Nerone
L’imperatore Nerone è odiato da tutti: dai cristiani che lo accusano di aver fatto bruciare Roma e di aver addossato loro la colpa, dalla madre Agrippina perchè ha nominato senatore un suo avversario politico e dalla moglie Poppea perchè non le affida la parte di Elena di Toria in una rappresentazione teatrale scritta dallo stesso imperatore.
Così, grazie ad una congiura orchestrata da alcuni senatori e con la complicità dell’infido Tigellino, capo dei pretoriani dello stesso imperatore, Agrippina riesce a far rinchiudere in un manicomio Nerone, che ne viene liberato solo grazie all’amico Petronio e con l’aiuto di una bella cristiana convertitati al paganesimo, Nenè.
Così, il tentativo di mettere sul trono il generale Galba, affetto da fastidiosi problemi fisici come le emorroidi fallisce e Nerone riesce a tornare sul trono, non prima di essersi spacciato per Gesù davanti ad un Pietro molto più vicino ad un allocco che alla figura carismatica del capo della cristianità.
Diretto da Castellacci e Pingitore, alla loro seconda e ultima prova di regia in coppia dopo il discreto successo di Romolo e Remo storia di due figli di una lupa, Nerone è una parodia in stile burlesque o anche in puro stile avanspettacolo, realizzato nel 1977 con l’ausilio di un cast di assoluto livello ma con un risultato finale appena sufficiente.
Se l’idea di base, il cast e la formula della storia riadattata con enormi asincronismi temporali può sembrare azzeccata, il film che pure parte con qualche felice battuta e qualche gag che smuovono il sorriso ben presto si spegne in una lunga sequela di banalità, a cui invano i due registi tentano di porre rimedio affidando ai vari attori canzoncine e battute lampo che però risultano piatte e poco divertenti.
Colpa di una sceneggiatura da avanspettacolo, quindi inadatta ai tempi cinematografici, colpa anche di troppe banalità nelle battute, alcune delle quali appaiono grossolane e sconce.
Pippo Franco e Bombolo
E colpa anche di una certa blasfemia che serpeggia nel film, che appare davvero gratuita e poco divertente, tra l’altro.
Il film parte con una sequenza in cui Nerone, interpretato da un romanaccio doc come Pippo Franco scambia due battute con Atte: ” A Nerò, che vuoi la lira?” ” Beh, mejo de gnente” e prosegue sulla stessa falsariga, con scambi di battute surreali, come quella con Bombolo :”certo che l’alloro è una grande invenzione” “specie co’ i fegatelli”
Il livello del film è questo, tuttavia non mancano sprazzi di comicità e di divertimento.
Paola Borboni
Tra una battuta e una canzoncina, spesso in rima, il film prosegue con vivacità, alternando momenti felici (il bagno di Poppea, la sequenza al manicomio) a momenti di stanca.
Tuttavia, alla fine, non si resta completamente delusi.
Merito sopratutto di un cast che raccoglie attori molto bravi, quelli che con un brutto termine erano definiti “caratteristi”e merito anche delle due bellezze protagoniste del film, la ex soubrette Paola Tedesco che interpreta la cristiana convertita Nenè e Maria Grazia Buccella, deliziosamente svampita nel ruolo dell’imperatrice Poppea.
Enrico Montesano
Nel film compaiono anche un bravo Enrico Montesano nel ruolo di Petronio Arbitro, con tanto di erre moscia e vestito ovviamente di tutto punto e con un anacronistico cappello, Oreste Lionello nel ruolo di un Seneca filosofo futurista dai dialoghi quasi demenziali, che parla una stranissima lingua un pò burina, un pò romana e tanto british de noantri.
Due fotogrammi con Paola Tedesco
Troviamo ancora la stella del cinema muto Paola Borboni, che interpreta Agrippina, madre di Nerone e ispiratrice della congiura che porterà l’imperatore stesso in manicomio e che si segnala per un’audace scena a seno nudo, mostrato alla bella età di 77 anni; c’è l’immancabile Gianfranco D’Angelo nel ruolo di Tigellino, stravagante e anche lui caratterizzato da una stoltezza quasi commovente.
“Non sono più cristiana, sono diventata pagana: ecco la prova”
C’è spazio per Paolo Stoppa, un San Pietro rivoluzionario, quasi comunista e anarcoide che alla fine verrà beffato da Nerone, c’è Aldo Fabrizi nel suo penultimo film, che interpreta il generale Galba affetto da problemi fisici fastidiosissimi come le emorroidi, c’è Marina Marfoglia nel ruolo di Atte (storicamente amante di Nerone).
Ancora, completano il cast in ruoli minori Bombolo (Roscio), aiutante squinternato di Nerone, Massimo Dapporto in una particina e infine la futura soubrette Carmen Russo in una breve sequenza in cui mostra il suo celebre seno.
Un film assolutamente scacciapensieri, probabilmente non riuscito ma in grado di strappare qualche momento di ilarità.
Paolo Stoppa
Nerone, un film di Castellacci e Pingitore, con Pippo Franco, Maria Grazia Buccella, Paola Tedesco, Oreste Lionello, Enrico Montesano, Paola Borboni, Gianfranco D’Angelo, Paolo Stoppa, Bombolo, Carmen Russo, Marina Marfoglia, Laura Troschel, Aldo Fabrizi Italia 1977, commedia
Gianfranco D’Angelo
Maria Grazia Buccella
Bombolo, Pippo Franco e Carmen Russo
Paola Tedesco
A destra, Aldo Fabrizi
Pippo Franco: Nerone
Maria Grazia Buccella: Poppea
Paola Tedesco: Licia
Oreste Lionello: Seneca
Enrico Montesano: Petronio Arbitro
Paola Borboni: Agrippina
Gianfranco D’Angelo: Tigellino
Paolo Stoppa: San Pietro
Aldo Fabrizi: Generale Galba
Bombolo: Roscio
Piero Santi: Vinicio
Gio Staiano: Sporo
Marina Marfoglia: Atte
Laura Troschel: Locusta
Massimo Dapporto: Cristiano liberato
Attilio Dottesio: Centurione
Giancarlo Magalli: Presidente del senato
Valentino Simeoni
Bruno Vilar: Centurione
Regia Castellacci e Pingitore
Soggetto Castellacci e Pingitore
Sceneggiatura Castellacci e Pingitore
Produttore Mario Cecchi Gori
Casa di produzione Capital Film
Distribuzione (Italia) Gold
Fotografia Sergio Martinelli
Montaggio Alberto Gallitti
Musiche Flavio Bocci
Scenografia Enrico Rufini e Maurizio Tognalini
Costumi Enrico Rufini e Maurizio Tognalini
Il gatto mammone
Rosalia e Lollo formano una bella coppia a cui tutto sembra sorridere; hanno un tenore di vita alto, hanno una bella casa, Lollo è un piccolo industriale e quindi tutto sembrerebbe filare per il meglio.
Ma Lollo ha un cruccio; nonostante i suoi “sforzi”, non riesce a diventare padre.
Il che per lui, siciliano di nascita e di cultura, è un autentico dramma aggravato dalle visioni del padre che lo rimprovera per non essere capace di mettere al mondo il tanto sospirato erede.
Rossana Podestà interpreta Rosalia
Gloria Guida è Marietta
In accordo con sua moglie, stufa dei continui lamenti del marito, Lollo si decide a frequentare altre donne, senza però riuscire nell’intento.
Poi trova la soluzione: porta in casa una giovane ragazza madre, Marietta, alla quale propone soldi e una sistemazione sicura in cambio di un figlio.
La ragazza accetta e per Lollo inizia un surmenage che sembra culminare nel raggiungimento dei suoi sogni; vede apparire infatti la figura di suo padre dal mare che gli conferma che diverrà padre.
Lollo spia…
… la bella e procace Marietta
E in realtà diverrà papa di un bel bambino, ma non per merito suo: Rosalia, sua moglie, stanca dell’ossessione del marito, si procura un amante e resta incinta, mostrando a suo marito che la sterilità non era da addebitare a lei ma a lui.
Finale adeguato…
Il gatto mammone, diretto da Nando Cicero nel 1975, è una commediola sexy (erotica è davvero troppo) imbastita attorno al personaggio del gallo meridionale tante volte interpretato da Lando Buzzanca, star assoluta delle commedie sexy di inizi anni 70.
L’attore palermitano diventa protagonista assoluto (come tante altre volte) della pellicola, infarcita as usual di tanti luoghi comuni da poter essere definito un compendio degli stessi.
C’è il solito galletto arricchito convinto che tutto gli sia dovuto, l’ansia tipica del siciliano (così come descritta purtroppo tante volte in altri film) di dare un erede alla sua famiglia, la moglie che tacitamente acconsente e infine il colpo di scena (abusato troppe volte) della sterilità non imputabile alla moglie ma a lui.
In mezzo, un film che non decolla mai, abbellito solo dalle presenze della splendida Rossana Podestà e da quella di una Gloria Guida che passa parecchio del suo tempo in una doccia, dimostrando di poter rivaleggiare con la Fenech, l’attrice più pulita dello schermo (secondo una definizione di un critico dell’epoca)
La regia di Nando Cicero, reduce dall’ottima prova di Ultimo tango a Zagarolo e da quella meno riuscita di Bella, ricca, lieve difetto fisico cerca anima gemella non si segnala per nulla di particolarmente interessante.
Il film, che vede nelle firme della sceneggiatura la presenza di Raimondo Vianello, è un contenitore (vuoto) di cose viste e riviste, inclusi tutti i luoghi comuni citati e qualche volgarità di troppo.
Le scene comiche latitano, per cui non si può nemmeno parlare di un film costruito per scatenare risate; il massimo della comicità (di bassa lega) è espressa da una scena in cui Lollo, dopo aver consumato l’atto d’amore con una annoiata Marietta, esce sul balcone e vede la figura del padre sorgere dal mare e sorridere. Lui grida “sarò padre” e un vicino, uscito anch’egli sul balcone, lo manderà volgarmente a …….
Questo è il massimo di comicità espresso dal film, a cui il regista nato in Eritrea tenta inutilmente di dare un’anima.
