il delirio psicopatologico, davvero improbabile, anche vista la professione medica di Lisa.
La trama nella seconda parte si avvita su se stessa, rallenta, annoia. Tuttavia Sampietri ci conduce dove vuole, allo stato d’animo che vuole destare, ovvero fa sì che lo spettatore si compenetri nell’improbabile delirium.
Tecnicamente alcune inquadrature tradiscono davvero una mancanza tecnica che, evidentemente, al tempo non poteva essere corretta mancando la moltitudine direzionale delle riprese che il digitale ha portato. Primi piani traballanti, da cine amatore poco esperto, in un dialogo fra la Gastoni e Ferzetti.
L’ultima scena, invece, l’inquadratura che posteriormente alla scena si allontana, ci fa capire come la cultura delle riprese di scena il regista l’avesse eccome, l’ispirazione c’era. Con quell’inquadratura si dice tutto. Resta l’amaro in bocca, con l’unico sapore zuccheroso di aver visto uno splendido fondoschiena in bianco e nero, che ha fatto leccare i BaFFi anche e soprattutto al Vecchio Outsider. Scena da urlo, quella dello specchio. Pollice su.
L’opinione di Gordiano Lupi dal suo sito cinetecadicaino.blogspot.it
(…) Il leitmotiv della pellicola è il suicidio, che in un finale da thriller erotico diventa eutanasia, come per significare che non c’è scelta per chi vorrebbe vivere in un mondo diverso. Non basta l’erotismo, non serve il sadismo e la perversione, neppure far soffrire chi ci ama è la soluzione. La morte è la decisione finale, quasi scontata, l’ultima forma possibile di ribellione nei confronti della vita.
Gli attori sono molto bravi, specie i tre protagonisti (Castel, Gastoni e Ferzetti), ma stendiamo uno pietoso velo su Nicoletta Rizzi, la cantante che prova a intonare Auschwitz – Canzone del bambino nel vento, che fa rimpiangere non poco l’originale di Guccini. La Rizzi ricopre il ruolo della coetanea che dovrebbe far ingelosire la zia quando si apparta con Alvise e insieme ridono di lei.
Il film è girato a Padova, in grande economia, tra ville di campagna e alberghi, producendo molti imitatori negli anni Settanta, persino a livello di ambientazione. Grazie zia fa nascere un sottogenere, quello dei Peccati in famiglia, che darà vita a una serie interminabile di opere classificabili come commedia sexy. In questa sede ricordiamo il satirico Grazie nonna (1975) di Marino Girolami, interpretato da Edwige Fenech, ma anche La nipote (1974) di Nello Rossati e Cugini carnali (1974) di Luciano Martino. Salvatore Samperi anticipa in versione drammatica molti temi erotico – voyeuristici che torneranno in Malizia (1973) in chiave prettamente comica. I titoli di testa, introdotti da un gustoso cartone animato, ingannano sul tenore della pellicola che non ha niente di umoristico. Fotografia perfetta in un bianco e nero livido e suggestivo, di Aldo Scavardo, una scelta e non una necessità, che merita un Nastro d’Argento. La Gastoni non è da meno come interprete, premiata ai David di Donatello.(…)
L’opinione di gianleo 67 dal sito http://www.mymovies.it
Alvise, rampollo viziato e ribelle di una ricca famiglia di industriali veneti, finge una paraplegia per attrarre le attenzioni di genitori distratti. Finisce accudito in casa della bella e matura zia materna. Tra una nevrosi e l’altra il rapporto tra i due si fa sempre più morboso e malato. Epilogo tragico. Dramma psicologico giocato sul registro ironico di una di una poco convincente satira anti-sociale e su quello ancor meno riuscito di pruriginosa e iconoclasta commedia di costume. Gli elementi che vorrebbero definire il clima di contestazione sociale e politica (correva l’anno 1968!) paiono ingenuamente abbozzati in una cornice ideologica superficiale e spesso irritante, risolvendosi talvolta con ridicole soluzioni figurative (il plastico che riproduce un classico scenario di guerra in Vietnam, la demenziale contabilità degli ‘offesi’ sul campo, la reazionarietà retriva del falso intellettuale ‘liberal’ impegnato in un reportage sulla tragedia degli alluvionati, persino un primo piano di un ritratto di Stalin!). Vale più come tragica messa a fuoco di una certa disgregazione dei valori sociali tradizionali (la famiglia, la repressione sessuale, il rigetto di convenzioni piccolo-borghesi) e più sul piano teorico che pratico. Un esordiente e acerbo (ancorchè abile) Samperi si cimenta con un soggetto difficile e dal fascino morboso, ma sbaglia sovente il registro e pare più interessante nel filmare il dettaglio di un disagio esistenziale attraverso la gestualità ed il linguaggio non verbale che nella insistita prolissità declamatoria di certe scene. Non giova alla causa nemmeno un ritmo frammentato e discontinuo (ancorchè sostenuto da una ossessiva litania fanciullesca del maestro Morricone), nè la scialba prova degli attori: un Lou Castel gigione e un pò sopra le righe ed una Lisa Gatoni di algida staticità. Di routine la prova del sempre bravo Ferzetti. Finale un pò fiacco, dove le pulsioni autodistruttive e la morbosità dell’incestuoso rapporto sado-masochistico tra i due protagonisti non raggiungono un climax di tragica credibilità. Una buona occasione mancata.
L’opinione di silenzio dal sito http://www.davinotti.com
Il serpentino, capriccioso, impertinente Alvise e l’annoiata, sensuosa, protettiva Lea reagiscono alla fissità borghese che li circonda instaurando un rapporto ludico-erotico che non può che consumarsi sotto l’ala di Thanatos. Dotato di una genuina carica politica, il film di Samperi funziona a tutt’oggi come ritratto impietoso e sentito di due “vittime” della noia e del malessere sociale. Castel ricalca il suo Alessandro de I pugni in tasca. Funzionali le neniose e bambinesche note di Morricone.
1976, un anno di cinema
Anno bifronte, il 1976; da un lato la crisi del cinema, dapprima serpeggiante, inizia a mordere mentre dall’altro ecco arrivare sugli schermi alcuni capolavori immortali.
E’ un anno difficile, per il nostro paese e lo si capisce da subito, quando cioè il 7 gennaio si dimette il governo Moro.
Il 6 febbraio scoppia lo scandalo Lockheed; vengono inquisiti gli ex ministri Mario Tanassi e Luigi Gui e il più volte presidente del Consiglio, Mariano Rumor, una storia torbida che porterà alle dimissioni del presidente Leone.E’ l’anno della diossina uscita dalla ICMESA, un’azienda di Seveso che provocherà alcune vittime e una contaminazione drammatica che renderà invalide tante persone, è un anno drammatico per l’escalation del terrorismo, che vedrà tra le sue vittime il magistrato Coco.
Accanto a queste notizie, lo svago principale, il modo per evadere preferito resta il cinema, che però vede molti biglietti venduti in meno.
In Italia arriva dagli Usa un film importantissimo, un autentico cult: si tratta di Taxi driver, diretto da Martin Scorsese con Jodie Foster, Robert De Niro e Cybill Shepherd, un drammatico, terribile viaggio nella solitudine urbana che coinvolge anche il reinserimento dei reduci del Vietnam.
Taxi driver di Martin Scorsese
Rocky di Avildsen
Un altro film riscuote un successo planetario e diventa un mito: si tratta di Rocky, primo film di una fortunata serie diretto da John G. Avildsen e incentrato sulle vicende di un pugile, Rocky Balboa che con coraggio ed abnegazione ( e sopratutto per amore) riesce a diventare campione del mondo di pugilato.Sempre dagli Usa arriva un altro film importante e bellissimo, Quinto potere.
Diretto da Sidney Lumet e interpretato da Peter Finch, William Holden, Faye Dunaway, Robert Duvall il film è una storia drammatica che racconta il potere della tv, deviante e deviato, attraverso le vicende di un commentatore televisivo che perde il seguito di spettatori che ha e che per recuperarlo annuncerà in diretta il suo suicidio.
L’Italia risponde con alcuni film straordinari: su tutti Novecento, di Bernardo Bertolucci, distribuito per motivi di lunghezza temporale in due “atti”, entrambi visti ed osannati da pubblico e da critica.
Un affresco eccezionale, che racconta vite di tre generazioni con sullo sfondo l’Italia che va dagli inizi del 900 alla fine della seconda guerra mondiale.
Quinto potere di Sidney Lumet
Brutti sporchi e cattivi
Altro film bellissimo, cattivo e impietoso è Brutti, sporchi e cattivi di Ettore Scola, viaggio tra l’inferno di una baraccopoli romana e tra le miserie di una famiglia dominata dall’interpretazione di un patriarca orbo e cattivissimo interpretato da un gigantesco Nino Manfredi.
Pupi Avati presenta un film che alla sua uscita non ottiene molta visibilità, ma che col passare del tempo diventa uno dei film, nell’ambito thriller/horror, uno dei prodotti più importanti del cinema italiano.
Girato con pochi soldi e con attori “amici”,(Cavina,Capolicchio), La casa dalle finestre che ridono di Avati, pone dei capisaldi che in seguito saranno utilizzati da molti altri registi.
Dalla Gran Bretagna arriva un gran bel film diretto da Nicholas Roeg, L’uomo che cadde sulla terra; tratto da un romanzo di Trevis, il film racconta la storia di un alieno in fuga sulla terra per cercare dell’energia necessaria al suo popolo.Porterà tecnoclogia e conoscenze ma finirà male.
Il film, interpretato da un androgino e bravissimo David Bowie diventa anch’esso un cult, così’ come un cult è da subito L’inquilino del terzo piano,
Sissy Spacek in Carrie lo sguardo di Satana
Cassandra Crossing
Febbre da cavallo di Steno
regia di Roman Polanski con Isabelle Adjani, Melvyn Douglas, storia di un appartamento maledetto che si trasformerà in un incubo per un inquilino.
Altro classico che arriva dagli Usa è Carrie – Lo sguardo di Satana, horror splendido e magnificamente diretto da John Carpenter che racconta la storia di una adolescente dai prepotenti poteri medianici che, presa in giro in maniera cattivissima da alcune amiche, scatenerà l’inferno durante una festa.
John Schlesinger presenta un thriller adrenalinico, Il maratoneta, protagonisti due indimenticabili attori come Dustin Hoffman e Lawrence Olivier;il primo interpreta uno studente universitario di storia ebreo, appassionato della corsa che s’imbatte in criminale di guerra nazista (Lawrence Olivier), che ha con se una fortuna in diamanti.Drammatica la storia, splendido il finale.
Ancora dagli Usa, ecco arrivare un film di Alan J. Pakula,Tutti gli uomini del presidente, interpretato da Dustin Hoffman, Robert Redford, Jack Warden, Martin Balsam, Hal Holbrook, film che racconta la storia del Watergate, che costò la poltrona di presidente a Nixon.
Il maratoneta
Federico Fellini presenta il suo Casanova, storia del grande seduttore veneziano interpretato da Donald Sutherland mentre Valerio Zurlini riporta sugli schermi Il deserto dei tartari, romanzo di Dino Buzzati, raccontando la incredibile vicenda di un gruppo di soldati che immalinconisce in un avamposto del deserto attendendo dei nemici che non arriveranno mai.Un altro grande della letteratura Francis Scott Fitzgerald vede un suo romanzo ridotto per lo schermo da Elia Kazan; il film, Gli ultimi fuochi, racconta la storia ambientata negli anni trenta di un produttore che si innamora di una donna che gli ricorda la moglie scomparsa, storia che finirà malissimo per il protagonista.
Marco Ferreri presenta il suo corrosivo L’ultima donna con protagonisti Gerard Depardieu e Ornella Muti mentre Nagisa Oshima presenta il controverso L’impero dei sensi, storia vera di un distruttivo amore fra un uomo e la sua sua cameriera che nell’estasi erotica uccide strangolando il suo amante, evirandolo in seguito e venendo fermata dalla polizia mentre ha nella borsetta il membro virile dell’uomo.Il film ebbe molti problemi con la censura, legati principalmente alla segna di sesso orale che l’attrice Matsuda pratica al suo amante.
Ancora dalla Gran Bretagna arriva un horror di buon livello, Omen-Il presagio, interpretato da Gregory Peck, incentrato sulla figura di un bambino che in realtà è figlio del demonio, mentre dagli Usa arriva il campione d’incassi della stagione, King Kong, che risulterà essere anche il film più visto nel nostro paese. Il remake del clebre film degli anni 30 è però un film fiacco, con l’unica gradevole eccezione rappresentata da Jessica Lange.