Non è un film inguardabile, quanto piuttosto un maldestro tentativo di ironizzare sui soliti luoghi comuni attribuiti ai siciliani.
Non a caso il papa di Lollo porta la coppola….
Il gatto mammone, un film di Nando Cicero. Con Rossana Podestà, Gloria Guida, Lando Buzzanca, Umberto Spadaro, Adriana Facchetti, Franco Giacobini, Tiberio Murgia, Franco Lantieri, Renzo Marignano
Commedia, durata 95 min. – Italia 1975.
Lando Buzzanca … Lollo
Rossana Podestà … Rosalia
Gloria Guida … Marietta
Ermelinda De Felice …Suora
Grazia Di Marzà … Madre di Rosalia
Franco Giacobini … Prete
Franco Lantieri … Amico di Lollo
Sofia Lusy … La vedova
Renzo Marignano … L’urologo
Tiberio Murgia … Zingaro
Umberto Spadaro … Dottore
Regia: Nando Cicero
Soggetto: Francesco Longo
Sceneggiatura: Raimondo Vianello e Sandro Continenza
Musiche: Carlo Rustichelli
Casa di produzione: Medusa Cinematografica
Distribuzione : Medusa Distribuzione
Fotografia : Alfio Contini
Montaggio : Renato Cinquini
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Semideludente. Buzzanca in forma, ma il film, monocorde, non mantiene le promesse. La Guida è al primo film non VM18. Come in L’arbitro c’è l’imitazione mussoliniana: “L’uomo… non è uomo… se non è PADRE!!!”. La musica delle apparizioni del padre è quella dell’inizio delle trasmissioni RAI. La trovata del training autogeno viene dal fatto che la prima squadra a realizzarlo, all’epoca, era stato il Cesena,
Tipicamente ciceriano, cioè a dire svincolato dal genere per via di un impianto surreale (le apparizioni) e per la presenza di brutti (e sovente sfigati) figuri. Buzzanca è ben immerso nella parte e la Guida è alla sua massima forma (fisica, purtroppo non artistica) che viene affiancata a quella della bella e brava Rossana Podestà. C’è anche Tiberio Murgia che aggiunge un tocco di stravaganza al tutto (come sempre). Riuscito solo a metà…
Brillante prova di Buzzanca con Cicero, ben serviti da una sceneggiatura di Vianello e Continenza che, pur con le inevitabili concessioni ai cliché, valorizza l’estro dello scatenato Lando (in una delle sue riuscite migliori) e crea i presupposti per gli eccessi di Cicero, la parte migliore del suo cinema, che si sfrena ad esempio nella strepitosa sequenza ambientata nell’abitazione della subumana fattrice, o nelle apparizioni del babbo. La Guida è un pezzo di legno, ma che bel pezzo (terribile, ma appropriato, il doppiaggio veneto).
Sguaiata commedia alla siciliana che, dopo un rapido, divertente inizio (l’incubo di Buzzanca) scende sempre di più, fino a precipitare del tutto. Colpa di una trama sterile e ripetitiva e di un cattivo gusto generalizzato, insopportabile nelle sequenze in cui compare la vedova e le cacofonie “pierinesche” di casa sua. Anche le apparizioni del padre del protagonista stancano presto. Buzzanca e la Guida ripropongono i consueti ruoli, per cui la sola ragion d’essere è la bellissima Podestà con il suo physique du rôle da donna sicula.
Commedia erotica poco entusiasmante. La buona idea di partenza viene sviluppata nel modo più banale possibile, e i momenti divertenti scarseggiano. Discrete le ambientazioni, anche se la regia appare piuttosto rozza e banale. Buoni gli attori: Buzzanca, in una parte simile a molte altre, funziona bene; bravissima la Podestà, forse la migliore del cast; Gloria Guida, anche se ha dato di meglio (forse anche per il ruolo secondario che ricopre) è sempre uno spettacolo. Discreta la colonna sonora.
Stangata in famiglia
Il commendator Piero Brambilla, un funzionario del ministero delle finanze, vive da vedovo in un appartamento condiviso dalle sue due figlie, dal cognato pugliese Nicola e dalla figlia di quest’ultimo Sabina.
Il menage famigliare si rivela troppo esoso per le sue tasche, così quando un suo superiore gli propone di aumentare le entrate Brambilla accetta senza discutere; dovrà occuparsi d’ora in poi di accertamenti finanziari sul tenore di vita di presunte massaggiatrici, di sedicenti estetiste che secondo il ministero delle finanze traggono i loro guadagni in maniera illegale, sottraendo così il loro patrimonio alla giusta tassazione.
Lino Banfi e Piero Mazzarella
Brambilla inizia un tour presso varie professioniste, nel corso del quale si renderà conto del sottobosco che governa il mondo nascosto al pubblico ( e alle finanze) delle sedicenti professioniste.
Molte di loro in fatti praticano massaggi molto particolari, altre ancora si prostituiscono.
Brambilla, che è persona sostanzialmente ingenua ed onesta, racconta i particolari delle sue “indagini” ai famigliari che, allettati dai facili guadagni, decidono di mettere su un fiorente istituto dedicato proprio a massaggi particolari con relative pratiche sessuali.
Nel gruppo ovviamente ci sono tutti i componenti della famiglia, così quando Brambilla si troverà casualmente a indagare proprio sulla neonata azienda Toccasana, scoprirà amaramente che sia le figlie, che la nipote e il cognato traggono illeciti guadagni in maniera illegale.
La scoperta provoca un infarto al buon Brambilla, che appena guarito verrà spedito nella Brianza ad eseguire altri lavori.
Stangata In Famiglia , diretto da Franco Nucci nel 1976, è una commediola della equivoci abbastanza piatta e noiosetta; tutte le gag utilizzate nella commedia sanno di stantio, e la commedia è penalizzata anche dalla scelta del buon Piero Mazzarella,caratterista apprezzato in tanti film della commedia italiana, assolutamente inadatto a ruoli di primo piano.
Femi Benussi
L’ingenuità del commendator Brambilla è così resa in maniera poco credibile da un attore come Mazzarella che ha un volto ormai etichettato come quello del furbetto del cinema e appare quindi assolutamente fuori ruolo in virtù del fatto di non appartenere al gotha degli attori.
Molto meglio sarebbe stato affidare il ruolo del “commenda” a Lino Banfi, che viceversa interpreta Nicola, un meridionale sanguisuga che vive alle spalle del Brambilla ( ancora una volta un clichè stantio, quello del meridionale parassita), apostrofato dal Brambilla con il solito e triste “maledetto di un terun”
Banfi, che nel film si chiama Zagaria (suo vero nome) si sacrifica in un ruolo minore, apportando poco all’economia generale del film, così come del tutto irrilevante la presenza di Femi Benussi, una volta tanto insolitamente vestita nel ruolo di Margherita, (una massaggiatrice) e Marisa Merlini, che a metà anni settanta comparve in numerose pellicole a sfondo semi erotico.
Nel gineceo femminile compaiono anche Patrizia Gori, la bellissima Helene Chanel nel ruolo di una massaggiatrice/prostituta francese e la futura annunciatrice televisiva Gabriella Golia.
Purtroppo il livello delle gag e delle situazioni comiche è a metà strada tra il pecoreccio e la pochade più imbarazzante:si passa dal Brambilla che va a farsi massaggiare per sondare la vera attività di una di queste pseudo professioniste e viene massaggiato da quest’ultima con i seni e che facendo finta di dormire (sic!) assiste ad un congresso carnale della donna alla ragazza di colore che si prostituisce in casa del fidanzato, che lo accusa alla fine di essere razzista solo perchè il Brambilla va via senza consumare.
Ancor più desolante il pistolotto finale del superiore del Brambilla che giustifica la scelta dei famigliari di quest’ultimo con le ristrettezze economiche, come se lavorare onestamente non fosse una valida alternativa al meretricio.
Aldilà di questo il film è davvero bruttino, scontato e per nulla divertente: consegnato all’oblio è stato riesumato in questi ultimi anni grazie alla rivalorizzazione di Lino Banfi.
Stangata in famiglia,un film di Franco Nucci. Con Femi Benussi, Lino Banfi, Isabella Biagini, Piero Mazzarella,Romy Shell, Marisa Merlini, Hélène Chanel, Ida Meda, Chris Avram, Patrizia Gori, Romy Schell
Commedia, durata 93 min. – Italia 1976.
Piero Mazzarella … Piero Brambilla
Femi Benussi … Margherita
Lino Banfi … Nicola Zagaria
Romy Schell … Sabina
Patrizia Gori … Mariuccia
Gabriella Golia … Pina
Hélène Chanel … Prostitua francese
Marisa Merlini … Aida
Chris Avram … Esposito
Regia Franco Nucci
Soggetto Franco Nucci
Sceneggiatura Franco Nucci, Ciro Boglioni
Produttore Rodolfo Putignani
Distribuzione (Italia) Interfilm CAD
Fotografia Enzo Oddone
Montaggio Enzo Monachesi
Musiche Mino Reitano, Franco Reitano
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Si guarda perché c’è il grande (e grosso) Mazzarella, che si fa pure piazzare le mani delle massaggiatrici in mezzo alle gambe! Ma la vicenda è ripetitiva, lenta, solo qua e là leggermente rischiarata da trovatine. Paragonate alle altre “massaggiatrici” che recitano, la Benussi e la Merlini paiono la Duse e la Hepburn. Il film colpisce, più che altro, per il doppiaggio incredibilmente asincrono e per l’esposizione da primato della Pejo. Finale parzialmente telefonato, parzialmente no. C’è Gabriella Golia.
Se non fosse per la curiosità generata da un cast in grado di ammaliare (Banfi prima maniera, Gabriella Golia al suo unico film, la Benussi e Patrizia Gori: l’anno prima vittima di Eastman in Emanuelle e Françoise (le Sorelline), dopo la comparsata in Un urlo dalle tenebre), Stangata in famiglia potrebbe essere archiviato tranquillamente tra i titoli meno riusciti della commedia (sexy) italiana: eppure qualche sana risata la strappa grazie alla naturale interpretazione di Piero Mazzarella e di un Banfi “perduto” tra le tante “venditrici d’amore”.
Film appartenente al genere commedia sexy, poco sexy e per niente comico. I bravi Mazzarella e Banfi non bastano a risollevare una commediuccia che fa acqua da tutte le parti. Il cast femminile è mediocre, eccetto la Merlini e la sempre bella Benussi.
Action
Bruno Martel è un attore con grossi problemi; non riesce ad essere assunto per ruoli decenti nel cinema, cosi decide di accettare l’invito di un produttore per lavorare in un porno film.
L’uomo, che ha una relazione con la bella Ann, vive un privato ugualmente problematico, visto che la moglie lo tradisce.
Sul set del film le cose non vanno meglio; Bruno, offeso dal trattamento riservato alla sua partner cinematografica, fugge dal set accompagnato dalla ragazza, non prima di aver devastato il set.
Durante la rocambolesca fuga, dapprima capita in un immondezzaio nel quale vive una tribù di giovani a metà strada tra il punk e l’emarginato per poi finire in un dormitorio, poi ancora in un bagno turco e infine in un manicomio.
Nell’immondezzaio Bruno viene aggredito, mentre la giovane Doris viene violentata; qui l’attore conosce Garibaldi, un vecchio che ha fatto del letamaio la sua abitazione.
Luc Merenda
I tre riprendono il loro viaggio che li vede alla fine arrivare in un ospedale psichiatrico, dal quale usciranno solo Bruno e Garibaldi, mentre Doris deciderà di suicidarsi.
L’ultima tappa del viaggio vede i due approdare ad una stazione di servizio, gestita da Florence, una donna di mezz’età frustrata che vive con un marito confinato su di una sedia a rotelle, un uomo gretto e malevolo che le rimproverà i continui tradimenti che la donna gli riserva.
Bruno e Florence hanno una breve relazione, interrotta dall’arrivo della polizia che insegue l’uomo…
A distanza di 11 anni da Nerosubianco, Tinto Brass prova a giocare la carta della disarticolazione del film, attraverso una vera e propria destrutturazione dell’impianto narrativo.
Il film è girato ad alta velocità, con scene che ricordano i vecchi film muti di Stan Laurel e Oliver Hardy oppure quelli di Ridolini.
Così in alcuni momenti il ritmo diventa fenetico, in altri ci si perde in immagini surreali che ricordano il citato Nerosubianco e il viaggio di Barbara inseguita dall’uomo di colore.
Il tutto mescolato a forti rimandi al cinema felliniano, del quale Brass tenta di riprendere le metafore risultando alla fine galatticamente lontano dai ropositi iniziali.
Un film che con il cinema sembra avere poco a che spartire: un’aria decadente aleggia su tutta la pellicola, mentre assistiamo allo strano viaggio di Bruno che attraversa un universo costellato di personaggi surrali, a cominciare dai due stravaganti compagni di viaggio per finire con la scena dell’uccisione dell’uomo da parte dei poliziotti che conclude il film lasciandoci con un interrogativo: quello che vediamo è reale oppure è frutto di una recita di Bruno?
Action è un film a tratti sgradevole, a tratti affascinante, a tratti noioso e incomprensibile.
E’ un helzapoppin in cui accade di tutto, inclusa la presenza di Brass nel ruolo di un regista che dirige Bruno e che decide di cacciarlo quando quest’ultimo, inseguito dalla polizia, si esibisce in un assurdo balletto in stile Cantando sotto la pioggia, oppure accade di vedere la giovane attrice Doris costretta ad umiliarsi per compiacere il produttore del film hard, accettando di orinare in un gabinetto mentre viene ripresa dal regista.
La ragazza che sogna l’Amleto di Shakespeare è costretta a fare i conti con la realtà, ed è proprio Bruno a strapparla alla degradazione coinvolgendola in una fuga che culminerà nella violenza di gruppo in un paesaggio quasi lunare, in quel campo sommerso dalle immondizie in cui si muove un gruppo di alienati Punk.
Il film prosegue così verso il finale, che probabilmente è la parte migliore, quella più lineare, in cui assistiamo all’incontro tra Bruno e Florence e contemporaneamente vediamo la moglie di Bruno tradirlo volgarmente, mentre l’astioso marito paralitico di Florence avvisa la polizia della presenza di Bruno.
Raccontato così Action sembra avere quasi una logica, un percorso che è possibile seguire senza grossi problemi.
In realtà così non è, perchè le immagini surreali, meta cinematografiche si sovrappongono ad un ritmo che alla fine crea davvero fastidio nello spettatore, inclso l’utilizzo del turpiloquio mai così presente in un film di Brass.
Ad aggravare le cose c’è la voce chioccia di Luc Merenda che non viene doppiato rendendo il film molto più simile ad una commedia sexy che ad un film con qualche pretesa di dignità.
L’attore recita da dilettante, come richiesto dal regista veneziano, così come volutamente oltre le righe sono tutti i personaggi del film; che alla fine va preso o ripudiato in toto, senza altra possibile alternativa.
Brass smonta il cinema stesso, rendendolo una via di mezzo tra una comica e un qualcosa di completamente opposto, attraverso un linguaggio spesso surreale, spesso triviale, attraverso anche l’utilizzo di una serie industriale di nudi, tra i quali anche quelli integrali di Luc Merenda.
Un film anarchico, volutamente senza capo ne coda, che termina quasi nello stesso modo i cui inizia.
Il surreale viaggio di Bruno avviene davvero o è semplicemente frutto di un copione cinematografico?
Alla fine, le raffiche dei poliziotti mettono fine al suo viaggio o abbiamo solo assistito ad una rappresentazione che sbertuccia i nostri valori e i capisaldo della nostra morale?
Poichè non c’è alcuna risposta a questi quesiti, inutile lambiccarsi il cervello.
La sequenza del bagno liberatorio, protagonisti Adriana Asti e Luc Merenda
Certo, vedere Brass che passa da quest’opera a La chiave lascia davvero perplessi.
La cosa più sorprendente è che il regista veneziano veniva da due opere molto controverse, Salon Kitty e Caligola, che sceglie coscientemente di tornare alle opere degli esordi, quando si era segnalato per la sua originalità e visionarietà.
In Action compare un cast molto variegato: si va da Adriana Asti, che da spessore al personaggio della “benzinaia”
Florence ad Alberto Lupo, che recita sulla sedia a rotelle sulla quale era confinato da tempo in seguito ad un ictus che lo aveva colpito, e che riesce a rendere visivamente odioso il personaggio del marito di Florence.
Brave anche Susanna Javicoli, la svampita Doris che sogna di recitare Shakespeare e che invece finisce nel cast di un film porno e brava Paola Senatore, che interpreta Ann moglie di Bruno.
Spazio al surreale Alberto Sorrentino che sembra un clone del grillo parlante nei panni di Garibaldi e a John Steiner, assistente di Brass regista nella pellicola.
Action, un film di Tinto Brass. Con Alberto Lupo, Adriana Asti, Luc Merenda, John Steiner, Paola Senatore, Alberto Sorrentino, Franco Fabrizi, Eolo Capritti, Tinto Brass, Giancarlo Badessi, Luigi D’Ecclesia, Susanna Javicoli
Drammatico, durata 121 min. – Italia 1980.
Luc Merenda … Bruno Martel
Adriana Asti … Florence
Susanna Javicoli … Doris
Paola Senatore … Ann Shimpton
Alberto Sorrentino … Garibaldi
John Steiner … L’assistente del regista
Alberto Lupo … Joe marito di Florence
Franco Fabrizi … Il produttore del film porno
Regia Tinto Brass
Soggetto Tinto Brass
Sceneggiatura Tinto Brass, Vincenzo Maria Siniscalchi
Casa di produzione Ars Cinematografica
Fotografia Silvano Ippoliti
Montaggio Tinto Brass
Musiche Riccardo Giovanini, Blue Malbeix Band
Scenografia Claudio Cinini
Costumi Jost Jakob
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Viaggio allucinante e delirato; meglio: alterato. La visione del mondo filtrata attraverso la pornografia; il sesso come propulsore alle tensioni (a)razionali dell’essere umano; la purezza (data dall’ingenuità) generata da contesti di nudo onirici e -pertanto che tali- genuini. È un Brass libero dalle briglie, che si permette di apparire (poiché si sente, come di fatto è, Autore) e fare metascrittura. Action è la parodia del cinema che si rivolta su se stesso, che come una spirale inghiotte attori bravi (e belli: Senatore, Merenda) nel vuoto.
Anarcoide e delirante. Sconnesso viaggio meta cinemtografico tra realtà e finzione, pornografia e goliardia, che Brass mette in scena con un provocatorio gusto surreale, onirico, grottesco e ricco di citazioni (da una Londra lurida e suburbana popolata da teppistelli punk che ricorda “Jubilee” di Jarman alla coppia della stazione si servizio di Ossessione). Merenda è autoironico e si doppia da sé; la Senatore e la Javicoli splendide nei loro nudi integrali. E poi un Lupo dall’insulto facile, la Asti, Sorrentino, Fabrizi, Capritti e il “bidiano” Bullo.
All’insegna dell’ “I can’t believe it! ” dal primo all’ultimo fotogramma: che aveva bevuto, mangiato e fumato Brass quel giorno? Quanto stava malissimo da 1 a 2? Talmente squinternato, scombiccherato e scocomerato e sopra/sotto/oltre le righe da essere sublime e da rasentare il capolavoro. L’anello mancante tra Zulaswki in acido e il più sbertucciato Lindsay Anderson. Se si sta al gioco, una goduria e uno spasso assoluti. Di certo l’ultimo Brass considerevole prima della china e in assoluto la cosa più folle che mi sia capitata davanti alle iridi.
Anomalo (ma non per l’epoca) pastiche anarchico di Brass, un grande direttore della fotografia promosso a regista. Che dire: è brutto ma di una bruttezza tutta sua tra velleitarismi e sincera trasgressione, nudità naturale e pornografia, con una trama che sembra costruita giorno per giorno (e forse in parte lo è). Siamo alla fine del sogno di libertà coltivato negli anni 60/70 e questo film nei pregi e difetti anticipa di molto il decennio a venire. Da vedere almeno una volta, con un po’ di pazienza. L’anziano Sorrentino fa il vecchio Garibaldi.