Altri film della stagione:
Gli anni in tasca di Francois Truffaut
Gli ultimi fuochi di Elia Kazan
–Il pistolero, di Don Siegel, interpretato da John Wayne al suo ultimo western e James Stewart,storia di un pistolero al crepuscolo;
–L’innocente, di Luchino Visconti, con Giancarlo Giannini, Laura Antonelli, ripreso da un racconto di D’Annunzio che racconta la triste storia di una donna che,perso il primo marito, vedrà uccidere dal nuovo compagno il figlio, lasciato morire di freddo;
–Scandalo, di Salvatore Samperi, con Lisa Gastoni, Andrea Ferreol e Franco Nero,torbida vicenda di una relazione proibita tra una farmacista e il garzone della farmacia che, sedotta la donna, arriverà a chiederle anche la figlia;
–Futureworld – 2000 anni nel futuro, sequel di Il mondo dei robot, diretto da Richard T. Heffron con Peter Fonda e Yul Brynner ,ancora ambientato nel fantascientifico mondo di Delos;
Tutti gli uomini del presidente
–Gli anni in tasca, di Francois Truffaut con Nicole Felix, Chantal Mercier, Virginie Thevenet ambientato in un collegio per bambini e incentrato sui piccoli e grandi drammi personali degli stessi;
–Up! di Russ Meyer, con Francesca Kitten Natividad, Robert McLane, Raven De La Croix , umorisitca e satirica storia in chiave fortemente erotica di una relazione lesbica che finisce male e di altre storielle sul tema eros;
–L’Agnese va a morire,regia di Giuliano Montaldo con Michele Placido, Ingrid Thulin, Stefano Satta Flores, vicenda ambientata durante la guerra con una donna che per vendicare il marito diventa partigiana ma alla fine verrà uccisa dai nazisti;
Il Casanova di Fellini
Carole Andrè in Il corsaro nero
–La fuga di Logan, di Michael Anderson con Peter Ustinov, Michael York, Richard Jordan, Farrah Fawcett, Jenny Agutter, sotto valutato film di fantascienza con i residui di un’umanità condannata a vivere sotto una cupola e limitata nella sua vita dal Carrousel, una crudele soluzione che elimina tutti coloro che raggiungono i 30 anni di età, storia che vedrà la sua logica conclusione grazie alla fuga di Logan e di una ragazza, che scopriranno che il mondo esterno esiste ancora;
–Ballata macabra, di Dan Curtis con Oliver Reed, Bette Davis, Karen Black, Burgess Meredith, gran bel horror con un’ambientazione claustrofobica e uno svolgimento assolutamente particolare;
–Vizi privati, pubbliche virtù di Miklós Jancsó con Laura Betti, Pamela Villoresi, Therese Ann Savoy, rivisitazione della tragedia del mayerling in cui persero la vita il principe Rodolfo d’Asburgo e la sua amante Maria Vetsera;
Jessica Lange in King Kong
La casa dalle finestre che ridono
–Il comune senso del pudore, regia di Alberto Sordi. Con Claudia Cardinale, Alberto Sordi, Florinda Bolkan, Philippe Noiret. Alberto Sordi regista fa rimpiangere il Sordi attore e in questo film sul tema dell’osceno, fiacco e senza nerbo, i quattro episodi non valogno una visione.
Il cinema italiano presenta anche prodotti della tradizionale commedia sexy; il genere è ormai quasi al tramonto, nonostante siano ancora prodotti dal grande richiamo. La professoressa di scienze naturali,regia di Michele Massimo Tarantini con Lilli Carati, Alvaro Vitali, ambientato in Sicilia e che con qualche velleità cerca di mostrare uno spaccato di vita della provincia siciliana (tema ormai abusato) racconta le vicissitudini di una giovane e bella insegnante che dovrà difendere le sue virtù dal tradizionale assalto di studenti in calore e insegnanti vogliosi mentre Aristide Massacesi, firmandosi Joe D’Amato, presenta Emanuelle in America con protagonista la super sexy fotografa interpretata da Laura Gemser.
L’impero dei sensi
L’inquilino del terzo piano
Demofilo Fidani segue la scia del filone studentesco e affida alla splendida Femi Benussi il ruolo principale nel film La professoressa di lingue; la protagonista in questo caso va oltre i suoi doveri di insegnante e arriva a guarire, con i soliti mezzi, un giovane dalla balbuzie.
Bitto Albertini emula D’Amato e utilizza Laura Gemser per un nuovo capitolo delle vicende di Emanuelle; questa volta il titolo non è esplicativo e annuncia solo Emanuelle nera alle prese con una coppia disinibita.Discreto invece Bestialità, di Peter Skerl, strana storia di una ragazza che finisce per alimentare il desiderio di una matura coppia e che finirà drammaticamente uccisa dal suo cane mentre Maurizio Liverani prova a lanciare una Gloria Guida in formato super sexy nel mediocre Il solco di pesca.
Ultime segnalazioni per Il corsaro nero di Sergio Sollima, rivisitazione dell’opera omonima di Salgari con protagonista Kabir Bedi, reduce dai fasti dell’altro personaggio salgariano Sandokan,il discreto giallo umoristico Invito a cena con delitto per la regia di Robert Moore con David Niven, Peter Falk, Eileen Brennan, Peter Sellers, Maggie Smith,
L’innocente
L’ultima donna
Il secondo tragico Fantozzi, con Salce che sfrutta l’onda lunga del primo e celebre episodio dedicato alla figura del ragioniere più sfigato del mondo,il godibilissimo e intramontabile Febbre da cavallo di Steno, una delle commedie più divertenti incentrata sulle vicissitudini di un gruppo di incalliti e sfortunati giocatori di corse di cavalli,l’anonimo film collettivo a episodi Signore e signori, buonanotte di Luigi Comencini,Mario Monicelli, Nanni Loy, Ettore Scola, Luigi Magni caratterizzato dalla presenza di un cast eccezionale che include Nino Manfredi, Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, Paolo Villaggio, Adolfo Celi, Marcello Mastroianni, Senta Berger, Lucretia Love,il drammatico Cassandra Crossing di George Pan Cosmatos, che narra le vicende di un gruppo di terroristi che ruba un potente virus e fugge su un treno che le autorità cercheranno in tutti i modi di fermare interpretato da un cast
L’uomo che cadde sulla terra
eccezionale che include Richard Harris, Sophia Loren, Ingrid Thulin, Burt Lancaster, Martin Sheen,Ava Gardner, O.J. Simpson, Alida Valli, Renzo Palmer, Lionel Stander, Roger Browne, Ray Lovelock, Lou Castel, Angela Goodwin, Carlo De Mejo, Fausta Avelli, Ann Turkel, John Philip Law, Stefano Patrizi, Lee Strasberg, Tom Hunter, John Phillip Law.
L’Oscar per il miglior film va al campione di incassi dell’anno precedente, Qualcuno volò sul nido del cuculo (One Flew over the Cuckoo’s Nest), regia di Miloš Forman mentre la Palma d’oro a Cannes va a Taxi Driver, regia di Martin Scorsese. A Berlino Robert Altman vince l’Orso d’oro per Buffalo Bill e gli indiani,mentre il David di Donatello va a Cadaveri eccellenti, regia di Francesco Rosi.
Bestialità
Emanuelle in America
Emanuelle nera
Futureworld
Il comune senso del pudore
Il pistolero
Il presagio
Il secondo tragico Fantozzi
Invito a cena con delitto
La fuga di Logan
La professoressa di scienze naturali
L’Agnese va a morire
Novecento
Scandalo
Signore e signori, buonanotte
Up!
Miglior film Qualcuno volò sul nido del cuculo (One Flew over the Cuckoo’s Nest), regia di Miloš Forman
Miglior regia Miloš Forman – Qualcuno volò sul nido del cuculo
Miglior attore protagonista Jack Nicholson – Qualcuno volò sul nido del cuculo
Migliore attrice protagonista Louise Fletcher – Qualcuno volò sul nido del cuculo
Miglior attore non protagonista George Burns – I ragazzi irresistibili
Migliore attrice non protagonista Lee Grant – Shampoo
Miglior film straniero Dersu Uzala – Il piccolo uomo delle grandi pianure (Dersu Uzala), regia di Akira Kurosawa
Palma d’oro: Taxi Driver, regia di Martin Scorsese
Grand Prix Speciale della Giuria: Cría cuervos, regia di Carlos Saura ex aequo La Marchesa von… (Die Marquise von O…), regia di Eric Rohmer
Prix d’interprétation féminine: Dominique Sanda – L’eredità Ferramonti, regia di Mauro Bolognini
Prix d’interprétation masculine: José Luis Gómez – Pascual Duarte, regia di Ricardo Franco
Prix de la mise en scène: Ettore Scola – Brutti, sporchi e cattivi (Italia)
Orso d’oro a Buffalo Bill e gli Indiani di Robert Altman
Mario Monicelli miglior regia per Caro Michele
Migliore film Cadaveri eccellenti, regia di Francesco Rosi
Miglior regista Mario Monicelli – Amici miei e Francesco Rosi – Cadaveri eccellenti
Migliore sceneggiatura Alberto Bevilacqua e Nino Manfredi – Attenti al buffone
Migliore attrice protagonista Monica Vitti – L’anatra all’arancia
Migliore attore protagonista Ugo Tognazzi – Amici miei e L’anatra all’arancia,Adriano Celentano – Bluff – Storia di truffe e di imbroglioni (ex aequo)
Miglior regista straniero Milos Forman – Qualcuno volò sul nido del cuculo
Migliore attrice stranieraIsabelle Adjani – Adèle H., una storia d’amore (ex aequo)Glenda Jackson – Hedda
Migliore attore straniero Philippe Noiret – Frau Marlene (Le Vieux Fusil) (ex aequo)Jack Nicholson – Qualcuno volò sul nido del cuculo
Miglior film straniero Nashville , regia di Robert Altman
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Sussurri e grida
Proviamo ad immaginare un viaggio virtuale, che avvenga all’interno di un grande museo che contenga opere fiamminghe e impressioniste, come il Louvre.
Poi spostiamoci a Roma, in San Pietro:entriamo e a destra, protetta da una pesante lastra di vetro, osserviamo la Pietà di Michelangelo.
Uniamo i due tour, riempendoci gli occhi e colmandoci i sensi con una tela di Brueghel e subito dopo con una di Renoir o anche Manet, fa lo stesso.
Mettiamo assieme il tutto e otterremo una visione caleidoscopica d’assieme che ci potrà servire come pietra di paragone per capire alcune delle sequenze che fanno parte di Sussurri e grida, opera del grande maestro svedese Ingmar Bergman.
Si, perchè la pittura (ma non solo) è parte fondamentale per comprendere almeno in parte la straordinaria visionarietà del film diretto dal maestro nel 1972:aggiungiamoci ovviamente la rigorosità della fotografia, che alterna tre colori primari e fondamentali come il bianco, il rosso e il nero,ricordiamoci della colonna sonora che include due brani classici come la Mazurka in La minore, op. 17 n. 4, di Fryderyk Chopin, eseguita al pianoforte da Käbi Laretei
e le Sarabande dalla Suite n. 5 in Do minore, BWV 1011 di Johann Sebastian Bach, eseguita al violoncello da Pierre Fournier.
Mettiamo tutto assieme, aggiungiamoci una trama lineare che però potrebbe anche non esistere, visto che siamo in presenza di un’opera scevra da un discorso filologico fondamentale se non come struttura di base per raccontare le immagini e alla fine ci avvicineremo all’opera di Bergman.
Un’opera in cui la freddezza stilistica, la fotografia impeccabile e le immagini straordinarie che come dicevo ricordano tavole fiamminghe o ridenti quadri impressionisti di Renoir si alternano ad alcuni temi cari al regista, come la religiosità e l’amore, le convenzioni sociali e le sfere private dei sentimenti dei protagonisti, la morte e la sessualità, la spiritualità e il matrimonio.
Il tutto raccontato con un gelo che sembrerebbe estraneare il tutto dalla sfera dei sentimenti ma che invece riconduce proprio a questi, attraverso un’alternanza di situazioni che vanno dall’espressionismo gelido e glaciale di volti scavati nella pietra o senza emozioni come quello di Karin, una delle tre sorelle protagoniste della storia passando per il volto dolente e sofferente di Agnese, la donna ammalata di cancro che è al centro della storia e che pure alla fine è solo uno dei punti di una struttura circolare che porterà i protagonisti del film a tornare alle origini, a quell’inizio del film che si apre con il gracchiare di un corvo, che sembra quasi presagire l’imminente morte di Anna, che fa da preludio e da fulcro all’intera storia.
L’introduzione alla storia è segnata dai rintocchi di un orologio: quei secondi che scandiscono come le sistole di un cuore ci portano alla visione di una donna riversa sul un letto, con il respiro affannoso e il volto segnato da un’indicibile sofferenza.
E’ Agnese, una donna di età indefinibile ammalata in fase terminale di cancro; la macchina da presa indugia, per lunghi minuti, sulla visibile sofferenza che la donna prova in ogni movimento per poi mostracela mentre annota su un diario alcune parole, che dicono:”Le mie sorelle e Anna mi assistono a turno.”
Da questo momento in poi scopriamo la vita di quattro persone, tutte di sesso femminile, che hanno condiviso la vita per un lungo periodo prima di separarsi e re incontrarsi in occasione della malattia della vera protagonista, Agnese.
Che è donna dai sentimenti forti, una donna pulita e retta da un senso religioso e da uno stile di vita assolutamente impeccabili, così come straordinaria è la figura di Anna, la domestica che è rimasta accanto alla donna e che ora, con un incredibile senso di devozione la assiste quasi fosse una bimba, quella bimba che lei ha perso. Su Agnese Anna ha riversato il suo affetto, quel cuore traboccante d’amore ha trovato così la piena espressione; mentre il flash back ci riporta ad episodi del passato delle quattro donne, vediamo Anna cullare la moribonda Agnese come una bambina, offrendole anche il seno da succhiare, quasi Agnese altro non sia ormai che una bambina indifesa, da difendere da un destino crudele.
In una delle scene più belle di tutta la storia della cinematografia, quando ormai Agnese ha lasciato la vita terrena, Anna la tiene tra le braccia, muta e sofferente, con il volto di Agnese ancora contratto nella smorfia di dolore che ha salutato la sua vita terrena. E’ un’immagine che riporta alla Pietà di Michelangelo, perchè ieratiche sono le due figure, scolpite come pietra nel loro dolore così diverso eppure al tempo stesso così simile.
Poco alla volta conosciamo anche le due sorelle di Agnese, che sono l’esatto posto di lei, sia come personalità che come stile di vita.
Karin è una donna che sembra non concepire nemmeno i rapporti umani, algida e lontana com’è dalle emozioni; “Non voglio,ti dico.E’ una tortura continua, è come un inferno, non ho pace.vattene via, non avvicinarti ( dice Karin rivolta a Maria,l’altra sua sorella), non devi toccarmi,non devi toccarmi” è la frase chiave che la donna urla, quasi fosse preda di una fobia patologica che la costringe, chissà quanto volontariamente, ad allontanare anche sua sorella Maria.
Che invece, a sua volta, è molto differente sia da Karin che da Agnese; è una donna volitiva, che non ama suo marito e probabilmente lo disprezza, che intrattiene rapporti umani con le sue sorelle forse perchè in se vive ancora il ricordo delle stagioni passate assieme o forse soltanto perchè la sua natura è così, incostante e leggera, così come leggera appare la sua personalità e la sua sessualità, espressa attraverso una relazione sentimentale con il dottor David, che ha in cura Agnese.
I personaggi femminili appaiono così ben delineati, in antitesi a coppie mentre gli uomini della storia, i due mariti e David il dottore appaiono assolutamente opachi nella loro inconsistenza.Non si sa nemmeno se amino o semplicemente sopportino le loro mogli, sopratutto Fredrik, il marito di Karin che assiste all’autolesionismo di sua moglie che si ferisce nelle parti intime con una scheggia di vetro con espressione impassibile e distaccata.
Di flash back in flash back il film ci trasporta verso il finale, che è la parte più dura e vera del film, mostrandoci dapprima la morte di Agnese e il conseguente rifiuto di Karin di toccare sua sorella,la visione meravigliosa già raccontata di anna che culla tra le braccia la defunta e sopratutto lo stupendo quadro d’assieme finale, quando attraverso l’immagine delle quattro donne giovani che passeggiano in un’atmosfera idilliaca fra la natura in festa come in un olio di Renoir ascoltiamo ancora una volta la voce pulita e pura di Anna chiudere la storia con la lettura del diario di Agnese:
” Mercoledi 3 settembre,nell’aria c’è già un sospetto d’autunno; ma è dolce e quasi delicato.Le mie sorelle, Karin e Maria, sono venute a trovarmi.E’ meraviglioso essere di nuovo insieme come ai vecchi tempi.Io mi sento anche molto meglio,abbiamo persino potuto fare una breve passeggiata,un vero avvenimento per me, visto che da tanto tempo non mettevo piede fuori di casa.Ad un tratto abbiamo incominciato a ridere e a correre verso l’altalena abbandonata da quando eravamo bambine.Ci siamo sedute come tre brave sorelline,Anna ci dondolava,piano, dolcemente.
I dolori erano spariti e le persone che amavo più di tutto al mondo erano li.Potevo udirle chiaccherare intorno a me.Sentivo la presenza intorno a me dei loro corpi, il calore delle loro mani.Volevo aggrapparmi a quel momento e pensai “qualunque cosa accada questa è la felicità, non posso desiderare niente di più.Ora, per qualche istante posso assaporare la perfezione e sento di dover essere grata alla mia vita che mi da tanto”
Il film finisce qui, lasciandoci un senso di compiuto:Agnese è in pace con se stessa, lontana dalle meschinerie delle sue due sorelle e le è stato risparmiato lo spettacolo dell’umiliante liquidazione di Anna, mandata via dopo anni di fedele e amorevole servizio con due banconote in mano.
Che dire, siamo di fronte ad un film che nella sua linearità, nella sua grandezza formale e nella sua ricerca della perfezione visiva diventa un autentico capolavoro.
Bergman sceglie come protagoniste del film due attrici molto note come Ingrid Thulin e Liv Ulmann,la prima compagna di molti anni della vita del regista, la seconda anche lei compagna e moglie del regista e le due attrici lo ripagano con un’interpretazione maiuscola.Così come bravissime sono le altre due protagoniste, Harriet Andersson che interpreta la dolente Agnese e Kari Sylwan che interpreta Anna.
Un film sontuoso, in tutte le sue componenti, premiato con l’Oscar per la migliore fotografia a Sven Nykvist e con altre 4 nomination.
Ricordo che una bella versione in italiano del film è disponibile su You tube, all’indirizzo http://www.youtube.com/watch?v=ronxMVoINW8
Sussurri e grida
Un film di Ingmar Bergman. Con Harriet Andersson, Ingrid Thulin, Erland Josephson, Liv Ullmann, Kari Sylwan, Anders Ek, Inga Gill, Henning Moritzen, Georg Årlin, Ingrid Bergman, Lena Bergman, Lars-Owe Carlberg, Linn Ullmann, Malin Gjörup, Greta Johansson, Karin Johansson, Ann-Christin Lobråten, Börje Lundh, Rossana Mariano, Monika Priede Titolo originale Viskningar och rop. Drammatico, durata 91′ min. – Svezia 1971.
Harriet Andersson: Agnese
Kari Sylwan: Anna
Ingrid Thulin: Karin
Liv Ullmann: Maria e la madre di Maria
Erland Josephson: David, il dottore
Henning Moritzen: Joakim, marito di Maria
Georg Årlin: Fredrik, marito di Karin
Anders Ek: padre Isak
Inga Gill: narratore
Linn Ullmann: figlia di Maria
Ingrid Bergman: spettatrice (nei titoli come Ingrid von Rosen)
Lena Bergman: Maria, quando era bambina
Lars-Owe Carlberg: spettatore
Malin Gjörup: figlia di Anna
Greta Johansson: addetta alle pompe funebri
Karin Johansson: addetta alle pompe funebri
Ann-Christin Lobråten: spettatrice
Börje Lundh: spettatore
Rossana Mariano: Agnese quando era bambina
Monika Priede: Karin quando era bambina
Rita Savagnone: Harriet Andersson
Flaminia Jandolo: Kari Sylwan
Anna Miserocchi: Ingrid Thulin
Vittoria Febbi: Liv Ullmann
Arturo Dominici: Erland Josephson
Gianni Marzocchi: Henning Moritzen
Sergio Graziani: Georg Arlin
Bruno Persa: Anders Ek
Pino Locchi: Inga Gill
Regia Ingmar Bergman
Soggetto Ingmar Bergman
Sceneggiatura Ingmar Bergman
Produttore Lars-Owe Carlberg
Casa di produzione Cinematograph AB, Svenska Filminstitutet
Fotografia Sven Nykvist
Montaggio Siv Lundgren
Musiche Pierre Fournier
Scenografia Marik Vos-Lundh
Trucco Cecilia Drott, Borje Lundh
Grazie, mio Dio, per avermi concesso di svegliarmi sana e serena dopo una notte trascorsa in sonno profondo sotto la tua benevola protezione. Ti prego oggi qui come ogni giorno di far custodire e difendere dai tuoi angeli la mia bambina che nella tua insondabile saggezza hai voluto chiamare al tuo fianco.
Sai da dove ti vengono le rughe? Dalla tua indifferenza. E questa lieve curva che va dall’orecchio alla punta del mento non è nitida come un tempo. Questo significa che sei superficiale e indolente. E lì alla radice del naso ora c’è troppo sarcasmo, c’è troppo scherno. E sotto i tuoi occhi inquieti mille rughe impietose, secche, quasi inavvertibili di noia e di impazienza.
La vita non è altro che un insieme di bugie… soltanto bugie
L’opinione di Francois Truffaut:
“Comincia come Le tre sorelle di Cechov e finisce come Il giardino dei ciliegi e, tra i due, ricorda certo Strindberg. Si tratta di Sussurri e grida, l’ultimo film di Ingmar Bergman, grande successo a Londra e a New York da parecchi mesi, motivo di scalpore al Festival di Cannes la settimana scorsa. L’uscita parigina è prevista per settembre. Unanimamente considerato un capolavoro, Sussurri e grida sta riconciliando Ingmar Bergman con il grosso pubblico che lo ha snobbato dopo il suo ultimo successo, Il silenzio (1963).”
L’opinione di kronos dal sito http://www.mymovies.it
Sono stati spesso evidenziati con accezione negativa i debiti che questo film nutre verso l’opera di Strindberg. Si rimproverano a Bergman un’eccessiva teatralità del soggetto e la tendenza a strafare di molti dialoghi e situazioni. Taluni denunciano un certo schematismo nel disegno delle figure femminili, così come nell’uso del colore (le tonalità rosse ossessivamente ricorrenti sfiorano il didascalismo cromatico) e dei flasback, entrambi introdotti da una fastidiosa voce fuori campo. Eppure, al di là di qualunque rilievo negativo si possa attribuire con pedanti analisi cartesiane, ‘Sussurri e grida’ è un film di forza straordinaria che resta indelebile nella memoria di chi lo vede. Le performance di tutto il cast sono ammirevoli, così come la capacità della sceneggiatura di esplorare senza falsi pudori o moralismi il tema della malattia e del dolore fisico. Ma anche le ipocrisie familiari, gli abissi della morte, le tenere nostalgie del passato. A mio avviso è uno dei titoli fondamentali della filmografia di Ingmar Bergman: un genio del novecento.