Un film del genere può essere accolto in diversi modi che lo possono fare apparire una vaccata o un capolavoro. Per quello che mi riguarda vale la prima opzione. Brass non mi ha mai detto niente che non fosse la sublimazione del corpo della donna e tutto quello che ne può derivare, dalla poesia più pura all’ultima delle depravazioni. In questo “Action” quello che disturba è che Brass ha voluto tentare il contrabbando di innovazioni e creazioni rubando a man bassa da Kubrick, Fellini, Pasolini, Visconti in un pastiche velleitario e deplorevole.
Difficile giudicare un film del genere, dove i personaggi e le situazioni sono talmente surreali da non riuscire a trovare il bandolo della matassa a fine film. Il tutto diventa una sorta di viaggio allucinante dove si mescolano scene kubrickiane ad un vivace erotismo fatto di nudi integrali e sogni deliranti (un Brass d’altri tempi). Ottimo Merenda, straordinaria la Javicoli.
Delirante e visionario al limite del sublime! Un Brass senza freni che si lascia andare ad un’anarchia assoluta. Anarchia del linguaggio, della sceneggiatura, della messa in scena, insomma l’anarchia che ha contraddistinto il regista in molte delle sue opere (come nEROSubianco o L’urlo). Film che andrebbe visto almeno due volte; personalmente, se alla prima visione sono arrivato a fatica alla fine, la seconda volta l’ho trovato delizioso.
Veramente molto interessante questo esperimento di meta-cinema di Tinto Brass in cui l’autore, oltre alle solite scene di nudo, riesce anche a fare un discorso sul cinema e sulla realtà, sulla rappresentazione e sulla percezione. Un film molto sperimentale che mescola cinema di genere (il porno con il gangster-movie) a quello autoriale con echi della New Hollywood anni 70.
Ecco lingua d’argento
Nel film L’amica di mia madre avevamo lasciato il giovane e imbranato Billy a smaniare d’amore ( e di sesso) per la bella Andrea, che gli aveva concesso qualche piccolissima consolazione ma mai il “fattaccio”.
Il giovane alla fine si era fatto consolare dalla bella Barbara con somma soddisfazione di entrambi.
Così adesso troviamo Billy, più allupato che mai, in Africa sempre alle costole di Andrea; le cose però si complicano perchè a trovare Andrea arriva il fidanzato di quest’ultima, Bobby.
Nadia Cassini, la psicanalista Emmanuelle
Con sorpresa ( e sconcerto) di Billy, ad accompagnare Bobby c’è una bella psicanalista, la dottressa Emmanuelle, che scoperte le paturnie di Billy per il sesso, cerca di consolarlo usando il vecchio sistema biblico.
Ma alla fine Andrea, delusa dal fidanzato, si concederà a Billy.
Già dalla trama si capisce come Ecco lingua d’argento appartenga al florido filone della commedia sexy; il regista Mauro Ivaldi che aveva già diretto nel 1975 L’amica di mia madre, utilizzando come attori principali Carmen Villani (sua moglie) nel ruolo di Andrea e Roberto Cenci in quello di Billy ci riprova peggiorando se possibile ancora di più le cose.
Carmen Villani, Andrea
Il film, non potendo contare su una sceneggiatura che abbia un minimo di decenza e credibilità, viene lanciato con un titolo pecoreccio, quel Ecco lingua d’argento che sottintende una visione di un film peccaminoso e dedicato alla celebre arte della fellatio.
In realtà il film è quasi casto, fatte salve alcune scene che però rientrano nei canonici margini tollerati dalla censura; così alla fine il povero spettatore si trova a fare i conti con un film insulso e privo di qualsiasi attrazione se non quella rappresentata dalla visione dei corpi generosamente esposti di Carmen Villani e Nadia Cassini.
Degradato da dialoghi quasi demenziali e surreali, il film scivola nella noia più assoluta verso il finale annunciato, quello cioè nel quale il tristemente inespressivo Cenci riesce finalmente a godere le grazie della sua concupita Andrea/Carmen Villani.
Che dal canto suo si segnala per tre caratteristiche dominati; il cappello da cow boy che la rende simile ad una mandriana del Texas, l’abitudine di fumare un ingombrante sigaro Avana e un torace assolutamente affascinante, una delle scperte del cinema anni 70.
L’ex cantante utilizza in pratica una sola espressione, visto che quando si toglie il cappello è praticamente indistinguibile da quando lo indossa, mentre l’altra protagonista, una Nadia Cassini insolitamente bionda, mostra il meglio del suo repertorio che non è costituito certo dall’abilità recitativa, ma da un fisico assolutamente ineccepibile.
In questa triste commedia si perde anche la simpatia di Gianfranco D’Angelo, che sembra capitato sul set più per raccattare quattrini che per intima convinzione.
Un filmaccio, quindi.
Uno dei peggiori anche.
Mauro Ivaldi sfrutta il successo di sua moglie, passata da un degno passato di cantante a quello molto meno glorioso a probabilmene più remunerativo di attrice sexy.
Il regista, che dirigerà per l’ultima volta la moglie nel ben più che mediocre L’anello matrimoniale (1979), prima di concludere la sua carriera di regista con Ragazze in affitto s.p.a. si segnala per l’assoluta mancanza di idee.
Per fortuna appenderà la macchina da presa al classico chiodo, risparmiandoci così altre imbarazzanti operazioni tipo Ecco lingua d’argento.
Che resta un film da scansarsi come un attacco di colite, a meno di non volersi male sul serio.
Roberto Cenci (Billy) e Gianfranco D’Angelo (Bobby)
Ecco lingua d’argento,un film di Mauro Ivaldi. Con Carmen Villani, Roberto Cenci, Nadia Cassini, Enzo Andronico, Gianfranco D’Angelo
Commedia sexy, durata 90 min. – Italia 1976.
Carmen Villani … Andrea
Nadia Cassini … Emmanuelle
Roberto Cenci … Billy
Gianfranco D’Angelo … Bobby
Regia Mauro Ivaldi
Sceneggiatura Mauro Ivaldi, Guido Leoni
Casa di produzione Summit Film
Fotografia Gino Santini
Montaggio Carlo Reali
Musiche Alberto Baldan Bembo
Costumi Silvio Laurenzi
Le recensioni qui sotto appartengono al sito http://www.davinotti.com
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I contenuti del film sono, a dispetto delle attese, ben lontani da quelli che l’immaginifico titolo può evocare. Cosa che si ripete -costantemente- nella filmografia della Villani (Lettomania, 1976; La signora ha fatto il pieno, 1977; Es Pecado… Pero me Gusta, 1978). La trama è oscurata da una serie di episodi che vorrebbero essere stuzzicanti ma che sono -prevalentemente- costituiti da dialoghi prolissi ed inconcludenti. C’è anche Nadia Cassini, in una delle sue peggiori interpretazioni… La soubrette è diretta -come spesso- dal marito.
Il seguito de L’amica di mia madre è sempre una commedia erotica di bassa lega, costruita su un canovaccio che è animato per i suoi personaggi ma noioso per lo spettatore. Cenci è il solito rampollo voglioso che dà la caccia alla bella Villani la quale, tra spacchi e scollature, concede anche un bel nudo nel deserto africano. È lei l’unico traino del film, visti i deboli apporti comici di D’Angelo e una Cassini del tutto improbabile come psichiatra freudiana.
Gli do mezzo pallino più del dovuto (ovvero uno) vista l’alta carica erotica della Villani, compensata però da una recitazione orrida. Sulla scia del pessimo L’amica di mia madre anche qui dobbiamo sorbirci le “ottime” battute del ridicolo Cenci. Non mi pronuncio sul resto del cast; trama totalmente insensata per un film davvero inutile.
Si fa fatica ad arrivare in fondo… La sceneggiatura è, se mi permettete, squallida: quando non ci vengono mostrate le grazie della Villani dobbiamo sorbirci dialoghi del calibro “me la devi dare” ripetuti come un mantra da un Cenci arrapatissimo, o delle gag su cui è meglio stendere un velo pietoso. Quando poi Cenci ricicla le battute di Milian con i santi, è la fine. D’Angelo appare poco e non fa nulla per risollevare le sorti del film. Ah, volete sapere la trama? Boh!
Anche se nella commedia erotica italiana si è visto di tutto, è difficile trovare un film così insopportabile come questa pellicoletta firmata da Mauro Ivaldi e da lui scritta con la complicità di Guido Leoni. Pensato per un pubblico di minorati, condito da dialoghi che più idioti è impossibile, infestato dalla presenza di un personaggio di rara antipatia come Roberto Cenci, il filmaccio umilia indegnamente in ruoli demenziali e che soprattutto nulla hanno di erotico, le povere Carmen e Nadia.
Scuola di nudisti (Mon curé chez les nudistes)
Padre Daniel è il parroco di una piccola chiesa in un piccolo villaggio francese.
Convinto assertore del metodo (poco ortodosso, in verità) “comico”, ovvero fautore dell’uso di sketch comici per attirare fedeli, riesce ad avere un buon seguito proprio grazie alle sue non comuni doti di imitatore e di mimo.
I suoi sermoni sono seguiti quindi da un pubblico di parrocchiani abbastanz anutrito, sempre divertito dalle invenzione del buon Daniel.
Paul Preboist è Padre Daniel
La sua fama raggiunge così la curia e un suo superiore, chiamato semplicemente “Monsignore” gli affida un incarico assolutamente particolare.
Padre Daniel deve recarsi presso un villaggio di naturisti e cercare di riportare il gregge all’ovile.
Il povero padre Daniel così parte per il villaggio sulla sua scassatissima Citroen 2 CV; durante il viaggio, fermatosi per riposare, viene raggiunto da una secchiata d’acqua lanciata da un camper così lo sventurato prete è costretto a spogliarsi per far asciugare l’abito talare. Un ladruncolo in fuga si impossessa dei suoi abiti stesi ad asciugare,così a Don Daniel non resta che usare gli abiti del ladruncolo, che gli ha anche lasciato in eredità una papera.
Giunto al campo, Daniel si ritrova nel bel mezzo di una vera guerra tra i naturisti e i vicini. Da quel momento una serie infinita di disavventure attendono il prelato ; circondato da splendide donne e da uomini che girano attorno a lui completamente nudi, lo sventurato parroco prova sulla sua pelle le tentazioni e le problematiche del naturismo.Costretto a liberarsi dell’abito talare, Daniel per evitare di dover girare nudo, si procura una tuta da lavoro di uno sgargiante color porpora con scritto su “en rodage”, ovvero agli inizi.
Dopo una serie di disavventure tra il comico e il farsesco, padre Daniel…..
Diretto da Robert Thomas nel 1982, Scuola di nudisti, conosciuto in Francia come Mon curé chez les nudistes (Il mio curato tra i nudisti) esce nel 1982 assolutamente in sordina sui nostri schermi.
Siamo di fronte ad una commediola costellata di gag tipiche del cinema francese, mentre il film stesso è costruito attorno alla simpatia di Paul Preboist, un attore da noi poco conosciuto, ma in possesso di una forte carica umoristica e sopratutto ottimo mimo.
Scuola di nudisti presenta una pletora assolutamente eterogenea di nudi femminili, che però, inseriti in un contesto comico/farsesco tutto hanno tranne che la volgarità; così il film diventa una continua serie ininterrotta di gag e situazioni surreali, nelle quali il povero padre Daniel viene a trovarsi.
Tra donne nude che lo circondano, lo sbaciucchiano, lo toccano, lo sfiorano con i loro seni seducenti, il prelato è costretto a subire tentazioni che nemmeno un santo saprebbe respingere.
Tuttavia il prete riesce a mantenersi casto, almeno fino ad un certo punto.
Un film assolutamente inoffensivo, in qualche modo tributario delle tante pellicole sexy della commedia all’italiana, che utilizza il naturismo non certo per stigmatizzarne o esaltarne le virtù, ma solo come fonte di gag e di equivoci.
Va detto che alcune trovate sono davvero comiche e se la sceneggiatura non è certo originale, tuttavia a tratti ci si diverte davanti alle disavventure di Padre Daniel, che però conserva una sorta di candore assolutamente inattaccabile davanti alle disavventure che sistematicamente gli si parano davanti.
Paul Preboist poi è assolutamente straordinario nei panni di Padre Daniel; la veste talare sembra cucita addosso come una seconda pelle e il suo personaggio, pur nei limiti di una pellicola B movies è ottimamente interpretato.
Un film discreto, quindi, con momenti esilaranti e sopratutto con un gineceo femminile di prim’ordine, che se non si segnala per la recitazione quanto meno è apprezzabile sul piano di vista meramente fisico.
Scuola di nudisti, (Mon curé chez les nudistes), un film di Robert Thomas, con Katia Tchenko, Paul Préboist, Georges Descrières, Jean-Marc Thibault, Marc de Jonge, Henri Génès, Philippe Nicaud Commedia, Francia 1982
Paul Préboist … Padre Daniel
Georges Descrières … Monsignore
Henri Génès … Truffard
Philippe Nicaud … Léon
Katia Tchenko … Gladys
Jean-Marc Thibault … Antoine
Ramiro Olivera … Alex ,il figlio d’Antoine
Brigitte Auber … Charlotte – la ragazza d’Antoine
Marc de Jonge Oscar, il coiffeur
Sophie Boudet … Miquette
Max Elisee … Banania
Pétronille Moss … Sophie
Cathy Esposito … Jeannette – la ragazza di Léon
Regia: Robert Thomas
Sceneggiatura: Robert Thomas
Produzione: Marcel Albertini, Jacques Leitienne, Gabriel Rossini
Musiche: Romuald
Editing: Jacqueline Thiédot
Costumi: Sylviane Combe
Trucchi: Béatrice Labuset
Porky’s – Questi pazzi pazzi porcelloni
In un liceo della Florida ad Angel Beach una banda di scatenati ragazzi divide il proprio tempo tra lo studio e la goliardia; i giovani organizzano scherzi e beffe e il bersaglio preferito è il giovane Pipino considerato ancora un adolescente anche perchè non ha avuto la prima esperienza sessuale.
Nel gruppo, per contraltare, c’è il giovane Pilone così soprannominato per le dimensioni del suo organo sessuale.
Gli scherzi, anche feroci, sono se non assecondati, visti con occhio complice dagli insegnanti, fra i quali c’è la giovane Miss Honeywell, soprannominata Lassie per l’abitudine parecchio imbarazzante di ululare come un collie quando ha un orgasmo dopo un rapporto sessuale.
I giovani alla fine decidono di far provare l’ebbrezza del primo rapporto a Pipino e decidono di portarlo in un locale per adulti di una vicina contea, il Porky’s.
L’introduzione alla sequenza più esilarante del film; l’insegnante dal preside per la denuncia
Qua però avranno la disavventura di essere derubati e beffati dal laido proprietario del locale il quale grazie anche all’aiuto del fratello sceriffo lascia i giovani sconfortati e senza denaro.
Ma arriverà la riscossa, grazie anche all’aiuto del fratello di uno dei giovani, anche lui sceriffo, che porterà alla tanto agognata vendetta nei confronti del prepotente Porkys.
Nel finale, Pipino sarà iniziato al sesso dalla disponibile Wendy, che in realtà non è affatto la ninfomane che gli amici credevano.
Porky’s è l’antesignano di un certo tipo di commedia scolastica che tanto successo avrà poi nel corso del decennio ottanta sopratutto in America e che diverrà poi l’apripista della interminabile serie dei Decameron Pie.
Un film decisamente divertente e spassoso, anche perchè ebbe la fortuna di essere il primo a trattare tematiche adolescenziali/liceali unendo a queste uno humour un tantino greve ma di sicuro impatto.
Il film è a tratti davvero irresistibile; basti pensare alla scena più famosa del film, quella in cui un’insegnante afferra il pene di uno studente e si rivolge al preside per avere l’autorizzazione a identificarlo fra quello degli studenti, suscitando l’ilarità irresistibile sia degli altri insegnanti sia del preside stesso.
La “sfilata delle pellicce”
Il film è ben congegnato, le battute fioccano e i momenti di ilarità si susseguono; la ricerca disperata di Pipino, il rapporto sessuale tra la scatenata “Lassie” e l’insegnate di ginnastica, la vendetta dei ragazzi ai danni di Porky’s sono momenti di cinema davvero spassoso.
Il film quindi è fresco e spontaneo pur nei limiti di una certa grevità delle situazioni; ma va anche detto che la comicità delle stesse non è legata come nel caso delle commedie sexy del filone studentesco italiano alle flatulenze e alle battute scurrili.
La celebre sequenza con protagonista Kim Cattrall
Anche se la tematica di fondo è a base eminentemente sessuale, c’è tuttavia una certa eleganza nel trattare l’argomento, così come non ci sono scene di sesso se non quella menzionata tra Lassie e l’insegnante e le scene di nudo sono limitate all’esposizione in una doccia del corpo di alcune ragazze, scena peraltro assolutamente irresistibile.
Si ride tanto e di gusto, per una volta.
E sicuramente si prova un forte senso di invidia per i giovani protagonisti della storia, tutti belli atletici e simpatici, senza pensieri, che nel film si muovono sullo sfondo di un’America che all’epoca era la potenza numero uno al mondo, incontrastata e priva dei gravissimi problemi economici dei giorni nostri.
Un’America cinica e divertita, allegra e quasi goliardica; quella che vediamo emergere da Porky’s è una nazione che sembra non avere problemi.
Ovviamente non è di certo questo il “messaggio” del regista: tutto ciò lo immaginiamo vedendo i ragazzi muoversi in ambienti medio borghesi nei quali un certo tipo di problematiche sembra essere completamente assente.
Tuttavia Porky’s, aldilà della leggerezza di fondo e indipendentemente dal fatto che si tratti di una commedia adolescenziale, mantiene una freschezza invidiabile grazie anche alla buona mano del regista Bob Clark, che in pratica fece tutto da solo, inclusa la sceneggiatura e infine la produzione.
Clark due anni dopo riproporrà il sequel del film, con risultati decisamente più modesti; la spontaneità, la simpatia, quell’aria di innocente goliardia di Porky’s si smarrirà in un confuso sequel in cui si ride molto meno e ci si annoia molto più.
Per finire, due note sul cast.
Di tutti gli attori presenti, l’unica ad avere una certa fama era l’allora giovanissima Kim Cattrall.
La splendida attrice diverrà poi famosissima in America e anche da noi nella serie televisiva Sex and the City; in questo film è la simpaticissima Lassie, l’insegnante così soprannominata perchè ulula durante i rapporti sessuali, un’abitudine conosciutissima sia dai suoi colleghi che dai suoi studenti, cosa che ingenera ovviamente battute sconce di ogni genere.
Porky’s – Questi pazzi pazzi porcelloni, un film di Bob Clark. Con Kim Cattrall, Scott Colomby, Kaki Hunter, Susan Clark, Art Hindle, Roger Wilson, Wayne Maunder, Jill Whitlow, Eric Christmas, Wyatt Knight, Tony Ganios, Douglas McGrath, Cyril O’Reilly, Alex Karras, Mark Herrier, Ilse Earl, Chuck Mitchell, Boyd Gaines, Nancy Parsons, Dan Monohan, John Henry Redwood, Jack Mulcahy, Rod Ball, Terry Guthrie, Lisa O’Reilly, Allen Simmons
Titolo originale Porky’s. Commedia, durata 94 min. – Canada 1981
Dan Monahan … Pee Wee (Pipino)
Mark Herrier … Billy
Wyatt Knight … Tommy
Roger Wilson … Mickey
Cyril O’Reilly … Tim
Tony Ganios … Meat
Kaki Hunter … Wendy
Kim Cattrall … Honeywell (Lassie)
Nancy Parsons … Balbricker
Scott Colomby … Brian Schwartz
Boyd Gaines … Insegnante Brackett
Doug McGrath … Insegnante Warren
Susan Clark … Cherry Forever
Art Hindle … Ted Jarvis
Wayne Maunder … Cavanaugh
Regia Bob Clark
Soggetto Bob Clark
Sceneggiatura Bob Clark
Produttore Bob Clark
Casa di produzione 20th Century Fox
Fotografia Reginald Morris
Montaggio Stan Cole
Musiche Carl Zittrer, Paul Zaza
Scenografia Reuben Freed, Paul Harding, Mark S. Freeborn
Costumi Mary E. McLeod, Larry S. Wells
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Antesignano (è stato girato nel 1981!) di tutte le commedie giovanilistiche tipo American Pie (che gli deve più di qualcosa), Porky’s è una perchetta macchina di comicità che funziona tutt’oggi a molti anni dalla sua realizzazione. Frutto dello straordinario ritmo con cui è stato girato e dell’avere osato il politicamente scorretto, fatto di tutto quello che al cinema non si dovrebbe mostrare e che viene invece spudoratamente esibito per far ridere. Mito giovanile.