L’opinione di Viola96 dal sito http://www.filmtv.it
Come si fa a rimanere impassibili,fermi,muti davanti a Sussurri e Grida? Come ci si può soffermare sui punti critici della vicenda senza rimanere assuefatti dalla visione? Sussurri e Grida è un film mondo,ma che dico,un film universo. Bergman prosegue i suoi resoconti dalla casa degli spiriti dostojevskiana,ancora con la figura,come nell’ottimo Persona,della donna come genesi,conflitto e salvezza. Bergman è un regista del subconscio applicato alla realtà,metafisico e metaforico,non ha un vero e proprio contatto con la realtà,se non attraverso le sue diramazioni(sogno,delirio) e sotto forma di mondo vede le sue ossessioni psichiche,ripetute moltissime volte. Tra citazioni bibliche,costrasti di colori decisi(rosso per il dolore,bianco per la tranquillità e nero per la morte),ad una fotografia eccezionalmente pura e lirica,grazie anche a tre interpretazioni masteodontiche,Sussurri e Grida è l’opera più poeticamente strana di Ingmar Bergman. Il genio svedese riapre le finestre e si addentra furtivamente nel cuore femminile,riuscendo a scovare segreti e bugie,chiaro-scuri dell’anima,tristezza e felicità. Quando una delle loro sorelle sta morendo,Maria e Karin debbono accudirla,ma a causa di alcuni loro problemi,si distaccano dalla malata. L’unica a restare vicino alla sorella in fin di vita è la badante,Anna che la tratta come una bambina molto piccola e la accudisce fedelmente. Il ritratto energico e melodioso delle distorte personalità e delle banalità familiari di tre sorelli perennemente in crisi umana e civile,è per Bergman in realtà,la summa della sua poetica analitica e anagrafica,in cui la dominazione avviene psicosomaticamente,e non solo fisicamente. Sussurri e Grida rappresenta la sfrenata eleganza del maestro svedese nel ricreare un modello ambiguo di vita,apparentemente lontano dalla verità,ma terribilmente vicino. Questa eleganza non è solo catartica e risolutiva ma è anche bene-augurante. Nel finale del film,la tranquillità sembra essersi ritrovata. Se sia sogno o realtà non importa. Bergman è un tranquillissimo poeta distorto e bislacco che rifiuta ogni minima caratteristica umana,ma si estrae dalla media-borghesia e questo diventa per lui un vero e proprio campo di studio. La donna,in Bergman,è fondamentale. Dalla donna nasce l’uomo e mai viceversa. La donna quindi è la genesi di tutto il bene e il male del mondo. Ma,come in Persona e anche in minor modo ne Il posto delle Fragole,il conflitto viene generato dalla donna,che rifiuta il contatto alla realtà e preferisce la vita oziosa e pleonastica ad una drastica morte. Ma forse non è tutto. Con Sussurri e Grida,specie nella figura di Anna,Bergman introduce un nuovo concetto di donna come salvezza. Ma la salvezza non è mai correttamente ricompensata. Il prologo del film,come al solito in Bergman,ci racconta il film: Stavolta vediamo un’abitazione alle prime luci dell’alba e subito dopo una serie di colori che si fondono in una donna che si alza e rivela al mondo di essere malata. Nykvist,fotografo geniale e appassionato,riesce straordinariamente a mescolare i chiaro-scuri ai colori delle emozioni. Ma la mano di Bergman è necessaria. Anche stavolta,lo svedese,infarcisce di nuovi luoghi (non) comuni la vicenda narrata e diventa un cantastorie e uno scultore. Perchè Sussurri e Grida è una vera e propria opera d’arte.
L’opinione del sito http://www.pellicolascaduta.it
(…) Ricco di idee stilistiche e narrative molto interessanti, il clou di “Sussurri e grida” è nella parte finale, dove Agnese, già morta da quache giorno, vuole parlare con Karin e Maria, che stanno per partire coi rispettivi mariti. Entrambe la respingono, Karin confessando apertamente il suo odio per lei, Maria invece scappando alla richiesta di stringere le fredde mani della sorella, chiaro emergere della sua ipocrisia e della sua superficialità. Dopo un brusco finale che colpisce duramente come un coltello nel petto, nel quale Karin e Maria fanno i bagagli e partono entro poche ore, congedandosi da Anna con un formale grazie e poche imbarazzanti (per tutti, spettatore compreso) banconote, la badante rimane sola col cadavere di Agnese, in attesa del funerale e della sepoltura. Le altre due sorelle si salutano nella maniera più distante possibile (anche qui la pellicola è emotivamente eccezionale) e solo negli ultimi minuti si viene lasciati col bellissimo ricordo di Agnese. Quel ricordo dove, nonostante i futuri incrinamenti dei loro rapporti, le tre protagoniste vivevano uno dei momenti più felici delle loro vite.(…)
L’opinione di Cotola dal sito http://www.davinotti.com
Assieme a Il posto delle fragole è il capolavoro assoluto di Bergman (pur essendo i due film molto diversi per forma, temi e contenuti). La cosa che ancora oggi sbalordisce maggiormente è l’uso del colore, assolutamente funzionale alla trama e che simboleggia i rapporti, i contrasti e gli stati d’animo dei personaggi. Per il resto va segnalato un cast al femminile dalla bravura prodigiosa che offre una prova semplicemente indimenticabile. La tematica e l’andamento narrativo potrebbero renderlo ostico ad alcuni, ma è da vedere e rivedere.
L’opinione di Rebis dal sito http://www.davinotti.com
Se esiste una sacralità dell’arte, intesa come essenziale irriproducibilità tecnica, se esiste una grazia, intesa come intima cospirazione tra magniloquenza formale e complessità concettuale, allora queste sono in Sussurri e Grida. Antichissimo, atavico e allo stesso tempo dirompente e moderno, il compimento espressivo di Ingmar Bergman è cadenzato e denso, la piena maturazione dell’allegoria nel turgido astrattismo. Inarrivabili, le quattro interpreti, definite con tratteggi basilari e pregnanti, catturate nell’inesauribile forza emotiva del primo piano. Immenso.
L’opinione di Myckes2 dal sito http://www.davinotti.com
Un’immensa raffigurazione dell’animo femminile sezionato in più parti e scandito da varie sfaccettature. Accompagnato dal ticchettio inesorabile di un orologio, dalla musica, dalle sofferte parole scritte su un diario… Bergman narra uno spaccato durissimo, gelido e intenso che fa leva sui ricordi e sulla memoria e che contempla l’ineluttabile dolore fisico di una donna, assommato ad un altrettanta sofferenza interiore, al vuoto esistenziale, ad un rapporto tra sorelle futile, sfuggente, privo di cuore, al disgregamento del nucleo famigliare.
L’opinione di ferzborz dal sito http://www.filmscoop.it
Sofferenza,angoscia,sgomento,felicità,tristezza,amore nelle sue molteplici forme,speranza,terrore,indifferenza e freddezza.
Queste sono le emozioni raccolte in questa pellicola di Ingmar Bergman.
La felicità è un’emozione che la si può ricercare in svariati modi diversi,ma per quanto non vogliamo ammetterlo,essa non potrebbe esistere senza il dolore e la malinconia.
Paradossalmente è sempre un’illusione;si è felici quando tutto ciò che ci angoscia sparisce o si affievolisce,così come la tristezza è alimentata quando tutto ciò che ci fa star bene si allontana da noi…..
La storia delle tre sorelle,Agnese,Karin e Maria è una discesa verso l’inferno…un’incubo che ha inizio dopo che la loro serenità(o apparente serenità in un mondo fittizio d’alta borghesia) viene a mancare a causa della terribile malattia che un giorno colpirà la sventurata Agnese….
Tuttavia il vero dramma non sta nella malattia di quest’ultima,essa è solo l’incipit,ma nelle conseguenze che ne nasceranno…
Una crepa può rovinare irrimediabilmente un bellissimo vaso di ceramica;da quella crepa,per quanto piccola,il valore del vaso viene a mancare….
Non è solo Agnese ad essere colpita dalla malattia,ma tutte e tre le sorelle…
Karin diventa l’immagine sputata della freddezza;reprime i suoi sentimenti fino al midollo…la sua paura è famelica,la divora viva,e pur di non soffrire o di non accettare la terribile realtà che gli si pone davanti,decide di diventare un’automa autoritario,quasi inscalfibile,ma estremamente debole….il più debole,che si appoggia solo alla forza del suo ceto sociale….la più malata di tutte è senz’altro lei….
Poi abbiamo una Maria più sincera,che cerca invano di non perdere la sua umanità,la sua felicità…che cerca di affrontare il terribile dramma della loro vita con equilibrio e razionalita…che cerca di non rinunciare ai piaceri o ai peccati della vita;ma quella di Maria è una patetica maschera che non può ingannare chi gli sta vicino.
Se si decide di continuare a vivere i propri sentimenti,non si può egoisticamente credere di assaporarne solo quelli positivi.
Così tutta l’illusione in cui essa vive viene a crollare nel momento che la sofferenza e la morte le sfiorano il viso o gli sussurrano nell’orecchio….
Agnese è colei che vive la sofferenza fisica più atroce,ma è anche colei che non ha perso se stessa.
La sua malattia gli permette di continuare a ricercare l’affetto delle sue sorelle;un affetto che ormai è offuscato dall’incredibile farsa che le mantiene in vita e non le fa impazzire.
Solo la badante Anna riuscirà a darle ancora un briciolo di amore;la badante Anna,che non avendo più una figlia a cui donare il suo seno,dimostra ancora la sua umanità ed umiltà nel modo più sincero….
Ho letto alcuni commenti,notando che molti sono stati colpiti dall’angoscia e dallo sconforto…
Io ci ho visto solo freddezza e indifferenza…ma il mio sguardo era sempre rivolto ad Anna….
L’evidente omaggio di Bergman a Michelangelo
Gli Oscar del 1975
Dorothy Chandler Pavilion,Los Angeles,8 aprile 1975.
Si assegnano gli Oscar cinematografici relativi alla stagione 1974
La serata è presentata da quattro grandi personaggi di Hollywood,ovvero il cantante ( e attore) Frank Sinatra, Shirley McLaine,Sammy Davis Jr.e Bob Hope.
Sono due i film che promettono grande battaglia per i premi più ambiti: si tratta di Il padrino – Parte II di Francis Ford Coppola, sequel del celebre Padrino e di Chinatown, splendido noir di Roman Polanski.
Entrambi i film partono con 11 nomination a testa, mentre tra gli outsider, che appaiono favoriti per i premi minori, ci sono L’inferno di cristallo di John Guillermin e Irwin Allen che comunque ha ben 8 nomination e Assassinio sull’Orient Express di sidney Lumet che si presenta con 6 nomination.
Per il premio al miglior film sono in 5 a contendersi l’Oscar, ovvero:Il padrino – Parte II (The Godfather: Part II), regia di Francis Ford Coppola,Chinatown (Chinatown), regia di Roman Polanski,La conversazione (The Conversation), regia di Francis Ford Coppola,Lenny (Lenny), regia di Bob Fosse e L’inferno di cristallo (The Towering Inferno), regia di John Guillermin.
Il Dorothy Chandler Pavilion, sede della premiazione per gli Oscar 1975
A spuntarla è il film di Coppola, che vince anche come miglior regia, bruciando sia Polanski sia lo stupendo Effetto notte di Truffaut oltre a Fosse che presentava Lenny e John Cassavets con Una moglie.
Se il film di Polanski, accreditato di 11 nomination sembra destinato a prendersi la rivincita almeno nelle categorie attori, ecco che arriva la prima, grande sorpresa: come miglior attore protagonista viene premiato Art Carney interprete di Harry e Tonto di Paul Mazurski che la spunta su un trio di grandissimi ovvero Dustin Hoffman protagonista di Lenny,Jack Nicholson protagonista di Chinatown e Al Pacino interprete di Il padrino – Parte II.
Identica sorpresa per la miglior attrice protagonista: a vincere è Ellen Burstyn per Alice non abita più qui (Alice Doesn’t Live Here Anymore) di Martin Scorsese che batte ancora una volta l’attrice protagonista di Chinatown, Faye Dunaway.
Il miglior attore non protagonista è Robert De Niro, interprete del Padrino parte II mentre miglior attrice non protagonista è una grande star di Hollywood, Ingrid Bergman che così ai due Oscar da protagonista del 1945 e del 1957 conquista a sessant’anni l’ambita statuetta.
Per l’Italia è una serata importante:Federico Fellini, con il suo poetico Amarcord vince l’Oscar come miglior film straniero,battendo il suo rivale più pericoloso, Cognome e nome: Lacombe Lucien (Lacombe Lucien), regia di Louis Malle, film splendido e drammatico.
Il trionfo italiano è completato dall’Oscar come miglior colonna sonora drammatica che va a Nino Rota e Carmine Coppola per Il padrino – Parte II (The Godfather: Part II)
Alla fine è amarissimo il bilancio per Chinatown;il bellissimo film di Polanski su 11 nomination porta a casa solo l’Oscar come migliore sceneggiatura originale a Robert Towne.Il film si rivarrà ai Golden Globe (4 su 7 nomination), ai BAFTA (3 su 9).Il film verrà inserito tra i primi cento film più belli di tutti i tempi prodotti in America.