Scollacciata e porcellosa (come da titolo) commedia giovanile diretta da un regista che aveva percorso ben altre vie (Black Christmas, ad esempio). L’ironia a volte scade nel cattivo gusto, ma non rifugge da un tipo di narrazione verosimile e facilmente accostabile alla realtà adolescenziale dell’epoca. Non è, di fatto, un caso se il film da origine ad un filone e ad una serie, restando – nel bene e nel male – impresso negli annali della cinematografia “leggera”…
Divertente, l’ho visto parecchie volte da ragazzino dato che era trasmesso con notevole regolarità sulle reti fininvest. Rispetto ai film odierni ambientati nelle high schools americane c’è una maggiore libertà nel trattare il sesso, con un’infinità di battutacce e doppi sensi molto divertenti. Forse c’è un leggero calo nel finale, quando i ragazzi organizzano la loro vendetta contro Porky, ma nel complesso il film regge bene fino alla fine.
Commediola “sporcacciona” che all’epoca ebbe un grande successo (tanto da dare vita a due seguiti e ad un vero e proprio filone) ma che rivista oggi appare ben più “innocua” di allora. Qualche risata la strappa ed i protagonisti sono simpatici ma alla fine non è nulla di memorabile. In ogni caso si lascia guardare ed è comunque superiore a tutti gli American pie messi insieme.
Visto per la prima volta con quasi trent’anni di ritardo dalla sua uscita, Porky’s non è certo quel campione di oltraggiosa volgarità cui si additava allora e nemmeno tutto questo spasso… Epperò: dietro l’irriducibile goliardia si nasconde una sorta di utopia eterosessuale adolescenziale dove sesso, botte e scherno, vissuti in assoluta spensieratezza, non producono conseguenze e traumi, discriminazioni o bullismo. La vera corruzione sta nel mondo adulto, esemplificato dal locale di Porky’s, non a caso demolito dai ragazzi: un’illusione che lo slasher anni ’80 decimerà a colpi d’ascia…
Purtroppo Bob Clark deve la sua (poca invero) notorietà più all’aver diretto i primi due episodi della serie “Porky’s” che non per quanto fatto, con esiti sicuramente migliori, nel campo horror (il suo Black Christmas è un piccolo gioiello del genere). Precisato questo parliamo di questo film che è divertente, anche se basato su situazioni e battute di grana veramente grossa. All’epoca della sua uscita non era comune come oggi veder trattati così espicitamente temi legati al sesso. Non certo impedibile ma un’occhiata si può dargliela.
Goliardico e simpatico. All’epoca fece scandalo, al giorno d’oggi appare abbastanza ingenuo (ma neanche troppo). Da segnalare il divertente cameo di Susan Clark nel ruolo della prostituta, per il resto adatto agli appassionati delle commedie goliardiche anni ’80.
Un buon film nel suo genere, portatore di sana allegria triviale e caratterizzazioni riuscite. Pipino (personaggio irripetibile), Pilone e i compagni di merende da una parte. Dall’altra i personaggi per così dire istituzionali: Professori, Pollastrelle e Poliziotti in tono con l’atmosfera scema ma ben costruita. Meno riuscita la disfida con Porky. Ha inaugurato un filone discutibile e ripetitivo ma ai suoi tempi fece scuola.
Rivisto oggi fa quasi tenerezza per come sono cambiati i costumi sessuali, ma ai tempi fu una delle più oltraggiose commedie mai fatte (basti ricordare la prima inquadratura dell’erezione di Pipino). Ma è sempre un film che si rivede volentieri, merito soprattutto di una sceneggiatura curata, pur se un po’ macchinosa, mai banale, che oltre alle goliardate di turno offre anche importanti spunti di riflessione(alcolismo, razzismo). Simpaticissimo tutto il cast degli studenti. Brillante regia di Clark.
Ma come ci si può dimenticare di Pipino e Pilone? Questa pellicola è passata alla storia. Una comicità puramente goliardica e situazioni comico-erotiche rendono godibilissimo il film soprattutto nella sua prima parte. Ci troviamo di fronte ad uno dei capostipiti della commedia goliardica (seconda solo ad Animal House), e per le situazioni e le scene trattate ha fatto da apripista alle innumerevoli pellicole postume. Da vedere assolutamente.
Primo film di una serie che ha praticamente creato un filone, quello delle commedie adolescenziali sexy che, purtroppo, continua ancora oggi e con gli stessi risultati. Di sceneggiatura manco a parlarne, visto che si tratta di una sequela di gag e battute che farebbero invidia pure ai nostri Vitali, Montagnani e compagnia bella. Regia meno che mediocre di Clark e attori decisamente inconsistenti. Da evitare.
Commedia sull’adolescenza e l’approccio dei giovani al mondo del sesso, un po’ come un American Pie e come tanti altri film goliardici. Ma questo è ambientato negli anni 50 (ottimamente ricostruiti) e riflette i costumi sessuali dell’epoca. Ben sceneggiato e con trovate piuttosto divertenti. Ben caratterizzati i personaggi, da Pilone a Pipino e Wendy. Tra uno scherzo e l’altro viene aperta anche una parentesi al razzismo. Un cast un po’ anonimo, qualche sequenza un po’ lenta, ma nel complesso la ricetta è vincente e negli 80 ebbe un successone.
Quante volte l’avrò visto… e quante volte ancora lo rivedrò. Tutto divertente, con i personaggi nel posto giusto e con le facce giuste, ma le scene di Lassie e del pene “da identikit” restano negli annali, con la risata che ti rende complice senza rendertene conto. Clark era un grande regista, capace di portare su schermo in maniera adeguata sia trattamenti seriosi od orrorifici che altri più faceti. Questo è un cult assoluto, immarcescibile.
Ricordavo perfettamente di averlo visto al cinema, a 13 anni, una domenica, di pomeriggio. Una seconda visione, posteriore di 28 anni, ha confermato i miei pensieri: dopo tanti anni, le cose cambiano! La perla di saggezza appena citata riguarda la goliardia del tempo, che ora non c’è (quasi) più. È rimasta però nel film, sboccato al quadrato e sexy come il villoso Trivex in minigonna. Praticamente un porno psicologico, dove la volgarità è costruita per divertire, non per offendere il guardone. Mi ero divertito prima e mi sono divertito anche adesso! ***
Angel Beach, 1954, un gruppo di studenti fanno il diavolo a quattro per riuscire a fare sesso, fare scherzi e vendicarsi dei prepotenti della città. Porky’s è proprio il nome del locale (e del proprietario) di spogliarelli nel quale si verificherà lo scherzo definitivo. Scorre bene, è piacevole; forse gli anni ’50 sono poco caratterizzati (la musica ad esempio è in secondo piano) ma questo è un dettaglio.
La prima scena riesce perfettamente a delinearne i tratti salienti: l’adolescente che si misura l’erezione e riporta preoccupato i dati nell’apposita tabella. Poi saltano fuori, una a una, tutte le macchiette di questo cult fatto di gag e situazioni. Non ha nulla di particolarmente riuscito o rilevante, solo un manifesto goliardico della sua epoca, un po’ ossessivo, un po’ eccessivo, ma godibile (in gruppo chiassoso e con birra a volontà).
Divertentissimo. Manifesto di un epoca d’oro della commedia e particolarmente irriverente nelle trovate comico-erotiche. La produzione è canadese e questo è un beneficio dal punto di vista del “politically incorrect”. Non ci sono ipocrisie nell’affrontare il sud provinciale degli Stati Uniti anni 50. Personaggi tutti indovinati e memorabili anche con brevi apparizioni e regia che riesce a non far calare mai il ritmo. Un classico.
La più bella serata della mia vita
Un industriale romano, Alfredo Rossi, viaggia verso la Svizzera proveniente da Milano.
A bordo della sua auto ha una grossa somma di denaro, che l’uomo deve esportare in barba alle leggi valutarie.
L’arrivo in Svizzera riserba all’uomo una sgradita sorpresa; la banca dove deve depositare il denaro è chiusa, per cui Alfredo si ritrova nell’imbarazzo di dover occupare il suo tempo in attesa della riapertura della banca stessa.
Si mette quindi alla ricerca di un albergo, ma si imbatte in una motociclista e la segue lungo le montagne.
Un nuovo imprevisto lo blocca ancora: la sua Maserati si pianta di colpo, così alla fine si reca ad un vicino castello per chiedere ospitalità.
Qui si imbatte in un “simpatico” gruppo di ex magistrati che vivono sotto lo stesso tetto dopo essere andati in pensione.
Per gioco, Alfredo accetta di farsi processare dai quattro, che sembrano sapere sul suo conto molto di più di quello che Alfredo racconta.
Così poco alla volta lo squallore morale del personaggio emerge, sotto le domande incalzanti dei quattro giudici.
Il rito si conclude con la sua condanna a morte: così Alfredo, dopo una serata di bagordi, va a letto e durante la notte sogna di andare a morte mentre la bella motociclista (che lo ha servito a tavola durante la serata precedente) gli gira attorno con la moto.
La mattina, ancora spaventato dal sogno della notte, Alfredo si vede recapitare il conto della sua permanenza al castello.
I quattro giudici infatti usano il sistema di creare tutta la messinscena proposta ai danni di Alfredo a tutti i turisti facoltosi che hanno la ventura di capitare nel loro castello.