Miglior film
Il padrino – Parte II (The Godfather: Part II), regia di Francis Ford Coppola
Chinatown (Chinatown), regia di Roman Polanski
La conversazione (The Conversation), regia di Francis Ford Coppola
Lenny (Lenny), regia di Bob Fosse
L’inferno di cristallo (The Towering Inferno), regia di John Guillermin
Miglior regia
Francis Ford Coppola – Il padrino – Parte II (The Godfather: Part II)
Roman Polanski – Chinatown (Chinatown)
François Truffaut – Effetto notte (La nuit américaine)
Bob Fosse – Lenny (Lenny)
John Cassavetes – Una moglie (A Woman Under the Influence)
Miglior attore protagonista
Art Carney – Harry e Tonto (Harry and Tonto)
Albert Finney – Assassinio sull’Orient Express (Murder on the Orient Express)
Dustin Hoffman – Lenny (Lenny)
Jack Nicholson – Chinatown (Chinatown)
Al Pacino – Il padrino – Parte II (The Godfather: Part II)
Migliore attrice protagonista
Ellen Burstyn – Alice non abita più qui (Alice Doesn’t Live Here Anymore)
Diahann Carroll – Claudine (Claudine)
Faye Dunaway – Chinatown (Chinatown)
Valerie Perrine – Lenny (Lenny)
Gena Rowlands – Una moglie (A Woman Under the Influence)
Miglior attore non protagonista
Robert De Niro – Il padrino – Parte II (The Godfather: Part II)
Fred Astaire – L’inferno di cristallo (The Towering Inferno)
Jeff Bridges – Una calibro 20 per lo specialista (Thunderbolt and Lightfoot)
Michael V. Gazzo – Il padrino – Parte II (The Godfather: Part II)
Lee Strasberg – Il padrino – Parte II (The Godfather: Part II)
Migliore attrice non protagonista
Ingrid Bergman – Assassinio sull’Orient Express (Murder on the Orient Express)
Valentina Cortese – Effetto notte (La nuit américaine)
Madeline Kahn – Mezzogiorno e mezzo di fuoco (Blazing Saddles)
Diane Ladd – Alice non abita più qui (Alice Doesn’t Live Here Anymore)
Talia Shire – Il padrino – Parte II (The Godfather: Part II)
Miglior sceneggiatura originale
Robert Towne – Chinatown (Chinatown)
Robert Getchell – Alice non abita più qui (Alice Doesn’t Live Here Anymore)
Francis Ford Coppola – La conversazione (The Conversation)
Paul Mazursky e Josh Greenfeld – Harry e Tonto (Harry and Tonto)
François Truffaut, Jean-Louis Richard e Suzanne Schiffman – Effetto notte (La nuit américaine)
Miglior sceneggiatura non originale
Francis Ford Coppola e Mario Puzo – Il padrino – Parte II (The Godfather: Part II)
Mordecai Richler e Lionel Chetwynd – Soldi ad ogni costo (The Apprenticeship of Duddy Kravitz)
Julian Barry – Lenny (Lenny)
Paul Dehn – Assassinio sull’Orient Express (Murder on the Orient Express)
Gene Wilder e Mel Brooks – Frankenstein Junior (Young Frankenstein)
Miglior film straniero
Amarcord, regia di Federico Fellini (Italia)
Cognome e nome: Lacombe Lucien (Lacombe Lucien), regia di Louis Malle (Francia)
Giochi di gatti (Macskajáték), regia di Károly Makk (Ungheria)
Il settimo flagello (Potop), regia di Jerzy Hoffman (Polonia)
La tregua (La tregua), regia di Sergio Renan (Argentina)
Miglior fotografia
Fred Koenekamp e Joseph Biroc – L’inferno di cristallo (The Towering Inferno)
John A. Alonzo – Chinatown (Chinatown)
Philip Lathrop – Terremoto (Earthquake)
Robert Surtees – Lenny (Lenny)
Geoffrey Unsworth – Assassinio sull’Orient Express (Murder on the Orient Express)
Miglior montaggio
Harold F. Kress e Carl Kress – L’inferno di cristallo (The Towering Inferno)
John C. Howard e Danford Greene – Mezzogiorno e mezzo di fuoco (Blazing Saddles)
Sam O’Steen – Chinatown (Chinatown)
Dorothy Spencer – Terremoto (Earthquake)
Michael Luciano – Quella sporca ultima meta (The Longest Yard)
Miglior scenografia
Dean Tavoularis, Angelo Graham e George R. Nelson – Il padrino – Parte II
Richard Sylbert, W. Stewart Campbell e Ruby Levitt – Chinatown (Chinatown)
Peter Ellenshaw, John B. Mansbridge, Walter Tyler, Al Roelofs e Hal Gausman – L’isola sul tetto del mondo (The Island at the Top of the World)
Alexander Golitzen, E. Preston Ames e Frank McKelvy – Terremoto (Earthquake)
William Creber, Ward Preston e Raphael Bretton – L’inferno di cristallo (The Towering Inferno)
Migliori costumi
Theoni V. Aldredge – Il grande Gatsby (The Great Gatsby)
Anthea Sylbert – Chinatown (Chinatown)
John Furness – Daisy Miller (Daisy Miller)
Theadora Van Runkle – Il padrino – Parte II (The Godfather: Part II)
Tony Walton – Assassinio sull’Orient Express (Murder on the Orient Express)
Migliore colonna sonora
Originale drammatica
Nino Rota e Carmine Coppola – Il padrino – Parte II (The Godfather: Part II)
John Williams – L’inferno di cristallo (The Towering Inferno)
Richard Rodney Bennett – Assassinio sull’Orient Express (Murder on the Orient Express)
Jerry Goldsmith – Chinatown (Chinatown)
Alex North – Shanks (Shanks)
Adattamento con canzoni originali
Nelson Riddle – Il grande Gatsby (The Great Gatsby)
Alan Jay Lerner, Frederick Loewe, Angela Morley e Douglas Gamley – Il piccolo principe (The Little Prince)
Paul Williams e George Aliceson Tipton – Il fantasma del palcoscenico (Phantom of the Paradise)
Miglior canzone
We May Never Love Like This Again, musica e testo di Al Kasha e Joel Hirschhorn – L’inferno di cristallo (The Towering Inferno)
I Feel Love, musica di Euel Box, testo di Betty Box – Beniamino (Benji)
Blazing Saddles, musica di John Morris, testo di Mel Brooks – Mezzogiorno e mezzo di fuoco (Blazing Saddles)
Little Prince, musica di Frederick Loewe, testo di Alan Jay Lerner – Il piccolo principe (The Little Prince)
Wherever Love Takes Me, musica di Elmer Bernstein, testo di Don Black – Il segno del potere (Gold)
Miglior sonoro
Ronald Pierce e Melvin Metcalfe Sr. – Terremoto (Earthquake)
Bud Grenzbach e Lawrence O. Jost – Chinatown (Chinatown)
Walter Murch e Arthur Rochester – La conversazione (The Conversation)
Theodore Soderberg e Herman Lewis – L’inferno di cristallo (The Towering Inferno)
Richard Portman e Gene Cantamessa – Frankenstein Junior (Young Frankenstein)
Miglior documentario
Hearts and Minds (Hearts and Minds), regia di Peter Davis
Antonia: A Portrait of the Woman (Antonia: A Portrait of the Woman), regia di Jill Godmilow
The Challenge…A Tribute to Modern Art (The Challenge…A Tribute to Modern Art), regia di Herbert Kline
The 81st Blow (Ha-Makah Hashmonim V’Echad), regia di David Bergman e Jacques Ehrlich
The Wild and the Brave (The Wild and the Brave), regia di Eugene S. Jones
Miglior cortometraggio
One-Eyed Men Are Kings (Les …borgnes sont rois), regia di Michel Leroy e Edmond Séchan
Climb (Climb), regia di Dewitt Jones
The Concert (The Concert), regia di Claude Chagrin
Planet Ocean (Planet Ocean), regia di George V. Casey
The Violin (The Violin), regia di Andrew Welsh e George Pastic
Miglior cortometraggio documentario
Don’t (Don’t), regia di Robin Lehman
City out of Wilderness (City out of Wilderness), regia di Francis Thompson
Exploratorium (Exploratorium), regia di Jon Boorstin
John Muir’s High Sierra (John Muir’s High Sierra), regia di Dewitt Jones e Lesley Foster
Naked Yoga (Naked Yoga), regia di Paul Corsden
Miglior cortometraggio d’animazione
Closed Mondays (Closed Mondays), regia di Bob Gardiner e Will Vinton
The Family That Dwelt Apart (The Family That Dwelt Apart), regia di Yvon Malette
Hunger (Hunger), regia di Peter Foldes
Voyage to Next (Voyage to Next), regia di Faith Hubley e John Hubley
Winnie the Pooh and Tigger Too (Winnie the Pooh and Tigger Too), regia di John Lounsbery
Premio Special Achievement
Frank Brendel, Glen Robinson e Albert Whitlock – Terremoto (Earthquake) – Effetti visivi
Premio alla carriera
Howard Hawks
Jean Renoir
Art Carney, Oscar 1995 come miglior attore protagonista (qui con Glenda Jackson)
Francis Ford Coppola, Oscar come miglior film e miglior regia
Gray Frederickson,Francis Ford Coppola,Fred Roos e Carmine Coppola
Ingrid Bergman, Oscar come miglior attrice non protagonista
Jack Lemmon annuncia le nomination per la miglior attrice protagonista
Martin Scorsese ritira il premio per Ellen Burstyn,miglior attrice protagonista
Tatum e Ryan O’Neal annunciano le nomination per il miglior attore non protagonista
Il conformista
Il conformista, film del 1970 diretto da Bernardo Bertolucci rappresenta un caso rarissimo in cui la trasposizione cinematografica è di gran lunga migliore della fonte scritta da cui proviene, in questo caso l’omonimo romanzo di Alberto Moravia.
Bertolucci ambienta il film ( come del resto il romanzo) nella Roma fascista e per rendere il tutto più credibile sceglie l’Eur, il complesso urbanistico e architettonico di Roma nato negli anni trenta in previsione dell’Esposizione Universale di Roma che in realtà poi non si tenne.
Il quartiere, costruito nell’imponente stile impero caratteristico del fascismo, fa così da scenario a parte del film, quella ambientata a Roma e che vede l’inizio della storia di Marcello Clerici.
Siamo nel 1938 e l’uomo, che è un docente di filosofia che segretamente è anche una spia del regime fascista, ha una situazione personale estremamente complessa.Figlio di un uomo manesco e violento e di una donna alcolizzata all’estremo stadio, ha un segreto nascosto dal e nel tempo: da ragazzino, quando aveva 13 anni, ha ucciso un autista che aveva tentato di stuprarlo.
Con questo oscuro passato Marcello ha dovuto in qualche modo convivere ma da uomo ha comunque saputo costruirsi una vita normale: è infatti fidanzato con la bella e allegra Giulia, che lo ama con passione che in qualche modo è il rovescio della medaglia dell’uomo, decisamente meno propenso all’allegria e alla solarità.
Essere spia del governo fascista significa anche dover obbedire ad ordini a volte crudeli e che ti mettono a contatto con il tuo passato, che torna sotto forma del professor Luca Quadri che nel passato era stato professore di filosofia di Marcello.
L’uomo vive da esule e da dissidente a Parigi, dove è riparato per sfuggire al regime; secondo gli ordini ricevuti Marcello dovrà raggiungerlo e sopprimerlo.
Così, approfittando del viaggio di nozze con Giulia, che nel frattempo ha sposato, Marcello giunge a Parigi,dove ha modo di contattare il professor Quadri.
Marcello conosce anche la bellissima e ambigua Anna, con la quale allaccia una relazione, mentre la donna sembra essere attratta in maniera fatale principalmente da Giulia.
Seguito come un’ombra da Manganiello, un agente dei servizi segreti fascisti, Marcello riesce a portare in un luogo solitario il professore; quest’ultimo viene ucciso proprio da Manganiello perchè Marcello non riesce a sparare il colpo fatale e purtroppo a perire è anche Anna, che è presente all’attentato e che disperatamente cerca di salvarsi la vita, sotto lo sguardo un po impotente e un po indifferente di Marcello.
Passano 5 anni e la notte del 25 luglio 1943 Marcello si ritrova per strada mentre in giro circola la voce dell’avvenuto armistizio tra l’Italia e le potenze alleate:per puro caso l’uomo incontra l’autista che aveva tentato di abusare di lui e che credeva di aver ucciso.