Alfredo paga e va via ma lo attende una bruttissima sorpresa….
Tratto da un romanzo di Friedrich Dürrenmatt, La panne. Una storia ancora possibile edito nel 1956, La più bella serata della mia vita esce sugli schermi italiani nel 1972, diretto da Ettore Scola e su sceneggiatura dello stesso regista e di Sergio Amidei.
Il film si differenzia molto dal romanzo, e questo non aiuta di certo l’economia del film che si smarrisce per due motivi fondamentali
-Il primo è la presenza di un Alberto Sordi bravo ma strabordante, egocentrico che ingombra con il suo talento finendo per diventare l’elemento accentratore del film e lasciando in disparte tutto il resto; i quattro giudici, francesi non solo per nascita ma anche per flemma, sembrano annichiliti dalla vitalità dell’Albertone;
– il secondo è la mancanza di un ritmo lineare della pellicola, che accelera, decelera e poi sonnecchia per lunghi tratti.
Molte le differenze con il testo teatrale, troppe; se nel film troviamo ancora i quattro giudici che imputano ad Alfredo il delitto da lui commesso ai danni del suo ex principale, alla fine il film si discostra troppo dal finale del testo originale.
Mentre nel romanzo Alfredo sceglie in qualche modo di pagare i suoi errori con un suicidio rituale, nel film le cose cambiano radicalmente ed Alfredo trova la morte in ben altro modo, quindi non scegliendo personalmente l’espiazione, ma subendola dal caso.
Scola, uno dei maestri del cinema italiano, tenta di dare un percorso personale al film, ma alla fine se ne discosta troppo e trasforma la drammaticità del racconto di Dürrenmatt in qualcosa di completamente diverso; Sordi contribuisce in maniera determinante così alla fine manca proprio l’omogeneità al racconto.
Pure il film non è da bocciare, perchè per alcuni tratti proprio le sue pecche conferiscono un tono di leggerezza al racconto che lo rendono quasi simile ad una commedia.
E qui vale il solito discorso sulle possibilità di adattare con accuratezza testi letterari nati per ben altri scopi; Scola fa come buona parte di coloro che riduce pieces per teatro o letterarie, modifica a suo piacimento senza badare all’aderenza con il testo originale.
Fa bene, fa male?
Visto il risultato la risposta sarebbe scontata, ma va anche detto che perlomeno ci prova, discostandosi anche da buona parte della produzione del cinema di inizi anni settanta, quasi sempre poco attento a tematiche “profonde”
Per quanto riguarda i quattro giudici, Scola sceglie i mostri sacri del cinema francese: Michel Simon, Charles Vanel, il meno conosciuto Claude Dauphin e Pierre Brasseur lo ripagano con interpretazioni quasi in carta carbone.
Poco liberi di muoversi a piacimento, i quattro subiscono lo strapotere di sordi e si limitano a svolgere il loro compitino.
Bene invece l’affascinante Janet Agren in un ruolo che l’attrice sente e che svolge nel migliore dei modi.
In ultimo, segnalazioni di merito per le musiche di Armando Trovajoli e per la fotografia di Claudio Cirillo.
La più bella serata della mia vita, di Ettore Scola, con Janet Agren, Alberto Sordi, Michel Simon, Charles Vanel, Pierre Brasseur, Jean-Claude Dauphin, Claude Dauphin, Bruno Boschetti, Giuseppe Maffioli
Commedia, durata 108 min. – Italia 1972.
Alberto Sordi: Alfredo Rossi
Michel Simon: Avvocato Zorn
Janet Agren: Simonetta
Charles Vanel: Giudice Dutz
Claude Dauphin: cancelliere Bouisson
Pierre Brasseur: Conte La Brunetiere
Giuseppe Maffioli: Pilet
Regia Ettore Scola
Soggetto La panne. Una storia ancora possibile
Sceneggiatura Ettore Scola, Sergio Amidei
Produttore Dino De Laurentiis
Fotografia Claudio Cirillo
Montaggio Raimondo Crociani
Musiche Armando Trovajoli
Scenografia Luciano Ricceri
Citazioni dal romanzo:
“Noi quattro qui seduti a questo tavolo siamo ormai in pensione e perciò ci siamo liberati dell’inutile peso delle formalità, delle scartoffie, dei verbali, e di tutto il ciarpame dei tribunali. Noi giudichiamo senza riguardo alla miseria delle leggi e dei commi.”
“Il suo è un delitto perpetrato in modo così raffinato da essere brillantemente sfuggito, è ovvio, alla giustizia dello stato”
La cosa buffa
Storia di un amore contrastato tra un maestro elementare (Antonio) e Maria Borghetto, figlia di un ricchissimo uomo d’affari veneziano.
Un amore impossibile, alla luce delle differenti provenienze sociali dei due; Antonio è figlio di gente comune, studia all’università ma senza nessuno stimolo mentre Maria vive la sua realtà fatta di un presente senza problemi particolari, nè economici nè d’altro tipo.
La ragazza ricambia subito l’affetto del ragazzo, ma incontra anche l’assoluta intransigenza dei genitori, nettamente contrari ad un’unione che loro mal vedono.
Per la figlia infatti hanno in serbo ben altri progetti.
Una deliziosa Ottavia Piccolo è Maria
Gianni Morandi è Antonio
Antonio sembra anche affetto da problemi con l’altro sesso: infatti dopo un incontro con una strana ragazza ungherese che ha a sua volta un problematico rapporto saffico con una sua cugina, esce frustrato dall’esperienza perchè non ottiene un orgasmo.
Non gli va meglio con Maria; la ragazza, nonostante sua madre vegli continuamente, va a trovare il giovane per concedersi anima e corpo.
Infatti proprio sul più bello arriva la terribile madre della giovane a interrempere l’idilio, con conseguenze prevedibili.
Antonio così riprova con la ragazza ungherese, nuovamente interrotto sul più bello questa volta proprio dall’amante della ragazza.
Rosita Torosh e Veronique Darel, le cuginette
Sembra una nemesi, quella del giovane; nessuna donna sembra abbordabile, perchè c’è sempre un intoppo a rendere le cose impossibili.
Nel frattempo il padre di Maria decide di corrompere Antonio, arrivando ad offrirgli molti soldi pur di liberarsi dello stesso.
Un colloquio impossibile
Con un sussulto di dignità, Antonio rifiuta il denaro e deluso ritorna alla sua vita piatta di provinciale.
Tratto dal romanzo di Berto (omonimo) La cosa buffa è realizzato da Aldo Lado nel 1972; lo score precedente a questo film del regista fiumano parla di opere altalenanti.
Passato dall’incerto La corta notte delle bambole di vetro del 1971, opera d’esordio come regista a Chi l’ha vista morire? ottimo thriller dell’anno successivo, Lado si cimenta con una riduzione cinematografica di un romanzo graffiante di Berto.
Che non fosse aria lo si capisce immediatamente dalla sceneggiatura; laddove il romanzo di Berto punta l’indice sulle difficoltà di relazione tra giovani, divisi anche da cultura e ceto sociale, uniti solo dalle tempeste ormonali e dalla difficile ricerca di un equilibrio personale, Lado non si capisce bene dove vada a parare.
Il film infatti a tratti diventa irritante, come il protagonista assoluto della storia, quell’Antonio che sembra il prototipo del vitellone di provincia che arriva in città convinto di fare strage e che finirà amaramente per tornarsene con le pive nel sacco.
Diventa irritante perchè Lado caratterizza in negativo il personaggio, ben più di quanto faccia Berto nel romanzo e in più affida il ruolo di interprete del maestro/studente a Gianni Morandi, passato dalle canzonette e dai musicarelli a ruoli cinematografici che mostra con chiarezza di non saper o poter padroneggiare.
Così il film si immalinconisce e ben presto perde efficacia e sopratutto smarrisce la rotta.
La forte criticità e l’ironia di Berto vengono stravolte dal regista e trasformate in qualcosa di indistinto: la bravissima Ottavia Piccolo si trova a gestire un ruolo la cui sceneggiatura sembra tagliata più che con l’accetta con un Black and Decker.
Un film scollato, in pratica.
Perchè l’atmosfera creata da Berto, la cosa buffa che poi buffa non è e che ha tutto il sapore della tragicità si trasforma sotto la regia di Lado in una cosa quasi comica, o sarebbe meglio dire tragicomica.
Si, d’accordo che un film non può mai rendere l’atmosfera di un romanzo per i motivi mille volte citati, ma stravolgerne completamente il significato limitandosi a riprendere solo i personaggi per renderli involontariamente (quanto involontariamente?) ridicoli è operazione poco lusinghiera.
Dal naufragio in cui ben presto viene a trovarsi il film si salva solo la brava e bellissima Ottavia Piccolo; il suo candore ben si mescola (parlo del film) ai primi pruriti sessuali , che sono quasi assenti nel romanzo.
La Piccolo si adegua e tira fuori un personaggio ben caratterizzato e credibile, pur nel quadro poco credibile del film.
Naufragio ben più pesante per Morandi, impacciato e poco espressivo, alle prese con un personaggio non nelle sue corde (ma in realtà qual’era il personaggio adatto a lui, cinematograficamente?)
Bene Giusy Raspani Dandolo, bella e sexy Rosita Torosh ovvero la cugina lesbica di Marika, la ragazza ungherese.
In ultimo, citazione per la solita affascinante Venezia, una delle location più usate durante gli anni settanta (ripescata da Lado dopo il successo di Chi l’ha vista morire?), musiche non proprio memorabili del grande maestro Morricone.
La cosa buffa, un film di Aldo Lado. Con Angela Goodwin, Gianni Morandi, Ottavia Piccolo, Dominique Darel, Giusi Raspani Dandolo, Fabio Garriba, Riccardo Billi, Luigi Casellato, Claudia Giannotti, Rosita Torosh
Commedia, durata 108 min. – Italia, Francia 1972.