Il grande equivoco che Marcello aveva costruito attorno a se stesso, alla sua personalità, diventando un conformista che si è adeguato per tutta la vita agli altri lo porta a urlare la sua rabbia all’autista, accusandolo di quello che ha commesso di turpe nella vita.
Elegante, affascinante e tecnicamente perfetto, Il conformista è uno dei film più importanti della cinematografia italiana;Bertolucci, che ne cura anche la sceneggiatura fonde mirabilmente il linguaggio visivo fondendo il romanzo originario di Moravia con la sua straordinaria capacità descrittiva, estrinsecata attraverso la ricerca continua della purezza formale.
Bertolucci narra più storie mantenendo l’alchimia del romanzo in maniera eccezionale: la vita di Marcello,il suo viaggio di nozze e il delitto di stato,la descrizione dell’odissea di un uomo che sembra non desiderare altro che diventare parte della maggioranza oscura e amorfa della gente e che solo alla fine sembra trovare lo spiraglio di luce per capire che ha vissuto una vita all’insegna della menzogna e del conformismo per nulla.
Una fotografia praticamente perfetta, curata da Vittorio Storaro e un cast strepitoso concorrono a rendere Il conformista un film da ricordare;grandissimo Jean Louis Trintignant, che interpreta Marcello, un uomo sconfitto da un errore di gioventù, che pagherà a caro prezzo vivendo una vita da conformista adeguandosi al pensiero comune alla ricerca di approvazione dagli altri.
Bravissima la vitale Stefania Sandrelli che interpreta il lato solare di Marcello, l’alter ego umano e vivo dell’uomo cupo e tormentato che diventerà il suo compagno di vita così come bravissima è Dominique Sanda, l’ambigua moglie del professore che sarà l’amante di Marcello e ancora segnalazione per Gastone Moschin, il viscido Manganiello, per Pierre Clémenti che interpreta Lino Semirama e infine Yvonne Sanson ( la madre di Giulia) e la grande attrice e cantante Milly, che interpreta la madre di Marcello.
Il conformista
Un film di Bernardo Bertolucci. Con Jean-Louis Trintignant, Stefania Sandrelli, Dominique Sanda, Gastone Moschin, Enzo Tarascio,Yvonne Sanson, Fosco Giachetti, Giuseppe Addobbati, Carlo Gaddi, Massimo Sarchielli, Alessandro Haber, Christian Alegny, Benedetto Benedetti, José Quaglio, Pierre Clémenti, Luciano Rossi, Milly, Orso Maria Guerrini Drammatico, Ratings: Kids+16, durata 116 min. – Italia 1970.
Jean-Louis Trintignant: Marcello Clerici
Stefania Sandrelli: Giulia
Dominique Sanda: Anna Quadri
Gastone Moschin: agente speciale Manganiello
Pierre Clémenti: Lino Semirama
Enzo Tarascio: Luca Quadri
José Quaglio: Italo Montanari
Fosco Giachetti: il colonnello
Yvonne Sanson: la madre di Giulia
Milly: la madre di Marcello
Giuseppe Addobbati: il padre di Marcello
Antonio Maestri: Don Lattanzi
Christian Aligny: Raoul
Pasquale Fortunato: Marcello a 13 anni
Alessandro Haber: Senigallia, il cieco ubriaco
Sergio Graziani: Marcello Clerici
Rita Savagnone: Anna Qaudri
Giuseppe Rinaldi: Italo Montanari
Arturo Dominici: il colonnello
Lydia Simoneschi: la madre di Giulia
Regia Bernardo Bertolucci
Soggetto Alberto Moravia (romanzo)
Sceneggiatura Bernardo Bertolucci
Produttore Maurizio Lodi-Fè
Produttore esecutivo Giovanni Bertolucci
Casa di produzione Mars Film, Marianne Productions, Maran Film
Fotografia Vittorio Storaro
Montaggio Franco Arcalli
Musiche Georges Delerue
Scenografia Ferdinando Scarfiotti
Costumi Gitt Magrini
“Nel tempo della sua fanciullezza, Marcello era affascinato dagli oggetti come una gazza. Forse perché, a casa, più per indifferenza che per austerità, i genitori non avevano mai pensato a soddisfare il suo istinto di proprietà; o, forse, perché altri istinti più profondi e ancora oscuri si mascheravano in lui da avidità; egli era continuamente assalito da voglie furiose per gli oggetti più diversi.”
“Ma, tornò a domandarsi, sarebbe forse stato possibile che le cose avessero potuto andare altrimenti? No, non sarebbe stato possibile, pensò ancora, a guisa di risposta. Lino aveva dovuto insidiare la sua innocenza e lui, per difendersi, aveva dovuto ucciderlo, e poi, per liberarsi dal senso di anormalità che ne era derivato, aveva dovuto ricercare la normalità nel modo che l’aveva cercata; e per ottenere questa normalità aveva dovuto pagare un prezzo corrispondente al fardello di anormalità dal quale aveva inteso liberarsi; e questo prezzo era stata la morte di Quadri”. In questo senso la normalità “era proprio questo affannoso quanto vano desiderio di giustificare la propria vita insidiata dalla colpa originaria”.
” …se la montagna venisse rimossa, il sole farebbe sorridere le acque; ma la montagna è sempre là e il lago è triste “.
” Tutti, pensò, dovevano recitare la loro parte e soltanto in questo modo il mondo poteva durare “.
” La malinconia, egli l’aveva addosso, come una seconda pelle, più sensibile di quella vera… “.
” …io sono come quel fuoco, laggiù nella notte… divamperò e mi spegnerò senza ragione, senza seguito… “.
” …ed egli, in un solo sguardo, ebbe il senso della sua bellezza come di qualche cosa che gli era destinata da sempre… “.
” Il desiderio non era in realtà che l’aiuto decisivo e potente della natura a qualcosa che esisteva prima di essa e senza di essa “.
” Quando si dice fatalità si dicono appunto tutte queste cose, l’amore e il resto… “.
” Si sentiva stanco e stranamente trasognato, come se in mezzo a quella folla e a quel tumulto, egli si fosse portato dietro una sfera di solitudine trasparente e invisibile ma infrangibile, dalla quale non gli era possibile uscire “.
L’opinione di Antonio Canzoniere dal sito http://www.mymovies.com
Nella Roma fascista del ’38, Marcello Clerici, professore di filosofia e promesso sposo di Giulia, piccolo borghese solare e civettuola, ottiene una missione per conto dell’OVRA: uccidere il suo vecchio professore, dissidente politico residente a Parigi. S’innamorerà di Anna, la moglie del vecchio docente, attraente quanto ambigua, che intreccerà rapporti morbosi con Marcello e consorte. Alla fine scoprirà la verità su un risvolto del suo passato. Tratto dall’omonimo romanzo di Alberto Moravia, che viene sovvertito nei temi e nel contenuto, il film segna l’inizio della serie dei capolavori del grande Bertolucci. Diviso tra una grigia Roma mussoliniana e una Parigi luminosa ed esistenzialista illuminate dalle luci di stampo espressionista del grande Vittorio Storaro, questo opus n.8 è, nonostante il protagonista voglia essere un conformista, un inno all’anticonformismo, alla libertà di amore, pensiero e dell’essere sé stessi. E’ il dramma di un’esistenza tormentata che non trova appoggi e che sembra perfino rifiutarli in un certo senso: Marcello, sconvolto da un trauma infantile, non riesce a non ricordare l’autista che tentò di violentarlo e sfogandosi sparandolo, trova nella violenza un’ancora disperata, fuori dalla religione e dagli affetti. L’unico sprazzo di vita e di libertà che gli passerà davanti sarà l’infatuazione per la moglie del professore, che però lascerà morire per mano dei sicari fascisti nell’imboscata in Savoia. Opera cinefila in ogni senso, omaggia l’espressionismo tedesco da Stenberg fino ad Ophuls ed immancabilmente, Il disprezzo di Godard. Trintignant straordinario, Sandrelli fantastica, Sanda celestiale, ammirevole Moschin. Nomination al Golden Globe come miglior film straniero e all’Oscar per la miglior sceneggiatura non originale. La magnifica sequenza del ballo è girata nei sobborghi di Parigi.
L’opinione di Crimson dal sito http://www.filmscoop.it
Il regista torna a lavorare sull’identità dopo ‘Partner’; stavolta il riferimento letterario è l’omonimo romanzo di Moravia e non c’è un chiaro omaggio a Dostoevskij, ciononostante è pur presente l’ennesimo lavoro sulle ombre e perché no, sul doppio – la coscienza del protagonista ha la possibilità di redimersi non nella fede e neppure nella società come lui confessa candidamente di aspirare a giungere, ma nella fiducia dei due coniugi che contribuisce ad uccidere in modo agghiacciante. Omertoso e vigliacco fino in fondo, precipita al livello più basso della dignità, banderuola priva di personalità.
Ancora un lavoro sottile e acuto su realtà e ombra, sulla falsa riga dell’intramontabile “uomo della caverna” del citato Platone. La stessa ombra che scompare col primo raggio di sole metaforico che nella realtà appartiene all’evento cardine della fine della dittatura fascista. In quel preciso momento Marcello si dissolve e da delatore cerca disperatamente, ormai nel baratro, di riappropriarsi dell’immagine di normalità che ha tanto rincorso con tutte le sue forze.
Stavolta Bertolucci sul piano formale non strizza l’occhio a Godard ma mostra già di aver raggiunto una cifra stilistica matura di tutto rispetto. Il film è tecnicamente ineccepibile e la sequenza del brutale omicidio di Quadri totalmente mancante di emozione, scioccante come poche.
Rispetto alla prima visione ho ritrovato le stesse sensazioni ma avevo rimosso la figura indispensabile di Anna – lei che è a conoscenza, più a fondo del marito, del ruolo di Marcello ma che sembra non voler considerare, ingenuamente, che questa attrazione animale e irrazionale la condurrà inevitabilmente alla morte. E’ una donna che vive sul presentimento ma non comprende la crudeltà fino alle pugnalate ricevute dal marito e alla successiva corsa per la salvezza. L’incrocio di sguardi con Marcello è indescrivibile, la punta di diamante che eleva questo film da bellissimo a capolavoro.
‘Il Conformista’ non solo racconta dello smarrimento dell’identità e della possibilità che gli altri ci danno per renderci conto in extremis del reale valore della parola ‘normalità’ contrapposta a ‘individualità’, non solo rende conto che in determinati periodi storici in cui si afferma una mentalità egemone c’è sempre chi è pronto a inabissarsi tra le piaghe della mancanza di ideali, riflessione e confronto, ma pone le basi per considerare più genericamente quanto la cieca uniformità ad un Credo (politico, religioso) possa svilire l’uomo e renderlo ignobile.
Magistrale la sequenza della confessione di Marcello. Egli mostra di essere ateo non come risultato di una riflessione approfondita, ma come abitudine. Diffida della Chiesa perché intende essere assolto dalla società. Ciò che ricorda essere stato un omicidio è l’episodio che ha cambiato per sempre la propria vita. Il rifiuto della propria omosessualità latente lo ha spinto verso l’insoddisfazione e la conseguente ricerca ossessiva della “normalità”. Famiglia, stabilità, a tutti i costi. Paradigma che accomuna chi ha come unico obiettivo nella vita quello di essere qualcuno agli occhi degli altri. Marcello è tale. Non ha sentimenti di amore, la relazione con Giulia è assolutamente priva di calore. Egli la considera piccolo-borghese meschina e mediocre, e non a torto. Sua moglie è una ragazzina viziata e conformista quanto lui, ma a basso profilo. Si auto compiace del ruolo di donna che vive all’ombra del marito, che deve assuefarsi economicamente e filosoficamente ai valori che quel tipo di società che la culla le impone. E soccombe senza mai porsi la domanda. Il suo è un conformismo che non prevede la lotta per accaparrarsi un ruolo nella società, essendo fin dall’infanzia stata educata ad autolimitarsi conformemente alla concezione che solo al futuro marito pertiene quell’ambizione. E la sua bassezza morale si conferma in toto quando racconta a Marcello che in fondo aveva capito che l’omicidio dei coniugi Quadri era stata ordita da lui, eppure confessa candidamente che avendo pensato che potesse servirgli per fare carriera ha implicitamente e vergognosamente taciuto. Imputa a coloro che festeggiano la caduta di Mussolini di essere ipocriti dimenticando di eseguire un esame di realtà su se stessa e sul marito. La stabilità prima di tutto.
Anna vuole Marcello, lo scuote, forse lo ama. Marcello vorrebbe che lei non parta perché sa che Luca Quadri morirà. Quando scopre che anche lei è partita ordina a Manganiello di accelerare perché intende salvarla. Il disorientamento che Marcello prova nei sentimenti per ‘merito’ di Anna è il medesimo che prova sul piano intellettuale per filantropico candore del professore (che sfocia nell’eccesso di sprovvedutezza che gli costerà la vita). Non è un fascista fino in fondo e non lo sarà mai, ma non è neppure un uomo che riesce a guadagnare una dimensione etica, individuale. Resta una figura a metà, nulla, ignava.
La parvenza del cambiamento è sempre dietro l’angolo. Una mano tesa che si infrange contro il muro eretto dalla corruzione morale, cronica e irrimediabile; dall’incapacità di diventare un essere umano uscito dalla caverna. Marcello resta lì, a fissare le ombre.
Jean Louis Trintignant è una maschera. Anima un personaggio raccapricciante, vittima ma colpevole.
Un film sconvolgente, profondo, longevo.
L’opinione di Chinaskj dal sito http://www.filmtv.it
Un uomo si deve recare a Parigi per uccidere il suo ex professore di filosofia, fuggito dall’Italia quando il fascismo ha preso il potere. Questo uomo, ambiguo e mediocre, si chiama Marcello Clerici ed è il simbolo della ricerca di quella normalità borghese cara a tanta parte della nostra popolazione. Rivedere a quaranta anni di distanza Il Conformista di Bertolucci è come accorgersi che il tempo non è passato, che nulla è cambiato. Che quella mediocrità esistenziale è diventata uno stile di vita, che quel servilismo al potere è diventato la morale dei nostri giorni. E in più c’è il rimpianto per la grandezza di un cinema (nelle idee, nello stile, nella forza espressiva, nella denuncia aperta) che da decenni ha smesso di vivere.
Bertolucci esaminava il fascismo e lo combatteva dall’interno, negli istinti, nelle pulsioni (omo)sessuali represse, come se la vera liberazione potesse arrivare solo attraverso la presa di coscienza del proprio istinto, dei propri desideri, Dominique Sanda e Stefania Sandrelli che ballano, la distruzione delle gabbie borghesi doveva avvenire attraverso l’esplosione erotica, ci penserà un paio di anni dopo Marlon Brando, sempre a Parigi, in un appartamento in affitto in Rue Jules Verne.
I luoghi e i volti del fascismo si astraggono, diventano grotteschi (quello di Gastone Moschin che interpreta Manganiello) e metafisici (le sequenze girate nel Palazzo dei Congressi a Roma) come i ricordi di un sogno, Parigi evoca la nostalgia di un mondo perduto eppure ancora vitale, dove le fantasie sessuali possono diventare reali, l’attrazione fisica elimina le distanze, supera le barriere ideologiche, elude lo scontro politico, la lotta diventa quella dei corpi per il raggiungimento del piacere, dell’orgasmo.
I boschi dove verrà ucciso il professor Quadri, il respiro degli alberi, il montaggio di Franco Arcalli, il cambiamento continuo della visuale, gli uomini in nero che arrivano, i coltelli, il fiato che si condensa, la corsa folle di una donna che diventa una preda animale che fugge.
Il mito della caverna di Platone, il professor Quadri che rimprovera a Marcello Clerici l’illusorietà della vita sociale italiana durante il fascismo, siamo ancora incatenati in quella caverna e le ombre non passano più su una delle sue pareti, ma su uno schermo televisivo e noi continuiamo a credere che quanto vediamo sia la realtà, l’unica e la sola possibile.
“Ma che t’aspetti dal matrimonio?Vedi, l’impressione della normalità.”
“La normalità… Voglio costruire la mia normalità, faticosamente…”
“È strano, però… Tutti vorrebbero sembrare diversi dagli altri e tu invece vuoi somigliare a tutti.”
Ashanti
La dottoressa Anansa, discendente della grande tribù degli Ashanti è sposata al dottor David Linderby, un funzionario inglese che lavora sotto l’egida dell’Onu;i due, in perfetta simbiosi, aiutano le popolazioni dell’Africa occidentale ma un giorno, mentre Anansa è in riva ad un fiume per farsi un bagno, viene rapita da alcuni nativi che agiscono per ordine di un mercante di schiavi, il temibile Suleiman.
L’uomo, fatta prigioniera la bellissima dottoressa, la conduce con una terribile marcia, verso il Mar Rosso.
David si mette sulle sue tracce grazie all’aiuto di Jim Sandell (un avventuriero) e in seguito di un tuareg,Malik (che odia mortalmente Suleiman); nel frattempo Suleiman, dopo una serie di peripezie, riesce a cedere la donna al Principe Hassan, ma ben presto arriva la resa dei conti…
Ashanti è un film del genere avventuroso diretto nel 1979 da Richard Fleischer, autore in passato di ottimi lavori come Tora, Tora,Tora, Mandingo,2022: i sopravvissuti ; la mano felice ed esperta del regista di Brooklin si nota nell’elegante confezione, anche se il film ha diverse pause che nuociono alla sua economia.
Beverly Johnson
William Holden e Michael Caine
Tuttavia una splendida fotografia e la scelta di location affascinanti rendono il film degno di una visione, anche se il film non deraglia mai dal binario su cui lo fa scorrere Fleischer; la scelta di prediligere l’avventura nega al film qualsiasi velleità di denuncia di una delle piaghe più tristi della storia del continente africano, lo schiavismo.
Grazie all’allestimento di un cast di grandissimo livello, il regista americano maschera le inevitabili pecche della sceneggiatura;
Omar Sharif
Peter Ustinov e Omar Sharif
Kabir Bedi
disponendo di attori come William Holden (che interpreta Sandell), Michael Caine (David Linderby), Peter Ustinov (Suleiman),Kabir Bedi (Malik),la bellissima Beverly Johnson (La dottoressa Anansa), Rex Harrison (Brian Walker) e Omar Sharif (Il principe Hassan), Fleischer conduce in porto un’opera tutto sommato egregiamente costruita.
Trasmesso più volte in tv, Ashanti è tuttavia abbastanza raro da trovare in rete.
Ashanti
Un film di Richard Fleischer, con Michael Caine,Peter Ustinov,Kabir Bedi,Beverly Johnson, Omar Sharif,Rex Harrison,William Holden Avventuroso Usa 1979
Michael Caine … Dr. David Linderby
Peter Ustinov … Suleiman
Kabir Bedi … Malik
Beverly Johnson … Dr. Anansa Linderby
Omar Sharif … Principe Hassan
Rex Harrison … Brian Walker
William Holden …Jim Sandell
Zia Mohyeddin … Djamil
Winston Ntshona … Ansok
Tariq Yunus … Faid
Tyrone Jackson … Dongaro
Akosua Busia … La ragazza Senoufo
Jean-Luc Bideau … Marcel
Olu Jacobs … Batak
Johnny Sekka … Capitano Bradford
Regia: Richard Fleischer
Sceneggiatura:Stephen Geller
Romanzo:Alberto Vázquez Figueroa
Produzione:Georges-Alain Vuille,John C. Vuille
Musiche:Michael Melvoin
Fotografia:Aldo Tonti
Montaggio:Ernest Walter
L’opinione di rambo90 dal sito http://www.davinotti.com
Film d’avventura vecchio stampo, ben diretto (Fleischer è un veterano del cinema) e ottimamente interpretato da un cast di lusso: Caine protagonista carismatico senza dimenticare i piccoli ma incisivi contributi di Holden e Sharif. Ogni personaggio è approfondito psicologicamente e la storia entra subito nel vivo senza inutili introduzioni. La Johnson è bellissima, qualche lungaggine di troppo ma nel complesso un film più che buono.
L’opinione di marcopolo30 dal sito http://www.filmtv.it
Tratto da “Ebano”, opera (non fra le migliori) del romanziere Spagnolo Vazquez Figueroa, “Ashanti” prende l’intero fascio di personaggi presenti nel libro, da una buona mescolata e finisce col tirarne fuori una storia assai più ovvia (e politicamente corretta). Bella la fotografia (e la protagonista femminile), grande Kabir Bedi nel ruolo di Malick, probabilmente l’unico attore di un cast costosissimo cui Fleischer assegnò il ruolo giusto.
L’opinione di Galbo dal sito http://www.davinotti.com
Una grande caccia all’uomo per migliaia di miglia nel deserto allo scopo di recuperare una nobile araba rapita da un mercante di schiavi. Questa in sintesi la vicenda raccontata nel film di Richard Fleischer che ha il chiaro obiettivo di recuperare il cinema avventuroso hollywoodiano. Il risultato delude: il film è troppo patinato e poco emozionante ed anche la regia non riesce ad imprimere il giusto ritmo alla vicenda.
Un po di sole nell’acqua gelida
Subito dopo i grandi successi al botteghino ottenuti con due campioni di incasso come La piscina del 1969 interpretato da Romy Schneider e Alain Delon e Borsalino del 1971 con protagonista ancora Delon in coppia con l’altro idolo dei francesi “Bebel” Jean Paul Belmondo, Jaques Deray dirige, nel 1971 Un po di sole nell’acqua gelida ( Un peu de soleil dans l’eaux froides ), riducendo per lo schermo l’omonimo romanzo di Francois Sagan.
Il libro, che racconta la storia di un amore dal finale tragico tra un seduttore cinico ed egoista e una bella donna di provincia, ben si prestava con tutte le sue implicazioni sia sentimentali che descrittive con lo sfondo della provincia francese ad una trasposizione cinematografica di rilievo.
Deray sceglie la strada più difficile, centrando l’obiettivo sulla tormentata storia d’amore dei due protagonisti ma rimanendo in modo irrimediabile solo sulla superficie, non indagando abbastanza sulla psiche dei due personaggi e sopratutto non mettendoci nulla di suo, restando fedele al racconto in modo troppo didascalico.
La trama:
Gilles Lantier è un giornalista che lavora per la testata France press.
E’ giovane, bello e sopratutto adulato dalle donne,è un don Giovanni abituato alle avventure galanti.Ma è anche cinico e arrivista, immaturo e sopratutto egoista.
Ha una relazione fissa con una sua collega americana, relazione che ormai si trascina stancamente sopratutto per colpa di Gilles che un giorno decide di dare un taglio alla routine e molla la capitale per andare a casa di sua sorella Odile che abita a Limoges, una cittadina della Francia centrale.
Qui, a contatto con una vita sicuramente meno disordinata e più a dimensione umana Gilles dovrebbe riprendere entusiasmo e slancio ma viceversa sembra languire irrimediabilmente.
Tuttavia un incontro sembra cambiare in meglio tutta la situazione:irrompe nella sua vita Nathalie Silveneur, una giovane e bella donna sposata ma senza figli, una donna ancora alla ricerca dell’amore vero.
Tra i due è colpo di fulmine a prima vista e inizia cosi per loro una relazione appassionata.
Ma Gilles non si trova a suo agio nella cittadina e decide di tornare a Parigi, incurante delle aspirazioni di Nathalie,che per lui decide comunque di voltare le spalle al suo presente per affrontare una nuova vita, densa di incognite.
Che non tardano a presentare il conto quando Gilles, da essere profondamente egoista, inizia a trascurare la donna, che ora si sente completamente sola nella grande città in cui non ha punti di riferimento.
Quando la donna un giorno coglie casualmente un riferimento fatto da Gilles ad un amico nel quale l’uomo sembra essere stanco della loro relazione, Nathalie, che per lui ha sacrificato tutto sceglie la via più drammatica per risolvere la situazione…
Occasione persa, per Deray, questa riduzione cinematografica del romanzo della Sagan, ben più introspettivo e profondo di quanto invece alla fine risulti superficiale il film.
Deray non scava e non incide, rimanendo ai margini di una storia che richiedeva una sensibilità diversa sia nelle descrizioni dei personaggi sia nelle atmosfere che avrebbero dovuto illustrare metaforicamente la storia.
Vien fuori un film abbastanza lento e senza nerbo, che non incide e non lascia alla fine alcuna traccia.
Eppure di occasioni ce ne erano tante;dalla possibilità di descrivere il mondo provinciale francese alla ricerca delle motivazioni di Nathalie che portano la donna ad abbandonare la sua vita per seguire le orme del bamboccio di cui si innamora.