Gianni Morandi … Antonio
Ottavia Piccolo … Maria Borghetto
Angela Goodwin … La padrona della pensione
Fabio Garriba … Benito
Claudia Giannotti … La sorella di Antonio
Nino Formicola … Il padre di Antonio
Rosita Torosh … Vera , la cugina di Marika
Luigi Casellato … Amedeo il barbiere
Riccardo Billi … Il papa di Maria
Ilario Borghetto – La sorella di Maria
Dominique Darel … Marika
Giusi Raspani Dandolo … La madre di Maria
Regia di Aldo Lado
Dal romanzo omonimo di Giuseppe Berto
Sceneggiatura di Alessandro Parenzo e Aldo Lado
Prodotto da Giovanni Bertolucci
Musiche di Ennio Morricone
Il regista del film, Aldo Lado
Il romanzo di Giuseppe Berto
La soundtrack di Morricone
La soldatessa alle grandi manovre
Il colonnello Fiaschetta e il generale Barattoli si apprestano alle grandi manovre; il primo comanda le armate Azzurre, il secondo le armate Verdi.
Mentre tutto è pronto per l’importante avvenimento, nella caserma comandata da Fiaschetta, militare più per tradizione e per volontà materna che per intima convinzione arriva la splendida dottoressa Eva Marini.
Renzo Montagnani
La donna ha ricevuto dal comando un incarico inusuale e delicato; svolgere un’inchiesta segreta sui comportamenti sessuali dei militari.
Coadiuvata da due militari decisamente inadatti al nuovo compito, Alvaro e Salvatore, la dottoressa Marini si appresta a svolgere il suo incarico.
Gianfranco D’Angelo
Ben presto scopre anche alcuni altarini, come quello del militare Gianluca Capretti, dedito più alla vita da bohemienne che a quella del soldato.
La bella dottoressa si ritrova anche a dover aiutare Don Pagnotta, un volenteroso parroco del paese che aiuta nei limiti del possibile i ragazzi orfani del paese.
Nel frattempo iniziano le grandi manovre e il reparto degli azzurri, capitanati da Fiaschetta, hanno subito la peggio; Eva è convinta che qualcuno all’interno del reparto stia favorendo l’armata verde, e che questo qualcuno sia ovviamente il playboy Gianluca.
“Elvira, ma che ti è successo che hai la faccia tutta gonfia?”
Inaspettatamente, proprio tra Eva e Gianluca nasce una love story.
I due, con un colpo di fortuna, riescono a catturare il generale Barattoli decretando la vittoria dell’armata azzurra, con somma costernazione di Fiaschetta che dall’inizio aveva sabotato la sua armata per evitare proprio di vincere.
L’uomo invece verrà promosso…..
La soldatessa alle grandi manovre, film del 1978 diretto da Nando Cicero segna il compimento della trilogia “militare” del regista nato ad Asmara.
Edwige Fenech
Infatti, dopo La Dottoressa Del Distretto Militare (1976) e La soldatessa alla visita militare (1977) il regista torna a dirigere il collaudato cast che includeva la Fenech, Vitali e D’Angelo nel primo film, di nuovo la Fenech e Montagnani nel secondo completando la sua personale trilogia con un prodotto senza infamia e senza lode.
Prodotto sicuramente meno becero e triviale di tanti altri cloni del genere commedia sexy, in cui effettivamente qualche sprazzo di divertimento si riesce anche a goderselo.
Cicero era un regista di buona mano e di discrete doti e ancora una volta dimostra di trovarsi a suo agio con un genere che lo vide sicuramente protagonista, prima della chiusura della sua carriera con il famoso W la foca.
In questo film, sorretto da una sceneggiatura accettabile (nei limiti di un film appartenente al genere commedia sexy, ovviamente), Cicero dirige la solita squadra di ottimi caratteristi riprendendo i due personaggi principali del precedente La soldatessa alla visita militare, ovvero la dottoressa Eva Marini e il colonnello Fiaschetta, con l’aggiunta della presenza del soldato Alvaro Quattromani.
I tre, nell’ordine Edwige Fenech, Renzo Montagnani e Alvaro Vitali sono protagonisti di gag a volte scurrili (marchio di fabbrica di un certo tipo di commedia sexy) a volte esilaranti, mentre è da segnalare la presenza di Lino Banfi in un ruolo non usuale, quello del bravo parroco che tenta in tutti i modi di aiutare i bimbi del paese.
Forse alla fine è proprio il personaggio interpretato da Banfi a riuscire più convincente, in virtù della simpatia che l’attore pugliese riesce a trasmettere a Don Pagnotta, prete di quelli veri, da trincea.
Ovviamente è inutile immergersi in disquisizioni di qualsiasi genere sulla pellicola; questi film, spesso girati in poche settimane, con location spartane e con trame ridotte all’osso, non avevano alcuna ambizione particolare, se non quella di raccattare qualche lira.
Come già detto, La soldatessa alle grandi manovre non è nemmeno uno dei peggiori, come del resto dimostra la buona accoglienza che riservò il pubblico alla pellicola di Cicero;
qualche risata scappa, come nell’occasione in cui Eva e Gianluca, divenuti amanti, fanno prigioniero lo sventurato generale Barattoli preda di imbarazzanti problemi viscerali.
In ultimo segnalo la presenza di due caratteristi davvero bravi, anche se diversissimi fra loro: Antonino Faa Di Bruno, che interpreta il generale Barattoli in maniera talmente prefetta da sembrare davvero un generale e Salvatore Baccaro, che sarebbe scomparso prematuramente sei anni dopo.
La soldatessa alle grandi manovre, un film di Nando Cicero. Con Edwige Fenech, Renzo Montagnani, Gianfranco D’Angelo, Alvaro Vitali, Nino Terzo,Tiberio Murgia, Enzo Maggio, Lino Banfi, Jacques Stany, Michele Gammino, Lucio Montanaro, Milly Corinaldi, Renato Malavasi, Renzo Ozzano
Erotico, durata 96 min. – Italia 1978.
Edwige Fenech … Dottoressa Eva Marini
Renzo Montagnani … Colonnello Fiaschetta
Alvaro Vitali … Alvaro
Michele Gammino … Gianluca Capretti
Lucio Montanaro … Salvatore
Enzo Monteduro … Calogero
Nino Terzo … Infermiere
Antonino Faa Di Bruno …Generale Barattoli
Renzo Ozzano … Il sergente
Rita Di Lernia … La Leoparda
Salvatore Baccaro … Crispino
Jacques Stany … Capitano
Lino Banfi … Don Pagnotta
Gianfranco D’Angelo … Capitano medico
Grazia Di Marzà … Madre di Fiaschetta
Tiberio Murgia … Carmelo, il capostazione
Jimmy il Fenomeno … Soldato scemo
Regia: Nando Cicero
Sceneggiatura: Annie Albert, Nando Cicero e Fiorenzo Fiorentini
Produzione: Luciano Martino .
Musiche: Piero Umiliani
Editing: Daniele Alabiso
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Il Pasolini della commedia sexy, alias Nando Cicero, porta sullo schermo una comicità che potremmo definire viscerale quando non caricaturale: rappresentata da attori brutti, sporchi e squilibrati, ma risollevati (non solo nell’animo) dalla presenza di una dottoressa (finta tonta) di nome Eva Marini (la Fenech). Naturale proseguimento de La Dottoressa del distretto militare, si distingue per le presenze di Renzo Montagnani, Tiberio Murgia (il Capostazione), Nino Terzo (il balbuziente) e Michele Gammino (in seguito attivissimo doppiatore).
Evidentemente, l’unione fa la forza, almeno in questo caso, visto che, nonostante un copione che oscilla tra la barzelletta e la gag di livello medio basso, il fatto che ci siano molti caratterirti e che ognuno spari le sue cartucce (spesso esigue), permette allo spettatore di sorridere qua e là (e per un film come questo non è poco), grazie soprattutto a D’Angelo (medico militare), cinico e pazzoide, col suo aiutante (Nino Terzo), che sembra un po’ l’Igor, ma quasi afono, di Frankenstein. Anche Montagnani si sbatte, ma è meno divertente, mentre di Vitali, come di Jimmy, basta la faccia.
L’apoteosi ciceriana della sua trilogia militare. Un film rozzo, povero, sia di contenuti che di set (praticamente inesistenti), si respira per tutto il tempo un’aria di degrado a tutti i livelli. Quasi un film marcio, morboso, con personaggi sgradevoli, un’infinita galleria di freaks che trova nella Leoparda il suo climax. Oggetti scatologici assurdi (la pritera) per una comicità scatologica e malsana. Sembra quasi un annuncio di Ciprì e Maresco. “Scneggiatura” a stripes miracolosamente funzionante. Si ride, ma sono risate putrefatte. Cast ottimo. Sociologico.
Terzo e ultimo film del filone Soldatesse inaugurato dallo stesso Cicero. Si avvale come sempre di eccellenti caratteristi di buon nome quali Montagnani, Terzo, Murgia e Ozzano e di una bellezza mozzafiato qual era la Fenech. La storia, i personaggi e le gag sono le stesse, immutabili, ma almeno non ci si annoia e, anzi, alla fine ci si diverte pure (e questo è quello che conta).
Qualità delle gag solita, tra barzellette pessime e scenette di un umorismo imbarazzante; le battute di D’Angelo medico non mi piacciono e che dire degli spari dal sedere di Vitali… C’è però da precisare che al contrario di molte altre commedie del genere ambientate in campi militari, come quella del distretto dello stesso Cicero e di altri film, l’unione di caratteristi minori (alcuni quasi anonimi) come Nino Terzo, Tiberio Murgia ma soprattutto Baccaro e Jimmy (in una comparsa più lunga del solito) regala momenti esilaranti.
Commedia superiore a La soldatessa alla visita militare e una delle migliori della premiata ditta “Fenech, Vitali & co.”. Il tenente Eva Marini torna alla carica con tutta la sua sensualità pronta a farsi strizzare dal contendente di turno e a dimostrarci che una bella coppia di tette non sono un’opinione; lo splendido cast recita bene (si segnalano un Banfi “clericale” e un Dr. D’Angelo – mal sfruttato – ancor più sadico di prima) e anche Montagnani adesso funziona nel ruolo del Colonnello, a differenza di quanto accadde nel film di cui sopra.
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