Lo stesso personaggio di Gilles è alla fine schematizzato, stereotipato e il giornalista appare freddo e cinico, calcolatore e quasi ripugnante nella sua figura di tombeur des femmes.
Alla resa dei conti il film appare debole e senza nerbo, confuso e poco interessante.
Il che però non va imputato ai due attori protagonisti, la splendida Claudine Auger e il bravo Marc Porel, che fanno la loro parte dignitosamente.
Nonostante la sceneggiatura di Flaiano, che collabora con Jean-Claude Carrière e lo stesso Jacques Deray alla costruzione della versione cinematografica, il film delude profondamente non elevandosi mai oltre la mediocrità.
Film per altro quasi scomparso dalla circolazione, visto che è ignorato dai palinsesti televisivi e sopratutto non esiste in rete in alcuna versione.
Un po’ di sole nell’acqua gelida
Un film di Jacques Deray. Con Barbara Bach, Claudine Auger, Marc Porel, Gérard Depardieu-Titolo originale Un peu de soleil dans l’eau froide. Drammatico, durata 110′ min. – Francia 1971
Claudine Auger … Nathalie Silvener
Marc Porel … Gilles Lantier
Judith Magre … Odile
Barbara Bach … Héloïse / Elvire
André Falcon … Florent
Jean-Claude Carrière Jean- … François, marito di Nathalie
Nadine Alari … Gilda
Gérard Depardieu … Pierre, fratello di Nathalie
Marc Eyraud … M. Rouargue
Jacques Debary … Fairmont
Max Vialle … M. Pontier
Regia: Jaques Deray
Sceneggiatura:Ennio Flaiano, Jean-Claude Carrière e Jacques Deray
Racconto:Francoise Sagan
Musiche: Michel Legrand
Montaggio:Henri Lanoë
Fotografia:Jean Badal
Production Design : François de Lamothe
“Sono molto spiacente,” disse. “Se avessi pensato che rettificare una citazione potesse indisporla fino a questo punto, sarei stata zitta.”
“Niente di quel che proviene da una bella donna può indispormi,” disse Fairmont con un sorrisetto.
“Finirò fattorino in questo giornale,” pensò Gilles, e rivolse uno sguardo implorante verso Jean che seguiva la scena con aria impassibile. Impassibile e persino segretamente felice. Ma lo era di vedere Fairmont finalmente preso in castagna o di vedere Nathalie mettere lui, Gilles, in una situazione spiacevole…? Per il resto del pasto la conversazione languì e tutti si lasciarono molto presto. Quando furono soli a casa, Nathalie si voltò verso di lui:
“Sei arrabbiato, no? Anche lui era irritante…Ho visto raramente un uomo così pretenzioso.”
“Però è lui che ci fa vivere, oggi come oggi,” disse Gilles.
“Non è un buon motivo per confondere Stendhal con Balzac,” disse lei tranquillamente, “soprattutto con quella autorità imbecille…”
“Imbecille o no, è il mio capo,” disse Gilles.
Era stizzito di sentirsi pronunciare frasi simili. Si sentiva “giovane tecnocrate” o “vecchio impiegato”. Non, in ogni caso, il giornalista furbo e disinvolto che voleva essere. E ciò a causa di quella donna, al suo fianco, che sorrideva. Perché lei non stava al gioco, dopotutto? Sapeva bene che le cose sono quelle che sono e che ci sono casi in cui bisogna piacere, reprimersi, magari per ridere più tardi della propria viltà? Non si poteva fare i sinceri a Parigi nell’anno 1967, esercitando quella professione. Era evidente, e c’era una specie di malafede nell’ostinarcisi. Perché metteva in ogni cosa quell’intransigenza, quell’orrore delle mezze misure che erano le sole, ahimè o non ahimè, che permettono di vivere tranquillamente? Si sentiva come tradito da lei e glielo disse.
“Se mi piacessero le mezze misure,” rispose lei, “non sarei qui. Sarei a Limoges e verrei a fare l’amore con te ogni quindici giorni. “
“Stai confondendo un po’ i sentimenti con le azioni clamorose,” disse lui. “Mi hai seguito solo perché mi amavi, perché ti amavo e perché non c’era altro da fare. Questa necessità non era così evidente, stasera, nel tuo comportamento con Fairmont.”
“Volevo semplicemente dire che se avessi potuto sopportare quell’uomo, avrei potuto altrettanto bene sopportare la mia vita passata, tutto qui. “
Qualcosa si stava esasperando in Gilles, una specie di rancore che non aveva mai individuato come tale in se stesso.
“Insomma, sei contenta del tuo personaggio: la donna che lascia tutto per il suo amante, che corre da un museo all’altro e si estasia davanti alle opere d’arte, che scopre personaggi di Cechov nei Nicolas…
La badessa di Castro
Elena dei Signori di Campireali ama segretamente Giulio Branciforti, ma la loro relazione è ostacolata dalla madre di lei; poichè siamo nel XVI secolo, alla ragazza non è dato scegliere o disporre della propria vita, così viene destinata alla vita conventuale.
Presi i voti,Elena diventa un’autentica arpia, utilizzando tutti i mezzi a sua disposizione per esercitare un’autorità che deriva principalmente dalla frustrazione e dal rimpianto per la vita secolare.In particolare è ambiguo il suo rapporto con il Vescovo Francesco Cittadini, che non disprezza nonostante l’alta carica la bellezza femminile.
Tra i due inizia così una relazione peccaminosa, che culmina in congressi carnali, che hanno come conseguenza espiazioni mortificanti della donna, che per purificarsi si espone a durissime punizioni corporali.
L’ascesa a Badessa di Elena non è però senza conseguenze;Suor Margherita Altieri gelosa di Elena inizia a spiarla sperando di coglierla in fallo e scopre così la relazione.
Nel frattempo Elena da ospitalità ad un prete ed una monaca che hanno ceduto ai sensi, nonostante questi siano inseguiti dagli uomini del Vescovo.
I due in seguito, scoperti dalle milizie del prelato, scelgono la morte piuttosto che finire nelle mani del Vescovo stesso.
Suor Margherita Altieri si rivolge alle autorità ecclesiali che mandano in convento rappresentanti dell’Inquisizione, che naturalmente con metodi brutali cerca di strappare confessioni alle consorelle con la tortura per poter appurare di quali appoggi abbiano goduto i due fuggitivi.
La relazione peccaminosa tra il Vescovo e la Badessa rischia quindi di avere conseguenze funeste, anche perchè Elena è incinta;nonostante l’intervento della madre di Elena, che per evitare scandali chiama nientemeno che l’ex amato Giulio Branciforti, la Badessa decide di uscire dalla drammatica situazione nel modo più tragico.
Dopo aver partorito il figlio, Elena si assicura che quest’ultimo sia in salvo e decide il suicidio, anche per non coinvolgere il vescovo davanti all’inquisizione.
La badessa di Castro è un nunsploitation uscito nelle sale nel 1974 e diretto in maniera abbastanza anonima e piatta da Armando Crispino subito dopo L’etrusco uccide ancora e prima di quel gioiello che è Macchie solari.
Molto a disagio con una storia conventuale abbastanza scontata e infarcita di un anticlericalismo grossolano e degno di miglior causa, il film che si ispira abbastanza liberamente all’omonimo romanzo di Stendhal sconta la mancanza di ritrmo che il regista, molto più a suo agio con gli horror non riesce ad imprimere alla pellicola.
La parte erotica del film,che dovrebbe in qualche modo sottolineare l’illeicita’ delle varie relazioni dei protagonisti, ovvero quella tra Elena e il vescovo e quella tra i due religiosi rimane abbastanza nell’ombra e va detto per fortuna, visto che il genere nunsploitation ebbe particolarmente fortuna proprio con gli aspetti più piccanti della sessualità repressa dalle e nelle mura dei conventi.
Questo serve a dare un tono più dignitoso alla pellicola, che quindi non punta esplicitamente sul sesso come argomento principale, ma ugualmente alla fine il risultato è poco più che mediocre.Difficile dire perchè, ma il film sembra immerso in un’atmosfera poco morbosa, dove per morbosa si intende una connotazione relativa al proibito, ovvero i sentimenti che possono nutrire coloro che hanno dedicato la loro vita alla fede in contrapposizione con l’irrefrenabilità della natura umana, della quale la sessualità è componente fondamentale e insopprimibile.
Crispino non imprime nerbo e vitalità alla pellicola che comunque resta opera tutto sommato dignitosa.
Il cast è eterogeneo e vede la presenza nel ruolo di Elena della splendida e giovane barbara Bouchet, che naturalmente si spoglia ma con meno ostentazione del solito, seguita da Evelyn Stewart che interpreta la rivale Suor Margherita, di Pier Paolo Capponi nei panni del Vescovo Francesco Cittadini e infine di una giovanissima e acerba Mara Venier, oltre alla cantante Luciana Turina, prestata al cinema e che ebbe proprio sul grande schermo le soddisfazioni migliori arrivando ad interpretare, anche se in ruoli di contorno ben 35 film.
L’opera di Crispino è assolutamente introvabile in rete, anche se è stata recentemente riproposta in tv.
L’unica fonte è disponibile a questo indirizzo, http://wipfiles.net/cxx85zw0rf1l.html, in italiano sottotitolato ma in una versione davvero inguardabile dal punto di vista della qualità.
La badessa di Castro
Un film di Armando Crispino. Con Pier Paolo Capponi, Mara Venier, Evelyn Stewart, Barbara Bouchet, Antonio Cantafora, Luciana Turina, Jole Fierro, Ciro Ippolito, Stefano Oppedisano, Marcello Tusco, Giancarlo Maestri, Patrizia Valturri, Serena Spaziani Drammatico, durata 100′ min. – Italia 1974
Barbara Bouchet: Elena, badessa di Castro
Pier Paolo Capponi: Vescovo Francesco Cittadini
Evelyn Stewart: sour Margherita
Antonio Cantafora: Giulio
Mara Venier: amante di Giovanni
Luciana Turina: suor Rufina
Ciro Ippolito: Cesare
Stefano Oppedisano: Giovanni
Serena Spaziani: suor Agata
Jole Fierro: madre di Elena
Giancarlo Maestri: Ugone
Marcello Tusco: Saverio
Franca Lumachi: suor Liberata
Giuseppe Pertile: il cardinal Farnese
Patrizia Valturri: Mariuccia
Attilio Dottesio: medico
Goffredo Unger: capitano Zanesi
Regia Armando Crispino
Sceneggiatura Lucio Battistrada & Armando Crispino
Fotografia Gábor Pogány
Montaggio Carlo Reali
Musiche Carlo Savina
L’opinione di Undjing dal sito http://www.davinotti.com
Sorta di sexy-conventuale ante-litteram del cinema italiano, ispirato però da un testo pregevole e diretto con cognizione di causa e perspicacia intellettuale da Armando Crispino. La Bouchet (nei panni di monaca per imposizione) ben si destreggia nel registro drammatico che prevale – in maniera determinante – sul taglio “erotico”, presente solo implicitamente e mai esposto senza pertinenza di trama. Tra i caratteristi si segnalano la sempre bella Evelyn Stewart, un’insolita Mara Venier (ai tempi tentò la via del cinema) ed il convincente Pier Paolo Capponi. Musiche del grande Carlo Savina.
L’opinione di Homesick
Libero adattamento del romanzo di Stendhal focalizzato sulla sua seconda parte – l’amore proibito tra la badessa e il vescovo – ne tralascia le notazioni socio-storiche e ne estrinseca invece gli accenni erotici, riducendosi in tal modo ad una sorta di feuilleton claustrale (e anticlericale) con qualche aggancio all’ubertoso filone dei tonaca-movies. Convincente la prova drammatica complessiva, dai comprimari Bouchet e Capponi ai supporti di figure emblematiche come la gelosa Stewart, la timorata Valturri, la spaurita Venier.
L’opinione di caesars dal sito http://www.davinotti.com
Un tonaca-movie, genere di gran moda negli Anni Settanta. Niente di memorabile, escludendo le grazie di Barbara Bouchet che ci vengono mostrate abbondantemente, in quanto la storia procede in modo un po’ noioso e con sviluppi narrativi poco motivati. Gli interpreti svolgono discretamente il loro lavoro, ma il film stenta assai a coinvolgere lo spettatore. Peccato, perché Crispino, in altri ambiti, ci aveva regalato prodotti assai più validi.
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